カテゴリー: 演奏技術関連

　映像は、アザラシヴィリ作曲の「ノクターン」をヴィオラとピアノで演奏したものです。この曲、生徒さんがレッスン時に次の発表会で演奏してみたい曲は？という問いかけに応えてくれて初めて知りました。ヴァイオリンで演奏している動画は数多くありましたが、ヴィオラで演奏してみよう！といつもの（笑）パターン。
　浩子さんとピアノとヴィオラのアレンジを相談しながら仕上げた演奏です。何度か演奏させてもらいましたが、素敵なメロディーと奇をてらわない和声が大好きです。

　さて、今回のテーマ「音を創る」ですが、音楽を創る＝作曲とは意味が違います。演奏者が自分で演奏する「音」をどうやって創造するのかと言うテーマです。
　作曲家によってつくられた楽譜を音楽にする時、ひとつひとつの音に演奏者の「想像力＝創造力」が問われています。単に書かれた音符を楽器で演奏することではなく、どんな音色でどんな音量で演奏するのかを「考える＝感じる」ことが演奏者の楽しみでもあり作曲家への敬意でもあると思います。
　動画は録音された音ですから、作成する過程でまた音作りが必要です。コンサート会場で響く音は、聴いている人の周囲に広がる「空間」から伝わるものです。スピーカーやヘッドフォンから聞こえる音とは根本的に違います。演奏する現場では、何よりもその会場の「空間」を意識します。音が吸収される会場＝残響の少ない会場もあります。豊かな残響の会場もあります。それぞれの場所で聴いてくださる人が、心地よく聴こえる音を創ります。
　演奏者の耳元で鳴っているヴァイオリンやヴィオラの音が、会場の空気に伝わって広がり、客席に届くまでに変化します。
　音量も音色も演奏者の感じている音とは別の「音」として徴収に伝わります。

　音色は、ひとつの音に含まれる「倍音」の量と、音の出る「仕組み」によって決まります。音叉の音は倍音を一切含んでいない「正弦波」です。ヴァイオリン、ヴィオラの音は弦をこすって出る「矩形破」です。ヴァイオリンの音は多くの倍音を含んでいます。その倍音の含まれ方によって「硬い」「柔らかい」「暖かい」など人間の感じ方が変わります。数値の問題より「感じ方」が問題なのです。
　一般に、駒の近くを演奏すると「硬い」音が出ます。原因は低温の成分が減少することで暖かみの少ない音に感じるからです。
　一方で、指板の近くを演奏すると「弱い」印象になります。フランスの音楽を演奏するときなどに、意図的にこの音色を使うことがありますが、高音・低音ともにほとんど倍音が含まれなくなり、か細い印象の音になります。
　倍音の量は音の高さ＝ピッチでも変わります。ヴァイオリンの調弦は、無伴奏の時や弦楽器・管楽器のアンサンブルの時には「完全5度」を純正調の響き＝振動数が２：３の音程で調弦します。
　ただ、ピアノと演奏する場合には平均律で調律されたピアノと、純正調で調弦したヴァイオリンのＧ線「解放弦」は、明らかに違う高さの音になってしまいます。どこまで？ピアノの調律に寄り添った調弦をするのかは、演奏する曲によって考えるべきです。
　そのように調弦した解放弦のピッチと、同じ高さで他の弦を演奏した時、当然解放弦が「共振」するのですが、実は他の弦も共振しています。むしろ、演奏した音の振動が、空気と楽器のコマを通して、他の弦を「振動させる＝音を出す」ことにもなります。一本の弦を演奏しながら、他の弦を左手で軽く押さえて「ミュート」すると、明らかに音色が変わるのを実感できます。
　他の弦が一番、大きく振動するピッチで演奏したとします。
では、その音に「ビブラート」をすると？共振する→共振しない→共振する→共振しないを、ビブラートの速さで繰り返すことになります。すると新しい「音色」が誕生します。音色と言うよりも「音の高さ」が連続的に変化することで、倍音の多さも連続的に変化するのを、人間がひとつの音と「錯覚」することがこの現象です。
　テレビの映像は、一秒間に30コマの「静止画＝写真」が連続して映し出されていることはご存知ですよね？あれは、人間の目の錯覚を利用したものです。一方で、実際に動いている「物」を見ているときには？人間の目と脳の処理速度は、最新のスーパーコンピューターより速いと言われています。つまり一秒間に30枚どころか、数千、数万の画像を処理していることになります。
　ビブラートの速さは、一秒間に数回程度の「波＝ピッチの連続的な上下変化」です。聞き取れないはずはないのですが、ヴァイオリンは楽器そのものに「残響＝余韻」があります。共振している弦の余韻も含めると、ビブラートをかけて演奏しているときに、複数の音が「和音」の状態になって響いているのは事実です。遅いビブラートでは和音にはなりません。「ビブラートの速さ＜ヴァイオリン本体の余韻の長さ」で音は和音になります。

　弓の速度、弓の圧力でも音色、音量は変わります。
一定の速度と圧力で全弓を使って均一な音を出す練習は、ヴァイオリンの基本の「き」ですが、圧力を変えながら同時に速度も変えることで「均一な音」を出す練習は、さらに多くの練習時間を要します。これは、楽譜の「弓付け」に関わります。短い音で多くの弓を使いたい時、大きくしないで演奏する技術です。
　クレッシェンドやディミニュエンドでも同様に、圧力と速度の組み合わせは必要です。
　右手の人差し指と親指と小指が「てこの原理」で働くことで、弓の毛と弦の「摩擦＝作用点」の力が変化します。小指を丸くして弓の木に乗せる演奏方法を久保田良作先生は厳しく指導されました。古典的な「持ち方」とも言えますが、理にかなった技術だと思っています。小指を伸ばした状態では、美妙な力のコントロールは困難です。

　長くなりましたが、最後までお読みいただきありがとうございました。弦楽器奏者が音を出すときに、多くの関連する動きや知識を考えることが必要であることは、ご理解いただけたと思います。その上で「音楽」を創るのがヴァイオリニスト・ヴィオリストです。これからも頑張りましょう！

　ヴァイオリニスト・ヴィオリスト　野村謙介

　映像は自宅で撮影した「ぷりん劇場」より、さとうきび畑をヴィオラとピアノで演奏したものです。アレンジが変わると音楽のイメージがこんなに変わるんですね。ピアノのアレンジが変わっても旋律は変わりません。でも、演奏の仕方は変わります。これも音楽の楽しさです。

　さて、今回のテーマは以前にも触れた練習時の「足し算」です。
生徒さんが新しい曲に挑戦する時、陥りやすい落とし穴でもあり、言い換えれば上達の近道でもあります。
　様々な練習方法があると思いますが、多くのヴァイオリン初心者のかたが、新しい楽譜を演奏できるようにしようと練習する時に、初めからヴァイオリンで演奏しようとする人が多いのが現実です。え？どういう意味？
　楽譜を見て、すぐに「音楽」に出来る能力・技術をすでに持っている人も、ごくまれにいらっしゃいます。例えば、ピアノの演奏に慣れている生徒さんの場合です。ピアノがなくても楽譜を頭の中で音楽にする「ソルフェージュ能力＝読譜能力」がある人ですが、ほとんどの人はそうではありません。
　ここでは、ピアノをひけない人を前提にして書いていきます。

　まず、楽譜に書いてある音楽がすでに「音源」としてある場合とない場合で違います。プロの演奏をユーチューブで見つけても、速すぎて聞き取れない場合も良くあります。自分が演奏できそうな速さで演奏している動画を見つけても、自分と同じ程度の「アマチュア」で参考に出来ない場合もあります。
　少なくとも、楽譜に書いてある「音の高さ」と「音の長さ＝リズム」を正確に演奏している音源なのか？違うのか？がわからないのが当たり前です。ですから、初めは習っている先生に、動画やＣＤを紹介してもらうのがベストです。
楽譜のタイトルの音楽でも、全く違う楽譜で演奏しているケースの方が圧倒的に多いのです。まずは「音源探し」から足し算の始まりです。

　音源を見つけたら、その演奏を楽譜を追いかけながら「聴く」練習をします。
音楽と楽譜が一致するまで、何度も聴いている間に、音楽を覚えられるはずです。楽譜のある個所が、どんな音楽だったか思い出せるようになるまで音楽を聴くこと。これが演奏できるようになる「第１段階」です。この練習に楽器は必要ありません。むしろ、ヴァイオリンは使わないほうが良いのです。

　次に楽譜を音名「ドレミ」で歌えるようにします。出来ることなら、カタカナで書き込まずに、少しでも速く読めるように自分を追い込みながら、ひたすら音楽と音名を一致させる練習をします。覚えた音楽の「歌詞」のように、ドレミで歌えるようにすることが、ヴァイオリン演奏の「第2段階」です。まだヴァイオリンは、いりません。

　次に、その楽譜の一音ずつの「弦と指＝押さえて弾く場所」を考えます。
ヴァイオリンの為の楽譜の場合、ダウン・アップの記号の他に、ところどころに指番号が書いてあるものもあります。多くの場合は、すべての音符には、書いてありません。それが初心者用であれ、演奏会でプロが使用する楽譜であれ同じです。つまり、どの弦のどこを、何の指で押さえるのか？を自分で理解しなければ演奏できません。この段階で、楽譜を演奏するための「知識」が足りなければ、指の番号、弦の種類が自分でわからないことになります。ピアノと違い、ヴァイオリンはどこが「ド」なのか目で見てもわからない楽器だからです。
　この段階で躓いて、ヴァイオリンの演奏に終止符を打ってしまう人が多いのが現実です。せめて、開放弦で出せる音が、楽譜でどこになるのか？を理解し、そこから左手の4本の指で順番に音が「高くなる」ことくらいは、最低限覚えないとヴァイオリンで楽譜を音にすることは不可能です。
　要するに①「音楽を覚える」②「音名を覚える」③「指使いを理解する」足し算が必要なのです。ここでヴァイオリンを使うと、とんでもなく汚い音でヴァイオリンを「音探しの道具」に使ってしまいます。これが危険な落とし穴です。汚い音＝右手を意識しないで演奏する悪い習慣をつけてしまいます。まず、頭で理解することが先決です。

　ここまで理解出来たら、弓を使って実際に音を出します。
当然のことですが、左手の「指」と右手の「弓」は、別の運動です。
それを一致させる方法は？
　ピアノの右手・左手と、ヴァイオリンのそれは、根本から意味が違います。
ピアノの場合、両手共に音を出す役割ですが、ヴァイオリンの場合は音を出せるのは右手＝弓、左手は音の高さを変えるだけの役割なのです。分離して片手ずつ練習できるのは、ピアノだけです。ヴァイオリンでは、左手で押さえた場所が、本当にあっているのか？ずれているのか？は右手を使わなければ確かめられません。弓を遣わずに「ピチカート」で練習する方法もあります。地味な練習ですが、ダウン・アップがわからない時や、弓がまっすぐ動かせないという場合には、この練習方法が大いに役立ちます。
　いずれにしても、右手と左手の「同期＝リンク」のためには、自分が演奏する「音」を頭でイメージできなければ、それぞれ独立した運動になってしまいます。つまり「足し算」ではなく、交互に「左手」「右手」を意識して、いつまでたっても同期しない苦痛が続きます。
　整理すると、①「音楽を覚える」②「音名を覚える」③「指使いを理解する」④「弓を使って音を出す」という足し算です。

　この練習をする間に、いつの間にか「新しい事をしようとすると、前のことができなくなっている」事に気づきます。
　音名を覚えようとしたら、音楽を忘れたり。
　指番号を考えていたら、音名が出てこなかったり。
　弓を使って演奏しようとしたら、音楽も音名も指番号も忘れたり（涙）
それが普通です。それだけ足し算は難しいのです。
もちろん、言うまでもなく一番大切なのは①の音楽です。
音楽を忘れて演奏することは、意味のわからない言葉を話しているのと同じです。常に、①に立ち戻り、音楽を繰り返し聴くことが大切です。
　最終的に、頭の中で音楽・音名・指・弓が「ひとつのイメージ」になるまで、繰り返すのが練習です。ここまで行けば、途中で間違えても、絶対に先に進めます。逆に言えば、どれか一つでも「引き算」をしてしまうと、アクシデントに対応できないだけでなく、それ以上に上達する「足し算」ができなくなります。
音色や音量、ビブラートなどもっともっと、足し算することがあります。
それがヴァイオリンと言う楽器です。
　めげないで！頑張りましょう！
最後までお読みいただき、ありがとうございました。

ヴァイオリニスト・ヴィオリスト　野村謙介

　動画は私が中学生のころから大好きで聴いているトランペット奏者「モーリス・アンドレ」の演奏する、アルビノーニのアダージョです。
　管楽器と弦楽器。オーケストラや室内楽で、一緒に演奏することがある楽器たちですが、打楽器も含めそれぞれの楽器から学ぶことがたくさんあります。
　先日、メリーオーケストラの練習に指導で加わってくれたフルーティスト一戸　敦氏が、弦楽器の弓の動きを見て感じることで、長く静かなフルートのフレーズを演奏できる話をされました。弦楽器の弓の動きは、音を出す運動そのもので、眼に見えます。管楽器、声楽の場合はそれが目には見えません。管楽器奏者から見て、弦楽器の「弓の動き」は彼らの「息」なわけです。
　では私たち弦楽器奏者は、管楽器の演奏から何を学べるのでしょうか？

　一番強く感じるのは、私たちが無意識に「返している」弓の動きです。
ダウン・アップの連続で音を出すヴァイオリン演奏者は、未意識に弓を返して音楽を演奏しています。言い換えれば、スラーが書いてあれば「レガート＝なめらかに」、弓を返す時には「適当に」笑、になってしまっている気がします。
　弓を返すことと、フレーズを切ることは別のことです。管楽器で言う「タンギング」が弦楽器では「弓の動き出し」に該当します。言葉で言うなら「子音」「母音」に当たります。それを意識することと、フレーズがどこまでなのかを考えることは本来、別の問題なのにただ楽譜のスラーだけに目が行きがちなのが、弦楽器奏者の悪い癖かも知れません。
　タンギングの強さ、柔らかさが弦楽器のアタックです。「噛む」と言う表現を使うこともあります。動物がかみつくときの「音」のイメージがアタックでもあります。弓を返すたびにこの「アタック」をどのくらい、付けるのかによって音のイメージが大きく変わります。
　日本語で例えるなら「海＝うみ」「弓＝ゆみ」「無味＝むみ」「組＝くみ」「文＝ふみ」「墨＝すみ」
など母音が「う」でも子音が変われば意味が変わります。アタックは子音を表しています。ヴァイオリンの楽譜をすべて文字に置き換える必要はありません。ただ、なんとなく返してなんとなくアタックが付いたり、付かなかったりするのは管楽器ではありえないことだと思います。

　次にフレーズを意識する時に、管楽器や声楽の場合と、ヴァイオリンなどの弦楽器の場合、さらにはピアノの場合に演奏者の「感じ方」が違うのかもしれません。おそらく、音楽のフレージングは歌うとき＝声楽で考えることが前提になっているように思います。作曲者が意図的に、人間が一息で歌いきれない長さの「フレーズ」を作った場合に、歌う人・管楽器奏者はどこかでブレス＝息継ぎをせざるを得ません。弦楽器やピアノの場合は、苦しくないので（笑）息継ぎの場所を考えることもなく、フレーズを意識しないで演奏してしまう傾向があります。また弦楽器の弓が、先になると弱くなり、元に来ると強くなるという「不自然な強弱」が起こりがちです。これも音楽のフレーズとは無関係な「癖」の場合があります。日本語で言うなら、「えーっと、きょうは、れんしゅうを、して、ないです」の切れ目ごとに大きく言えば「こどもっぽく」聞こえ、逆に切れ目ごとに弱く話すと、何を言っているのか聞き取りにくい話し方になることに似ています。センテンスの切れ目を理解して、強く言いたい言葉を目立たせる話し方が、正しい話し方です。

　管楽器が音を保つ=キープする時の話も、一戸氏から聴きました。
ディミニュエンドの難しさも実際に演奏して示してくれました。
弦楽器奏者が、何気なく音を伸ばすのに対して、管楽器の場合に息を「維持する」ことや、音の強さを変化させることの体感的な難しさがあることに改めて気づきました。単にクレッシェンドする、ディミニュエンドするイメージから、「音を維持しながら」ということを加えることが如何に大切なのかを学びました。
　息を吸う、吐くと言う人間が無意識に行っていることを「演奏」に使う事の難しさは、私たちが弓を動かせば音が出るという安直な発想に陥っていることから脱却する必要があります。ダウン、アップ、元、中、先という物理的な「弓の動きと場所」を、音楽の中で生かすも殺すも演奏者次第です。単純に音の出る仕組みと、楽器の構造や素材が違うだけではなく、管楽器や打楽器から学ぶべきことが山ほど（笑）あることを再認識しました。さぁ！これからだ。
　最後までお読みいただき、ありがとうございました。

ヴァイオリニスト・ヴィオリスト　野村謙介

上の1枚目と2枚目の写真は、高校1年生の時、クラスで江の島に「遠足」に行った時の集合写真。3名目の写真は、恐らく高校2年生？で恩師、久保田良作先生門下の発表会時に撮影したもの。寺神戸君や、吉野先輩の顔も。
それぞれの人に、歴史があるわけで長生きすると、歴史も増えます。
記憶のあるなしに関わらず、現実に体験してきたことが歴史です。
音楽高校である「桐朋女子高等学校音楽科（共学）」に間違って合格したのが15歳で今61歳。写真の当時も音楽に関わって生きていて、それ以前にも音楽との関りは「それなり」にありました。中学生当時の音楽部仲間と、今も交友しています。

　音楽の学校で学ぶことで、得られるもの。
演奏の技術、音楽の知識。それだけなら、音楽の学校に行かなくても身に着けられます。それ以外に何が得られるのか？普通科の学校・が医学と何が違うのか？
　学校での友人が「音楽仲間になることです。普通科の高校でも、音楽仲間と巡り合えます。バンド仲間や吹奏楽部仲間など。ただ、音楽科の学校だと、友人がすべて音楽を学ぶ人なので、当然音楽の仲間でもあります。
　そうは言っても当時、すべての級友、同期の生徒と仲が良かったわけでもありませんでした。1学年90人の中で、男子11人。その中でピアノ専攻5名がＡ組、弦楽器3人がＢ組、フルート1名作曲2名がＣ組にまとめられて（笑）いました。

　音楽の学校で知り合った当時、誰がうまい、誰それの技術は…という話も良く出ました。声を掛けられれば、誰とでもいっしょに演奏しました。
　若気の至り。なんとなく無意識のうちに、刺々しい関係にもなりました。
同じ門下生の中でも、学年で誰が一番うまい…と言う序列が常にありました。
その人間関係に耐えられる、メンタルの強さと同時に、音楽から離れた人間関係も築くことが必要でした。中には「一匹狼」で寡黙に過ごしている人もいましたが、それがすべてだったのかどうかは、本人でなければわかりません。
　音楽仲間と思えるようになったのは、実は割合最近の事のように思います。
いわゆる「現役」の世代は、友人との関係よりも仕事である音楽と向き合うことで、ほぼすべての日常が終わります。生き残りゲームの真っただ中にいるのですから当然です。
　年齢を重ねると、体に抱える「病気の歴史」も嫌ですが増えてきます。
身体が今までのようには動かせない、演奏するにしても「力で押し切る」演奏はしたくもないし、出来ません。逃げのように思われますが、他の演奏家との「距離」は昔よりも近くなった気がします。誰がうまいか？より、あいつは元気か？生きているのか？という世代なのかもしれません。
　現実に、高校・大学時代の友人、近い世代の人が何人も世を去られました。
中には、30台になる前に亡くなってしまった友人もいます。年齢が近いということは、親世代の年齢も近いわけで、介護に直面する人がほとんどの世代です。
　そんな共通の歴史観をもつ、音楽仲間が一緒に演奏できる場を作ってみたいと思っています。「○○記念オーケストラ」のような「すげぇだろ！」な存在ではなく、普段着で演奏を楽しめるオーケストラ。次世代の若者、子供たちとも一緒に演奏できる空間が、日本にあるでしょうか？当然、「プロ」とか「元プロ」という肩書＝プライドを捨てて集まることが前提です。演奏を心から楽しめるのであれば、演奏技術より大切なものが感じられるはずだと信じています。
　そんなオーケストラに、メリーオーケストラがなってくれたらなぁ…と、のほほんと思うのでした。
　最後までお読みいただき、ありがとうございました。

ヴァイオリニスト・ヴィオリスト　野謙介

　映像は、ピアソラ作曲の「タンゴの歴史」からカフェとナイトクラブです。今回のテーマは、ヴァイオリンを演奏する人にとって大きな謎の一つです。購入したいヴァイオリンを選ぶとき、楽器店に行っていくつものヴァイオリンを演奏して比べますよね？
　一人の人間が違う楽器を演奏した時に感じる「違い」とは別に、ひとつのヴァイオリンを違う人が演奏した時に、楽器の音は変わるのでしょうか？結論から言うと、変わります。

　当然、楽器そのものの構造や材質が変わるわけではありません。演奏者の弾き方によって、楽器のなにが？どう変わるのでしょうか？単にじょうずな人が演奏すると良い音がする…と言うことではありません。楽器固有の「素の音」があります。人間の声で考えるなら人によって、地声が違うのと同じです。
　楽器を演奏するときに、演奏者が望む＝好きな音で演奏しようとします。音の大きさ、音色の感じ方は人それぞれに違います。
同じ音を何人かの人が同時に聴いて、同じ印象を持つことはありません。ある人は高音が強いと感じ、ある人は高音が足りないと感じます。数値化しても他の楽器と比較しない限り、固有の楽器の音を表わすことは不可能なのです。
　自分の好みの音量・音色を目指してヴァイオリンを演奏すると、次第にどう演奏すると、どんな音量・音色が出せるのかを演奏者が見つけられます。その弾き方になれると、自分の好みの音で楽器が鳴ります。演奏者は「音が変わった」と感じます。それは自分の演奏の仕方が変わったのです。これが「演奏者の変化」です。

　一方で、楽器自体は何も変わらないでしょうか？短時間＝数時間で木材の固さが変化することは物理的にあり得ません。弦は時間と共に変化します。温度・湿度、さらに「芯」に当たる素材の伸び方、弦表面の変化もあります。
　楽器を自分の好きな音量・音色で、長時間＝数日～数年演奏し続けると、楽器の中で、特有の部分が常に大きく振動します。大きくと言っても目に見えるほどの大きさではありませんが、音自体が空気の振動ですから、その音の高さと大きさによって、楽器本体の「木」も振動します。そして、演奏の仕方によって、その振動の場所が変わります。解放弦を演奏しながら、左手で裏板をそっと触ってみると、ある部分だけが大きく振動しているのを感じます。違う高さを弾くと、違う部分が振動していることに気づきます。
　金属の場合は、「金属疲労」と言う言葉があるように、常に一定の力が加わるとやがてその部分が破断します。木材の場合は、強い力が加われば「削れる」か「割れる」ことがありますが、金属に比べて木材は柔軟性に富んでいます。固い木が乾燥すると、乾いた音になります。それがヴァイオリンの「体＝共鳴箱」です。
　振動し続ける部分が、振動しやすくなるのは当然です。
つまり、演奏者の好みの音量・音色が、ヴァイオリンの「木」を振動しやすく変化させていることになります。これが「楽器の変化」です。

　ヴァイオリンに限らず、演奏方法で楽器の音量も音色も変わるはずです。その変化を起こす技術が演奏者に必要です。
ヴァイオリンで言えば、弓の張り方ひとつで音色が変わります。
弓の毛を当てる弦の場所が、数ミリ変わるだけで音色が変わります。圧力がほんの少し変わっても音色が変わります。弦の押さえ方でも音色が変わります。ピッチがほんの少し変わっただけで、音色が変わります。いつも決まったピッチで、それぞれの音の高さを演奏していると、ヴァイオリンが共振しやすくなります。
　他にも音を変える要素はたくさんありますが、つまりは演奏者の「耳」が基準であるということです。
　残念ながら、人間の耳は体調によって聞こえ方、感じ方が違います。場所が変われば聞こえ方も変わります。その不確定な「耳」に頼るしかありません。だからこそ、「技術」を安定させる必要があります。「視覚」に頼らずに「聴覚」と「触覚」に神経を集中させることで、自分の楽器の音を、自分好みの音に替えることが可能になります。頑張ろう！
　最後までお読みいただき、ありがとうございました。

ヴァイオリニスト・ヴィオリスト　野村謙介

　動画は、チャイコフスキー作曲「懐かしい土地の思い出」の「瞑想曲」です。下手な演奏ですみません。
　私たちが聴くことのできるクラシック音楽は大きく分けて「スタジオやホールで録音した音楽」と「コンサートで聴く音楽」があります。
コンサートの演奏を録音したものも、コンサート演奏の「一部」として考えてみます。。
言うまでもなく、レコーディングを目的とした演奏は、演奏者と録音技術者・プロデューサーの納得がいくまで、何度でもやり直しができます。技術的には、うまく演奏出来た部分を「つなぎ合わせる」ことも可能です。
　一方で演奏者が聴衆の前で演奏する場合は、「一発勝負」でやり直しはできません。
　あなたは、どちらの演奏が好きですか？

　仕事として演奏する立場で考えると、それがレコーディングのための演奏でも、コンサートでの演奏でも、同じお仕事です。
　違うとすれば、レコーディングの場合には、音量、音色より「正確さ」を求められます。簡単に言えば、楽譜に書いてある通りに間違えないで演奏することが必須条件です。コンサートで演奏する場合でも間違えないで演奏することは重要なことですが、音量・音色と聴いてくれている「人」をその場で満足させる「気持ち」が何よりも大切です。会場の響き、他の演奏者とのバランスを事前に確認して本番の演奏に臨むのが「生演奏」です。

　生きている人間が、生きている人の前で音楽を演奏するのが「生演奏」だと思います。機械で再生された音楽は、その意味で言えば生演奏ではありません。
　以前、マドンナのライブを見に（聴きに）当時の後楽園球場にいったことがあります。歌っている姿は、望遠鏡がなければ見えません。スクリーンに映し出されるマドンナの映像と、大音量で球場に響き渡る音楽。椅子にも座らず、立ち上がって「狂乱」するオーディエンス。その場の空気は楽しいものでした。が！
　その後、そのライブをテレビで見たときに、実はマドンナが歌っていないことを知ってしまいました。おそらく、歌以外の音も予め録音されていたものだったのだと思います。すべてのライブがそうだとは思いません。会場＝球場で不満はありませんでした。
　もし、クラシックの演奏会でCDの音を再生し、演奏者は「あてぶり」で弾いた振りをしたら、どうなるでしょうか？

　演奏に「傷」が許されないとしたら、人間が演奏する必要はありません。コンピューターで作り上げたヴァイオリンの音を、実際に演奏した音と「ききわけ」できないレベルまで仕上げることは、現在でも可能です。音楽に限らず、映像の世界でも、調理の世界でも、似たようなことは既に現実になっています。
　レトルト食品、冷凍食品のおいしさは、すでにレストランやお店で食べる「以上」の場合が増えています。「人工知能＝ＡＩ」が進化して、人が運転しなくても目的地まで安全に走る「自動車」がすでに存在します。音楽も、そうなるのでしょうか？

　人間が演奏しない音楽も、確かに音楽です。
それを「便利」だと感じるのも個人の価値観です。
なにも楽器の演奏が出来なくても、パソコンで曲を作ることもできます。データを打ち込んで、演奏し録音することもできます。
音楽の楽しみ方のひとつになったことは事実です。
　人間が感じる、楽器を演奏する楽しさ・難しさ・喜びがあります。
演奏をすべて機械にゆだねてしまえば、それが失われます。
　人間が演奏前に緊張するのは当たり前です。うまく演奏出来たり、出来ないこともあるのが人間です。演奏者に聴衆が、自分の理想やパーフェクトな演奏を求めるのは、どこか間違っていると思います。生きている人間が、自分の目の前で演奏していることが、どれだけ素晴らしい時間なのかを、聴く側も考える時代に入りました。「バーチャル」全盛の今だからこそ、リアルな人間の演奏に魅力を感じる時代なのです。生身の人間が演奏する音楽を、守ることができるのは実は、演奏者側ではなく「聴いて楽しむ側」が担っています。聴く人が求めなければ、演奏者は消滅します。演奏者が消滅すれば、趣味で楽器を演奏することもできなくなります。「楽器」そのものが消えるからです。
　最後までお読みいただき、ありがとうございました。

ヴァイオリニスト・ヴィオリスト　野村謙介

　Youtubeに自分の演奏、自分が指揮をした演奏、編集した映像を、自分の半生用と生徒さんの参考にと思いアップしてきて、その数がこの動画で500本目です。
・チャンネル開設当初の「MrKabajiru」
URLは　https://www.youtube.com/channel/UCli07laNGU99USxnDO9CTyA
・その後、動画数が増えたので作った「野村謙介」

URLは　
https://www.youtube.com/channel/UCK0zl04-SCFOlKBlyv_9tdg
・それでもパンクしそうだったので作ったのが「野村謙介チャンネル3」
URLは　https://www.youtube.com/channel/UCMAZycdSb68eZ3DzN5GwmTg
と、いつの間にか増えた動画たちです。

　動画の中には「限定公開」と「公開」の2種類があります。人様にお聞かせできないと思った映像は「限定公開」でアップしていますが、それ以外の動画がお見せできる動画だとも思っていないわけで（汗）「じゃ、なんでアップしてるの？」と素朴な疑問。
　この考え方には賛否両論あるのですが、インターネットという誰でもが見ることのできる空間に、見られることを前提に動画をアップするのは目的があるからです。
　プロの演奏家が自分の演奏をアップする場合「広報＝宣伝」が主な目的だと思います。入場料金を頂くコンサートの演奏風景を、Youtubeで「ただで見られる」と言うことに不公平感を感じるお客様もいるかも知れません。さらに言えば、その映像だけで十分満足できるかたなら、チケットを買わずに配信されるのを待っている方法もあります。　宣伝のつもりが、逆効果になるとも考えられます。
　現実に、配信に課金する＝お金を払うと動画を見られる方法で、コンサートを開いているプロの演奏家も多くなりました。時代の変化です。
　ネット配信にお金を払う人にとって、無料で同じ動画が配信されたら、きっと怒りますよね？
　「投げ銭方式」で払いたい、払ってもいいという人が自由に支払うという方法もあります。そのほかに、クラウドファンディング方式でネット配信するプロも見られます。
　どんな方法であれ「お金をもらう配信」には私は踏み切れませんし、自分の演奏動画にお金を払いたいとも思わないのが現実です（笑）
　コンサートを開き、お客様と会話し、演奏を聴いていただくことが好きなのです。広告にお金をかけられません。スタッフも必要最小限です。撮影も同じです。編集作業は自分で行います。その映像を無料で公開して、演奏会に足を運んでくれる人が「増えるのか？」と言われれば、答えは残念ながら「いいえ」です。宣伝としての効果が見込める演奏家もいると思いますが。

　生の演奏とパソコンやスマホで聴くことのできる「機械音」が、どう違うのかを並べ立てても、パソコンで十分と言う人には「だからなに？」という話です。
コンサート会場に、行きたくても行けない人もたくさんいます。私も一人でコンサートに行くことは視覚障害のために出来なくなりました。高齢のかたに、招待状を送るのも不安になることがあります。その方たちが、ＣＤやDVD、インターネットを使うことができれば「疑似コンサート」を楽しんでもらうことができます。
　コンサートならではの「良さ」を演奏する演奏家、主催する人間が本当に理解しているでしょうか？単に「音質」の問題だと片づけられることではありません。「演奏家を見られる」と言うのも今や、会場でないほうが良く見える時代ですよね。逆に自宅や、電車の中で好きな時間に、一人で音楽を楽しめるという意味では、コンサートに勝ち目はありません。
　私は先述の通り、会場でお客様の反応を見ながら、話したり演奏したりすることが好きなのです。お客様が演奏者と「相手の顔を見ながら会話する」ことは、ネット配信の場合とは明らかに違います。「ライブチャットがあるよ」と思われるかもしれませんが、演奏中にモニターを見ながら演奏しますか？演奏後に、チャットで一人ずつと「やりとり」できても握手はできません。
　人と人の「ふれあい」がコンサートでしか感じられないことではないでしょうか？お客様同士の「仲間意識や連帯感」もその一つです。休憩時間に、お客様同士が楽しそうに会話している姿を、楽屋のモニターで見ていると、とても嬉しく感じます。

　自分の演奏を公開することが、正しい行為かどうかは、人によって答えが違います。少なくとも現在は、Youtubeで誰の作曲した音楽を演奏しても著作権料を支払わなくてもアップできます。ユーチューバーとしてスポンサーからお金をもらうようになると話は別ですが。
　自分の演奏を誰かが見てくれることが「嫌だ」と思うなら、利用しなければ良いだけです。誰かが見てくれて、楽しんでくれたり、参考にしてくれることを「良し」とするなら、アップするのも楽しいと思います。
　これから、どんな演奏を記録できるのかわかりません。
自分のモチベーションを維持するためにも、コンサートを開き続け、演奏を公開できる内容になるように、頑張るのです！
　最後までお読みいただき、ありがとうございました。

ヴァイオリニスト・ヴィオリスト　野村謙介

なんとなく自虐的なテーマですが笑
上の動画は見ていて・聴いていて、あまり難しそうに感じない曲かも知れません。チャイコフスキーの作曲した「無言歌」をクライスラーが編曲したものです。
　私も含めてヴァイオリンを演奏する人にとって、いつまでたっても上達しない＝うまくならない気がする「壁」が立ちはだかります。
　ピアノを演奏する人も同じだとは思います。どんな楽器や歌でもきっと感じるのだろうと思います。
　ヴァイオリンを演奏し、教える仕事をする立場で考えると、「気」だけではなくもっと客観的に「どうして、そう感じるのか」を言語化する必要を感じました。

　ヴァイオリンを始める以前に、楽器の演奏をしたことのない生徒さんもいます。ピアノの演奏経験があるヴァイオリン初心者の生徒さんもいます。ヴァイオリンを初歩から始めて、趣味で演奏の上達を目指す人たちににとって、出来るようになったと感じる「達成感」はどんな時に感じるでしょうか？
　初めてヴァイオリンを構え、弓を自分で持って「音」が出た時の感動は、誰でも感じる「おー！ヴァイオリンだ！」という感動と音を出せたという達成感があります。
　次に何を練習してもらうべきか？生徒さんと先生によって違います。
生徒さんが小さい子供の場合には、「音を出す楽しさ」を忘れさせないように＝飽きさせないようにすることを優先します。
大人の生徒さんに「正しい弓の動き・弓の場所・角度」を説明し、弓をたくさん使った練習をしてもらうことも良くあります。この練習で「出来るようになった」達成感がどれだけ得られるでしょうか？練習の必要性をどれだけ理解してもらえるでしょうか？いつまでこの練習をしてもらえば良いのでしょうか？
　言うまでもなく、弓を大きく使えるようになることは、上達のための必須条件です。だからと言って、この練習だけでモチベーションを維持するのは、かなり無理があります。頑張れても２~3日だと思います。レッスンが週に1回だとしても2回目のレッスンまで、これだけ練習するのはかなり「酷」な話です。
　では、この練習はそこそこにして、1本の弦だけを弾く練習、2本の弦を同時に弾く練習を宿題にしたらどうでしょうか？「むずかしい！」ことは感じてもらえるでしょうが、できるようになるまで続けたら、何週間、何カ月も開放弦の練習をすることになります。これまた非現実的です。
　では、左手で弦を押さえてたとえば「１」の指で出せる音を、開放弦と交互に弾く練習を課題にしたら、出来るようになった達成感はあるでしょうか？多くの生徒さんの場合、ピッチがあっていない＝開放弦との音程があっていない場合でも、なんとなく押さえたり放したりする「繰り返し」になり大切を実感できません。ましてや右手の「ダウン・アップ」と「0→1→0→1」がずれないようにする技術がすぐに身に付くわけではありません。はぁ~涙

　ピアノを始めて習いレッスンを受ける生徒さんんと比べて、圧倒的に「曲」を演奏できるようになるまでの時間が長く必要なのが、ヴァイオリンです。
　曲が演奏できるようなる…と言っても、ヴァイオリンで演奏できるのは単旋律のメロディーです。それさえ、初めは曲にならない音程の不安定さで、生徒さん自身でさえ「気持ち悪い」と思う事もあります。
　少しずつピッチが正確になっても、雑音が多くきれいな音が出せない「壁」にぶり当たります。また、ダウン・アップが混乱したり、スラーがどこかに飛んだり…短い曲を止まらずに、間違えずに演奏できるようになるまでの時間が、同じ曲をピアノで止まらずに、間違えずに演奏できるようになるまでの時間の「数十倍」かかるのがヴァイオリンです。間違えないだけでも大変ですが、そこに「きれいな音＝雑音を出さない」で演奏できるまで、その曲だけ練習していたら生徒さんは一人もいなくなるでしょう涙。
　その壁を越えたら、常に達成感が得られるのか？というと、それがまた難しいように思います。「音の高さ＝ピッチ」の「正確さ＝精度」と「判断の速さ＝反応の速さ」を高めるには、耳のトレーニングが必要です。ヴァイオリンを演奏しながら「耳」のトレーニング、つまり自分の音を聴き続ける練習が不可欠で、その上達を自分で感じる「達成感」はほとんど感じられません。何カ月、何年と言う時間で少しずつ身に付く技術だからです。

　ピアノに比べ感じられる達成感が「薄い」ヴァイオリンです。
だからこそ継続できる生徒さんが少ないことも事実です。
ピアノだけで音楽が完成する曲の数は星の数ほどありますが、ヴァイオリン初心者のために作曲された曲数が少ないだけではなく、ピアノの伴奏か他の楽器と一緒に演奏しないと音楽が完成しない＝音楽の一部分だけの楽譜が圧倒的に多いのも初心者の壁です。
　一緒に演奏することが前提の楽器です。少しでもヴァイオリンを演奏できるようになったら、ピアノと一緒に演奏することで大きな達成感と新しい感動を感じることができるのはヴァイオリンならではの楽しみ方です。

　プロのヴァイオリン演奏を見たり聞いたりすると、手品師か曲芸師のように指や手が速く動くことに目が行ってしまいがちです。ピアノのように和音を連続して演奏できる楽器と違い、ヴァイオリンは「見た目の難しさ」と「本当の難しさ」がまったく違う楽器です。指や弓を速く動かすことが一番難しそうに見えるから、簡単な曲なら弾けるような「錯覚」をしてしまうのも初心者に多い話です。言い換えれば、ピアノは一般の人が聴いて感じる難しさと、実際の演奏の難しさが比較的近い楽器であるのに対し、ヴァイオリンは「簡単そう」に見える・聞こえることを演奏することがとても難しい楽器です。そのことに気が付くことが第一歩です。音階を正確にきれいな音で演奏することの難しさを知ることでもあります。初心者のヴァイオリニストが演奏した曲を、プロが演奏するとまったく違って聞こえるのがヴァイオリンです。それでも、少しずつ技術を身に着けていく根気があれば、かならず上達します。
　私も自分に、そう言い聞かせて日々練習しています。プロもアマチュアもヴァイオリンの「難しさ」は変わらないのです。プロだから簡単にできる演奏技術は、存在しません。生徒さんが難しいと思うことは、先生たちでも難しいのです。
一緒に頑張りましょう！
　最後までお読みいただき、ありがとうございました。

ヴァイオリニスト・ヴィオリスト　野村謙介

映像は、ピアソラ作曲の「アヴェ・マリア」をヴィオラとピアノで演奏したものです。自分で弾いてい自分で聴いて楽しめる、数少ない演奏（笑）です。
1.誰かの演奏を聴いて楽しむことが好きな人。
2.誰かに演奏を聴いてもらうことが仕事であり、それが好きな人。
さらにもう一つの分類として…
3.「自分が弾いて自分が楽しむ人」
多くの場合は、プロの演奏を聴いて楽しむというケースですが、
趣味で演奏を楽しむ人「3」の人は、「１」のプロの演奏を聴いて楽しむ人でもあります。
では、「2」のプロの演奏家は誰かの演奏を聴いて楽しまない？
私の知る多くの演奏家は、自分以外の演奏を聴いて楽しむ人がほとんどです。
さらにその「2」プロの演奏家は「3」の自分で演奏して楽しむことは、ないのでしょうか？演奏会の演奏中に、自分の演奏を聴いて楽しむことは、現実にあるのでしょうか？演奏する人によって違うとは思いますが、自分の演奏が嫌いなプロが、お客様に聞いてもらうことはお客様に失礼だと思います。
　自分の作った料理がおいしいと思えない料理を、プロの料理人がお客様にだすでしょうか？ありえませんよね。
　もちろん、楽しみ方は客席で聴くのとは違います。何より演奏するための「体力」は座って静かに聴く人と同じであるはずがありません。が、音楽を聴いていること自体は変わりません。

　趣味で演奏を楽しむ人は、プロの演奏を「真似る」楽しさなのだと思っています。もちろん、真似をしなくても楽器の演奏は楽しめます。
　ヴァイオリンを演奏できるようになりたいと言う生徒さんの中で、ヴァイオリンの演奏を聴かない、あるいはほとんど聞いたことがないという生徒さんがたくさんいます。その生徒さんが、どんなヴァイオリン演奏をしたいのかを探ることから始めます。楽しみ方にルールはありませんから、ヴァイオリンの音を出すだけで楽しいと言う方がいても不思議ではありません。ただ「演奏できるように」という演奏の「イメージ」もないと、上達することは無理かもしれません。
　ヴァイオリンでどんな演奏をしたいのか、演奏技術がないのですから、うまく言語化できないのは当然です。それでも、日常の生活でヴァイオリンの演奏を聴く時間はあると思うのです。その興味、関心がなければヴァイオリンの音を出すだけで終わってしまうと思います。
　自分が食べておいしいと思う料理を、自分で作って自分で食べて楽しむのと同じです。「料理をすることが好き」という人もいます。美味しくできなくても良いのかも知れません。料理教室に通う人がなぜ？なにを習いに行くのでしょうか。料理の仕方、包丁の使い方を習うためだけに行くのではなく、自分の料理で誰かが（自分も）食べておいしいと思う料理を作る方法を学ぶ方が楽しいと思うのです。

　演奏の技術は、どんな曲をどんなふうに演奏したいのかによって全く違います。極端に言うと、一番最初の段階である楽器や弓の持ち方から学ぶべきものが違います。少し演奏できるようになった段階でも、練習する内容が違います。
子供の場合はそれがまだ白紙の状態です。だからこそ、多くの子供に対して練習のプロセスが似たものになります。将来、その子供が演奏家になりたいと思った時に後悔しない技術を身につけさせたいと思うのが指導者です。たとえ趣味であっても、初めから妥協だけを優先して練習すれば、得られるものは何もないと思うのです。演奏家を目指すのではなく、じょうずにヴァイオリンを演奏できるようにしてあげたいと家族や指導者が思うことが、何よりも大切だと思います。
「趣味でいいので」という言葉の裏側に「妥協」や「甘え」を感じてしまうことが良くあります。一方で生徒さんの中には「趣味でもちゃんと演奏できるようになりたい」と言ってくれる人もいます。うまくなりたいと思わない人に、なにを教えれば楽しんでもらえるのだろう？と頭を抱えることが多いのが、趣味の音楽を教える私たちの悩みでもあります。

　好きな音楽に出会うことと、楽器を演奏できるようになりたいと思うことは、切っても切れない関係です。たとえ、ロックやジャスを聴くのが好きな人であっても、楽器を演奏するために必要な知識と練習はただ聴いて楽しむのとは違う、新しい世界なのです。楽器を演奏することが楽しいのは、自分の好きな音楽を自分で演奏して、自分が楽しめるからです。自分で作って自分が食べる料理が、ただ必要なカロリーや栄養のことだけを考えて作るのか、それとも美味しいと思える料理を作るのかで、全く違うのと同じです。食事はしなければ生きていけませんが、音楽は聴かなくても演奏できなくても生きることができます。むしろ、楽しむことが音楽の意味だと思うのです。楽しめない音楽なら、無理に聴く必要も演奏することも時間と労力の無駄だと思います。習うのであれば、お金の無駄にもなってしまうと思います。楽しみのために覚えたり、練習することが楽しく感じるまで「続ける」ことも音楽の楽しさを感じるための「楽しみ」だと思うことが大切だと信じています。
　最後までお読みいただき、ありがとうございました。

ヴァイオリニスト・ヴィオリスト　野村謙介

　2022年5月8日（日）午後、橋本駅前のメリーミュージック駅前教室での生徒さんとの対談です。
　現在20歳になる男子。4歳からヴァイオリンを始め、毎週母親に連れられてレッスンに通い続けた少年が、立派な青年になり今もなお、レッスンに通ってきてくれます。今回が「459回目」のレッスンでした。

　小学校4年生から塾に通いながら、並行してヴァイオリンのレッスンに通い続け、中学校は国立の「筑波大学付属駒場中学校」に進学。中学に入学後もレッスンにはお母様と通い続け、同高校に進学しても時々、指揮のレッスンを交えながらのレッスンが続きました。
　大学は東京大学に現役で合格。それからも時折レッスンを受けてくれています。彼が幼稚園の時から、成人し私より背が高い「見下ろされる」存在になったことが不思議なほどに嬉しいのです。

　教員時代、東京大学に進学した音楽部員もいました。京都大学に進学した男子部員もいました。一橋大学にＡランクで絶対に合格できると言う成績の女子部員が、音楽大学の打楽器専攻に進学したこともありました。
　ただ、一人の生徒にかれこれ16年関わって来られたことは、自分が教員を辞め自分の教室を立ち上げ、地道に続けてきた「勲章」でもあります。
　すべての生徒さんが、それぞれの個性と環境の中で生きておられます。
音楽を趣味とする生徒さんに音楽の楽しさを伝える教室「メリーミュージック」に通う生徒さんの一人一人に、私の思いがあります。
　体験レッスンだけで終わってしまった方もおられます。
数カ月、数年でレッスンに来られなくなる生徒さんの中には、何も言わずに突然来られなくなった生徒さんもいらっしゃいます。私の力量不足です。
　継続は力なり
始めるのは簡単、やめるのも簡単。続けることが何よりも難しいのは、ヴァイオリンや音楽に限ったことではありません。一つのことを、やり続ける気力、根気、強さがその「ひとつ」の事以外の事にも、大きな影響を与えていることを彼と話しながら感じていました。

　成長する生徒とは、彼のように子供から大人になったという成長だけではありません。大人でも高齢者でも成長していることを私たちは実感しています。
　演奏家を目指す生徒に、レッスンをする先生たちと違い、私の教室は生徒の成長をサポートするのが仕事です。
　彼が受験勉強で練習する時間と体力を維持できない時に、彼の家族と同じように応援する気持ちを持ち続けることは、教室の経営としてマイナスなのかも知れません。その時々で壁があり、乗り越えるために誰かの協力が必要になることは、音楽でも多くの場面で起こることです。それが家族だったり、ヴァイオリンの先生だったり、塾の先生や友達だったりすると思うのです。
　成長した彼が、家族に感謝していることを自分の言葉で私に伝えられる「おとな」になったことが、ヴァイオリンの技術が上達したことよりもずっとずっと、嬉しいのです。
　これからは彼らの時代です。私たちは彼らに支えられる世代になります。それが自然の摂理です。今、彼にしてあげてきたことを振り返り、反省もありますが「ヴァイオリンを続けられた理由」に私の教室だったからと言ってくれる言葉に感謝しています。
　多くの生徒さんたち、保護者の皆様。
彼は決して特別な才能や素質を持った天才ではありません。
私が見ていたヴァイオリンで言えば、特殊な技術を持っていたわけでもありません。他の生徒さんと同じレッスンをしてきました。そのレッスンで与えられた課題を家で家族と一緒に練習し、家族が支えてきただけなのです。
　きっと勉強もそうだったのだと思います。
なにが「普通」とは言えません。でも彼は、どこにでもいる「男の子」なのです。これからの彼の成長が楽しみです。
　最後までお読みいただき、ありがとうございました。

ヴァイオリニスト・ヴィオリスト　野村謙介