TEL.042-782-1922
※原宿南教室〒252-0103
神奈川県相模原市緑区原宿南2-26-1
2023年になりました。兎年。私?年ですが（笑）
一年の計は元旦にあり？あるのかな~？今までも元旦に「よし！今年こそはっ！」と誓ったものですが、年末にはそれさえ忘れてたような人生。とほほほ。
今年の目標！「来年のお正月も平穏に迎えられること」って駄目ですか？
穏やかに一年を暮らせるなら、それが一番の事です。昨年末に「今年の10大ニュースってなんだろうね？」と二人で考えて、10個もないから３大ニュース（笑）
第一位！ 浩子さんが電子楽譜「グイド」を使い始めたこと
第二位！ お風呂の換気扇が壊れて新しくなった
第三位！ 特になし（笑）
その位に穏やかな一年でした。つまらない？いえいえ。これぞ平穏！
今までの62年間に、やり残してきたことは山ほどあります。
でもそれを悔やんでもいません。受け入れることができる年齢になって、それを共感できるパートナーと暮らせることが一番です。
今年も一年、屁理屈ブログにお付き合い下さい！
最後までお読みいただき、ありがとうございました。
ヴァイオリニスト・ヴィオリスト 野村謙介
映像は友人の作曲家、Ikuya Machida君がアレンジしてくれた「ビリーヴ」を陳昌鉉さんのヴィオラを使って、浩子さんと自宅で撮影したものです。
ヴァイオリンなど楽器を使って「歌」を演奏する場合、特にクラシック歌曲ではなくポップス系の音楽を演奏すると「安っぽく」聴こえてしまうことがあります。演奏技術の不足と、アレンジの稚拙さが原因の場合がほとんどです。
旋律は美しいのに、ピアノのアレンジが…いま百（笑）と言う楽譜がほとんど。
かと思えば、ヴァイオリンが旋律を演奏していたと思ったら、ピアノが旋律を演奏し始めて、ヴァイオリンは「ひゃらひゃらら~♪ぴろりろり♪」もしかしたら？オブリガードのつもり？なのか意味不明な「別物」をひかされると言う「あるある」なアレンジ。ヴァイオリンにメロディー弾かせてくれ！（笑）
綺麗に弾けば、綺麗な曲がたくさんあります。
もっと「現代ポップス」に光を当てましょう！
最後までお読みいただき、ありがとうございました。
ヴァイオリニスト・ヴィオリス 野村謙介
上の動画は、オイストラフ。下の映像はムターの演奏です。
どちらも大好きな演奏家なのですが…弓の「使い方」音の「出し方」がまったく違う二人に感じます。
・オイストラフは「口に入れると溶ける、究極のなめらかプリン」のイメージ。
・ムターを例えるなら「きめ細かいずっしり身の詰まった羊羹」のイメージ。
当然、お二人ともに曲によって、音色を使い分けられる技術をおもちです。
むしろ「好み」と言うか「デフォルトの音色」とでもいえる音の出し方が違うように感じます。
リサイタルで演奏するヴァイオリン・ヴィオラの音色を考えていて、どちらの「食感」が似合うのか？さらに言えば、その音の出し方で、客席にどう？響くのか？結局、どちらのひき方もできるようにして、会場で誰かに聞いてもらって確かめるしかないのですが…。
特にヴィオラで「羊羹」的な演奏をすると、チェロの音色に似せようと「足掻いている」「無理をしている」ようにも聞こえてしまいます。一方でヴァイオリン特有の「弓の圧力と速度」は、実際に使っている楽器と弓とのお付き合いが長いので、客席への音の広がり方も想像ができます。
好みが分かれます。「プリン」を「軽すぎる」「弱い」と感じる人もいます。「羊羹」を「息が詰まる」「潰れている」と感じる人もいます。
どちらおも「美味しい」のです。食感が違うのです。甘さの問題ではありません。さぁ困った（笑）
最後までお読みいただき、ありがとうございました
ヴァイオリニスト・ヴィオリスト 野村謙介
写真は恩師久保田良作先生が、箱根で行われた門下生の夏合宿で合奏を指揮されているお姿です。日本を代表する素晴らしいヴァイオリニストとして、演奏活動も続けられながら、多くの弟子たちに熱く、そして優しく「音楽」を伝えられた指導者でもありました。桐朋学園大学の弦楽器主任教授としても、多忙な日々を送られていました。レッスンを離れると、人を気遣い優しい言葉で語り掛けてくださる「憧れの人」でした。
「久保田門下」で最も不出来の弟子だった私が、今「デュオリサイタル」を開き大学を卒業して40年近く経っても、音楽に関わっています。
演奏技術を身に着けることは、その人の生涯をかけた行為です。「すべて身に着けた」と思える日は来ないものでしょう。それでも、あきらめずに練習することが演奏家の日常だと信じています。
練習をする中で、新しい「課題」を見つけることも演奏家にとって日常の事です。その課題に向き合いながら考えることは？
「原点に帰る」事だと思っています。
何を持って原点と言うのか？自分が習ったヴァイオリンの演奏技術を、思い起こせる限り思い出して、師匠に言われたことを「時系列」で並べてみることです。
その意味で、私は幸運なことに久保田良作先生に弟子入りしたのが「中学1年生」と言う年齢ですので、当時の記憶が駆るかに（笑）残っています。
「立ち方」「左手の形」「弓の持ち方」「右腕の使い方」
教えて頂いたすべての事を記憶していない…それが「不出来な弟子」たる所以です。それでも、レッスンで注意され発表会で指摘される「課題」を素直にひたすら練習していました。「できない」と思った記憶がないのは、出来たからではなく、いつも（本当にいつも）言われることができなかったからです。要するに、出来ていないことを指摘されているので「出来るようになった」と思う前に、次の「出来ていないこと」を指摘される繰り返しだったのです。それがどれほど、素晴らしいレッスンだったのか…今更ながら久保田先生の偉大さに敬服しています。
教えて頂いた演奏技術の中に、私が未熟だった（今もですが…）ために、本質を理解できずに、間違った「技術」として思い込んでいたもの＝恐らく先生の糸とは違う事も、何点かあります。それをこの年になって「本当は？」と言う推測を交えて考え真押すこともあります。
自分が習ったことのすべてが「原点」です。師匠に教えて頂いたことを「できるようになっていない」自分を考えれば、新しい解決策が見えてきます。
自分にとってどんな「課題」も、習ったことを思い出して「復習」すれば必ず解決できる…できるようにはならなくても、「改善する」ことはタイ?かです。
信頼する師匠から受けた「御恩」に感謝することは、いつになっても自分の演奏技術、音楽を進化させてくれるものだと思っています。
最後までお読みいただき、ありがとうございました。
ヴァイオリニスト・ヴィオリスト 野村謙介
映像は木曽福島でのコンサートで演奏した瑠璃色の地球。ヴィオラとピアノで演奏しました。
クラシック音楽とポピュラー音楽の「違い」は様々あります。例外も含めて考えれば厳密に「違い」を言葉にすることは不可能かもしれません。
クラシック音楽を学ぶ時、テンポを「維持する」事と「揺らす=変える」事を多く学びます。一定の速さで音楽を演奏する技術と、その真逆に意図的に速さを変える技術はクラシック音楽のほとんど全てで用いられる技術です。一人だけで演奏している時にも、アンサンブルやオーケストラで誰かと一緒に演奏する場合にも必要不可欠な技術です。トレーニングの仕方も様々あります。メトロノームを使った練習や、時計の秒針を使ってトレーニングすることもできます。
一方、ポピュラー音楽の場合に「一定の速さ」で演奏することは、多くの曲で「当たり前」の事です。その昔、レコーディングスタジオでヴァイオリンを演奏するお仕事をしていた際に、演奏者がモニター（ヘッドフォン）で聴く音を選べました。「ドンカマ」と呼ばれる電子メトロノーム音を選ぶこともできました。また、ヴァイオリンより先に録音されたドラムの音やベースの音を選択することもできました。要するに「指揮者不要」だったわけです。この方法で色々な楽器を順番に録音していく方法を「重ね録り」「マルチトラック」などと呼びます。一度に「せ~の！」で録音する方法しかなかった時代には、当然考え付かなかった録音方式です。この方法なら、それぞれの楽器を別々に録音するので「録り直し」の回数が格段に減る上に、あとからヴァイオリンパートだけをやり直すことも、音量のバランスを変えることも自由自在になります。すべての楽器の録音が終わって出来上がったもの＝メインボーカルが入っていないものが「カラオケ」と呼ばれるものです。現在のカラオケと言う言葉は、この録音方式で生まれた言葉なのです。
言うまでもなく、この方式で録音サウル場合、途中でテンポが「揺れる」のは編集する人にとっても、演奏する私たちにとっても「煩わしいことでしかありませんでした。現代は録音がすべて「データ」つまり電気信号としてコンピューターに記録される方式です。昔は「テープ」を使って録音するのが当たり前でした。一秒間に38センチの速度で録音ヘッドを通過する「テープ速度」で録音していました。巨大な10インチのリールに巻き付いたテープでも、約45分しか録音出来ません。録音するのも大変は事だったのです。
その限られた条件での録音を効率化するためにも、テンポの揺れは「御法度」だったのポピュラー音楽です。
クラシック音楽の場合、テンポの揺らぎ＝揺れは演奏家の「こだわり」で生まれます。テンポを変えずに演奏する時にも「意図」があります。
なんとなく、テンポが変わってしまう…駈け出したように速くなったり、いつの間にか遅くなったり…無意識に変化することは「ダメ」とされています。だからと言って、先述のポピュラー音楽のようにテンポをキープさえしていればよいか？と言うと、それも「ダメ」なのです。難しいですね~（笑）
音楽の揺らぎは、楽譜に書き表される「リタルダンド」や「アッチェレランド」とは根本的に違います。作曲家が指示している速度の変化は、作曲家の感じた「揺らぎ」だと考えています。もちろん、それはとても重要なことですが、どのくらい？「だんだん遅く」「だんだん速く」するのかは、演奏者の「感じ方」で決まります。さらに、楽譜に作曲家が書かなかった「揺らぎ」を演奏者が感じ、表現することは演奏者に許された表現の自由（笑）だと思います。
指導者によっては「そこで遅くしてはいけない！」とか「もっと速くしなきゃ！」と生徒に自分の感じ方を押し付ける人がいます。正しく伝えるのなら「…私なら」という接頭語を付けるか「例えば」として違う選択肢の速さを生徒に示して、好きなように演奏させるのが正しい指導だと思います。合奏ではそうもいきませんが（笑）みんなが好き勝手なアッチェレランドをしたら、収拾がつかなくなります。二人だけのアンサンブルでも、それぞれに違った「揺らし方」の好みがあります。どちらが正しい…という答えは存在しません。歩み寄るしかありません。
揺らすことが常に心地よい…のではありません。それも大切なことです。
揺れると気持ち悪く感じる場合もあります。逆に、常に同じテンポで揺れずに演奏していると「不自然」に感じることもあります。多くの生徒さんは「揺らす」ことを怖がります。むしろ揺れていることに気付かない場合が多いのですが（笑）意図的に、ある「拍」だけを少しだけ長くすれば、次の拍が始まる時間は後ろにずれる＝遅れます。この一拍の「揺らぎ」も立派な揺れなのです。
聴いている人が「自然に感じ」「揺れに気付かない」ことが最も自然は揺らぎだと思います。心地よい揺らぎは、例えれば不規則に吹く「そよ風」の中で感じる感覚です。あるいは、静かな湖面にぷかぷかと浮かんでいる時に感じる「静かなさざ波」にも感じられます。決して「暴風」や「大波」ではないのです（笑）
怖がらずに実験することです。注意するのは「癖になる」ことです。例えば、小節の1拍目を「いつも遅く入る」癖は無意識にやってしまいます。また、音型に気を取られすぎる場合も「癖」が出ます。上行系クレッシェンドで「いつも遅くなる」のも癖。3連符なのに「1.5：1.5：1」でいつも演奏するのも癖です。
何度も試してからひとつを選ぶこと。正解はありません。自分の「個性」を違和感なく表現するために、必要な努力だと思っています。
最後までお読みいただき、ありがとうございました。
ヴァイオリニスト・ヴィオリスト 野村謙介
動画はデュオリサイタル15のご案内動画です。
2022年12月18日（日）午後2時開演 相模原市緑区もみじホール
2023年1月7日（土）午後5時開演 代々木上原ムジカーザで
同じプログラムをホールとサロン、ベヒシュタインのピアノとベーゼンドルファーのピアノで聴き比べが出来ます。
予定している演奏曲
・懐かしい土地の思い出より「メロディー」（チャイコフスキー）
・ノクターン（チャイコフスキー）
・ただ憧れを知る者だけが（チャイコフスキー）
・シュピーゲル・イン・シュピーゲル（アルヴォ・ペルト）
・祈り（ラフマニノフ）
・彼方の光（村松崇継）
・ジョスランの子守歌(ゴダール)
・無言歌(メンデルスゾーン/クライスラー)
・明日(アンドレ・ギャニオン)
・Earth(村松崇継) 他
どの曲も私たちにとって、愛すべき曲たちです。
多くの演奏家と比べて、私たちはすぐに音楽に出来るような技術を持ち合わせていないことを自分でも、互いにも認めています。だからこそ、昨年のデュオリサイタルから1年間と言う時間をかけて、これらの曲に取り組んできました。
それでも自分たちで完全に満足できる演奏にまで、到達できるかどうか自信はありません。出来ることを出来る限りしています。その努力も他のかたから見れば足りないものかも知れません。自分を甘やかす気持ちではなく「受け入れる」ことも大切なことだと思っています。
生徒さんに「妥協」と言う言葉の意味をレッスンでお伝えしています。悪い意味で考えれば自分を追い詰めてしまいます。諦めることとも違います。今の自分の力を認め、足りないことを知った上で演奏をする以外に、方法はないと思っています。「完全に満足できるようなってから」と言う考え方こそが、諦めであり現実からの逃避だと思います。そもそも完全な演奏は人間にはできないと思っています。不完全で当たり前だと考えています。
リサイタルで一人でも多くのかたに、自分たちの音楽を楽しんでもらいたいと願いながら、現実に来場されるかたの人数は、著名な演奏家の方々が開くコンサートとは比較になりません。当然だとも思います。広告にかけるお金もなく、知っている方の数も限られています。「お友達」「先輩」「先生」「生徒」以外の一般のお客様は、有名な演奏家のコンサートや、クラシックファンの喜ぶプログラムのコンサートに足を運ばれるのは当然のことです。来ていただいた方たちに「これだけしかお客さん、いないの？」と思われてしまうことが申し訳ない気持ちです。それが現実なのでお許しください。
こんな私たちですが、ぜひ生の演奏をお聴きいただき、ご感想を頂ければと願っています。
最後までお読みいただき、ありがとうございました。
ヴァイオリニスト・ヴィオリスト 野村謙介
ピアニスト 野村浩子
映像は11月23日（祝日・水曜）に木曽町文化交流センターで開催されたコンサートよりヴィオラとピアノで演奏した村松崇継さん作曲の「Earth」
撮影してくださったの福島小学校の教職員。客席の片隅からビデオカメラで圧営してくださったものです。カメラに付いたマイクで録音されているので、客席に聴こえているバランスに近いものです。
この曲について以前のブログでも書きましたが、村松崇継さんがフルートとピアノのために作曲され、ご自身のライブコンサートでチェリスト宮田大さんと共演されている動画に触発されて（笑）ヴィオラで演奏できるようオリジナルでアレンジして者です。宮田さんはご自身のコンサートツァーで演奏されているようです。ピアノの「楽譜」がとても音符の多い（笑）、かなり派手目な曲なので、弦楽器でメロディーを演奏すると、二つの楽器のバランスが心配でした。
この動画をご提供いただき、改めて聴いてみると「思ったよりヴィオラが聴こえてる！」ことにやや驚きました。頑張らなくても大丈夫なのかも！って今更思う（笑）リサイタルでも演奏する予定なので、とっても有意義な動画になりました。
うーん。それいにしても、私だけを撮影すれたのは辛い…。カメラのアングル的にピアニストが映りこまなかったようですが、鑑賞には堪えません。見ないで聴いてください（笑）
こちらも同じコンサートアンドレ＝ギャニオンの「明日」をヴィオラとピアノで演奏したものです。以前、ヴァイオリンで演奏したものですが、ヴィオラの太さ、暖かさ、柔らかさも好きです。間奏で私は何をしたものやら（笑）
今回、リハーサル時にホールの響きを確認してくれる人がいなかったため、とても不安でした。残響が短い多目的ホールだったこともあり、客席に届く音がどうなのか…録音されたものを聴くことで初めてわかるというのも辛いものです。
来年は「木曽おもちゃ美術館」の残響豊かなホールで演奏予定で、今から楽しみにしています。
最後までお読みいただき、ありがとうございました。
ヴァイオリニスト・ヴィオリスト 野村謙介
映像は1992年松本のキッセイ文化ホールでの「サイトウキネンオーケストラ」の演奏。このホールが出来たばかりのこの年、私の母校でもある桐朋学園創始者の斎藤 秀雄氏を偲んで開催された演奏会。1974年に逝去された斎藤 秀雄氏を私は直接存じ上げません。指導を受けたこともありません。ちなみに私は桐朋学園の第25期生です。小澤征爾氏が第1期生なので私の25歳「大先輩」でもあります。この演奏会が行われた30年前、私は32歳。小澤征爾氏は57歳。
高校大学生の頃に「小澤先生」として学生オーケストラの指導をされていた当時の事を今でも鮮明に覚えています。高校入学当時15歳の私、小澤先生は39歳。思えばまだ若い先生でした。出来の悪い学生だった私にとって、小澤先生の活躍は憧れでもあり雲の上の存在でもありました。尊敬する気持ちは今も変わりません。
ただ、今現在もこの「サイトウキネン」が演奏を行っていることに、大きな違和感を持っています。私はサイトウキネンに「呼ばれる」ような技術ではないので「部外者」です。それを「ひがみ」と思われても私は構いません。桐朋学園の一人の卒業生として、また今も多くのアマチュア演奏家と共に音楽を愛好する人間として、私立学校の創始者をオーケストラの冠に付けて、演奏していることが果たして純粋な「恩師への感謝」と言えるのか疑問に感じます。
桐朋の高校（桐朋女子高等学校音楽科）に入学する以前に、子供のための音楽教室などで斎藤 秀雄氏の指導を受けていた人もいるとは思います。とは言え、その人たちは当時13歳以下の子供だったことになります。つまり、斎藤 秀雄氏に指導を受けた「生徒」たちの最年少が現在（2022年）63歳もしくは64歳のはずです。一期生は現在、86歳もしくは87歳です。この第一回「サイトウキネン」が行われた当時から30年間という年月が経って、諸先輩が演奏されていることは素晴らしいことだと思います。その反面、現在演奏しているメンバーの中には多くの「斎藤 秀雄を知らない人」がいるのも事実です。第一回の演奏会の時から数名はそうした演奏者もいましたが、現在は？そして今後は？
さらに、誰がこのオーケストラに参加する「お許し」を与えているのかという素朴な疑問です。「上手な人を集めているだけ」と言われればそれまでです。それが何故？「サイトウキネン」なのか意味不明です。一言で言ってしまえば「誰かのお気に入りが集まっているオーケストラ」にしか思えないのです。それでも演奏技術が高ければ良い…それならそれで「サイトウキネン」と言う学校名を連想させる名前を使うのはいかがなものでしょうか？
桐朋学園同窓会の幹事として、意見を一度だけ発言したことがあります。
「卒業生の中で一部の人だけの活躍を称賛し、応援するのは同窓会として正しいのか？」という意見です。私を含めて、多くの桐朋学園卒業生が「サイトウキネン」や「●●周年記念コンサート」とは無縁の生活をしています。それが「能力が低いから」「努力が足りないから」と同窓会が片づけて良いとは思いません。
学校は学ぶ生徒・学生と教える教員、支える職員で成り立つ「学びの場」です。そこで学んだ人たち、教えた人たち、働いた人たちすべてが「同じ立場」であるはずです。卒業し有名になった人を「優秀な卒業生」「卒業生の代表」とする発想を斎藤 秀雄氏は望んでいたのでしょうか？少なくとも私の知る斎藤 秀雄先生は「できの良い子は放っておいてもうまくなる。出来の悪い子を上手にすることこそが教育の本質」と考えていた教育者だと思っています。一期生である小澤征爾氏の世界的な活躍を強く望まれた気持ちは理解できます。そして、日本に世界で通用する演奏家を増やしたいと言う熱意も素晴らしいことだと思います。
私には●●記念オーケストラや●●フェスティバルに「個人」を崇め奉るのは「尊敬」とは意味が違うように感じます。収益事業として利益を、母校の後進の育成に充てるのであれば「桐朋学園卒業生オーケストラ」として学校法人の管理下に置くべきです。メンバーの人選や基準、報酬も明確にすれば個人名を頭に付ける必要もなく、演奏者が入れ替わっても何も問題はないのです。
まさかこれから先も、同じメンバーで演奏活動を続けるとは思えませんが、いずれ斎藤 秀雄氏に指導を受けた人は誰もいなくなる日が近くやってきます。「サイトウ」が「オザワ」になっても結果は同じです。
音楽家は生前に、どんなに素晴らしい業績を残したとしても、いずれ世を去るのです。その後に、音楽家の名前を使った「コンクール」が多くあります。特に作曲家の場合には、残された作品を演奏することが大きな意義になります。
他方で演奏家の死後に「●●記念」や「●●管弦楽団」は世界的に考えても、ほとんど受け入れられていません。演奏家の「業績」は生きて演奏している間に評価されるものです。教育者の業績は多くの場合「学校」として継承されるものです。福沢諭吉の慶應義塾もその例です。桐朋学園もその一つです。斎藤 秀雄氏が自分の名前を学校名にしていたのなら、また話は少し違いますが少なくとも「オーケストラ」に個人…それが故人でも、現役の人でも「人を記念する」こと自体が間違っていると私は感じています。
卒業生の癖に！母校愛がない！とお叱りを受けても、ひがみ根性だ！と言われても私は自分の考えでこれからも生きていきます。そして卒業した母校から、さらに新しい音楽家が生まれることを切に願っています。
最後までお読みいただき、ありがとうとございました。
ヴァイオリニスト・ヴィオリスト 野村謙介
映像はもう8年も前の演奏動画です。ヴィオラで演奏したシンドラーのリスト。自分の演奏を客観的に観察することは、演奏者にとって必要なことです。
自分以外の人の演奏を聴く時と何が違うのでしょうか。
自分の演奏が何年練習しても「うまくならない」と感じるのは私だけではないと思います。多くの生徒さんが感じていることのようです。
生徒さんより長く演奏をしている自分が、なぜ？うまくなっていく実感がないのでしょうか。練習不足もあります。練習方法に問題があることも。意欲が足りないことも。「原因」はいくらでも考えられますが、50年以上ヴァイオリンを演奏しても「この程度」と思ってしまうのが現実なのです。うまくなりたい！と思う自分と、あきらめている自分が葛藤しています。生徒さんには「あきらめないこと！」と言いながら自分が上達していないと感じる矛盾。
そもそも「うまくなる」ってどんな事を表す言葉なのでしょうか。
「できなかったことができるようになる」うまく弾けなかった小節を、練習して演奏できるようになった…と思っても、本番でうまく弾けていないことを感じる時に感じる挫折感。練習が足りない…ことは事実です。でもね…。
自分の演奏を昔と今と聴き比べて、どこか？なにか？うまくなったのか、考えることがあります。生徒さんの演奏ならいくらでも見つけられるのに、自分の演奏は「ダメ」なことばかり気になります。昔の演奏の「ダメ」もすぐにわかります。つまり「良くなったこと」が見つからないのです。練習している時には「これか？」「うん、きっとこれだ！」と思っているのに、あとで聴いてみると「違う」気がすることの繰り返しです。一体、自分はなにを目的に練習しているのか…うまくならないなら、練習しても意味がない。練習しないなら人前で演奏することを望んではいけない。音楽に向き合う資格がない。負のスパイラルに飲み込まれます。そんな経験、ありませんか？
自分の演奏に満足できないから、練習をやめることは誰にでもできることです。一番、簡単に現実から逃避する方法です。
自分がうまくなったと思える日は、最後まで来ないのが当たり前なのかもしれません。うまくない…のは、他人と比較するからなのです。自分自身の容姿に、100パーセント満足する人はいないと思います。性格にしても、健康にしても同じです。他人と比べるから満足できないのです。
今日一日、過ごすことができた夜に「満足」することがすべてですね。
「欲」は消せません。生きるために必要なことです。本能でもあります。
欲を認めながら、自分の能力を認めることが生きること。それを、もう一度思い返して練習を繰り返していきたいと思います。
最後までお読みいただき、ありがとうございました。
ヴァイオリニスト・ヴィオリスト 野村謙介
映像はデュオリサイタル10代々木上原ムジカーザで演奏した、エンニオ＝モリコーネ作曲「ニューシネマパラダイス」です。私がかけているメガネは「網膜色素変性症」という私の持つ病気の症状のひとつ「暗所で見えない」ことを解決するために開発された特殊なメガネです。
さて、今回のテーマを選んだ理由は？
練習を含めて、ヴァイオリンとピアノで演奏する時に、それぞれの演奏者に聴こえる「自分の音」「相手の音」のバランスと、客席で聴こえる両者＝ヴァイオリンとピアノの音量のバランスの違いについて。以前にも書きましたが、私の場合練習していると自分の音の大きさに不安を感じることが増えた気がしています。聴力の問題ではなく、感覚的な変化です。演奏する曲によって、ピアノもヴァイオリンも音量が変わることは当然です。特に「聴こえやすい音域」さらに「同時になるピアノの音の数」は演奏者が考える以前に、楽譜に書かれていることです。それを音にした時、客席にどう聴こえるか？までを考えて楽譜が書かれているのかどうかは、ケースバイケース。どう演奏してもヴァイオリンの音がピアノの音に「埋没＝マスキング」される楽譜の場合もあります。いくら楽譜上にダイナミクス＝音の大きさの指示が書いてあったとしても、ピアノが和音を連続して速く弾いた時の「ピアニッシモ」の下限＝最小限の音の大きさと、ヴァイオリンが低い音で演奏した「ピアニッシモ」のバランスを取ることは、物理的に不可能です。言ってしまえば「楽譜を書いた人の責任」でもあります。
演奏すれ側にしてみれば、自分の音と相手の音の「バランス」を常に考えながら演奏することは、思いのほかに大きな負担になります。オーケストラの場合には指揮者がバランスを「聴いて」指示し修正できます。弦楽四重奏の場合、同じ弦楽器での演奏なので、音量のバランスは比較的容易にとれます。
ピアニストに聴こえる「バランス」とヴァイオリニストに聴こえる「バランス」は当然に違います。経験で自分と相手の音量の「バランス」を考えます。
そもそもピアノとヴァイオリンの「音色」は音の出る仕組みから違いますから、聴く人には「違う種類の音」として聴こえています。ただ同時に聴こえてくるわけで、どちらかの音が大きすぎれば、片方の音は聞き取りにくくなります。
ピアノとヴァイオリンは「音源＝弦の長さと筐体の大きさ」が圧倒的に違います。さらにピアノは「和音」を演奏し続けることがほとんどなのに対し、ヴァイオリンは「単音」を長く・短く演奏する楽器です。構造も音色も違う2種類の楽器が「一つの音楽」を演奏することの難しさと同時に「組み合わせの美しさ」が生まれます。それは味覚に似ています。甘さと同時に「しょっぱさ」を加えると、より強く甘みを感じます。コーヒーは苦みと酸味のバランスで味が決まります。ピアノとヴァイオリンの「溶けた音」を楽しんで頂くための「バランス」が問題なのです。
物理的に音圧の小さいヴァイオリンを担当する（笑）私として、ピアニストの演奏する音の中に溶け込みながら、かつ「消えない」音量と音色を手探りで探します。それはピアニストも同じ事だと思います。お互いが手探りをしながらの「バランス」なのです。ただ、それぞれの楽器が演奏する中での「変化」も必要です。音色の変化、音量の変化。ヴァイオリンは音域が高くなるほど、聴感的に大きく聴こえる楽器です。逆にヴァイオリンの最低音はピアノの音域の中で、ほぼ中央部分の「G」ですから、音域のバランス的にもピアノの和音にマスキングされ聴感的に弱く聴こえてしまいます。
練習の段階でヴァイオリン「単独」での音色と音量の変化を考えます。
ピアノと一緒に演奏してみて、その変化が効果的な場合もあれば、消えてしまう場合もあります。ピアニストの技術以前に「楽譜」の問題の場合がほとんどです。ピアノの「和音」と「音域」を、ピアノ単独で考えた場合に最善の「楽譜＝最も美しく聴こえる楽譜があります。それがヴァイオリンと一緒に演奏したときにも「最善」か？と言えば必ずしもそうではないと思います。
ヴァイオリニストの我がまま！（笑）と言われることを覚悟のうえで書けば、ヴァイオリンとピアノの「音圧の違い」を踏まえたアレンジ＝楽譜を演奏する時の自由度＝バランスを考えなくても演奏できる場合と、常に「これ、ヴァイオリン聴こえてるのかな？」と不安に感じ、弓の圧力を限界まで高くし、ヴィブラートをめいっぱい（笑）かけ、弓を頻繁に返す演奏の場合があります。どちらも「楽譜通り」に演奏したとしても、お客様が感じる「音の溶け方＝混ざり方」の問題です。演奏者に聴こえるバランスではないのです。
自分の音と、相手の音のバランスはホールによっても変わりますから、神経質になってもよくないと思います。ある程度の「当てずっぽ＝勘」で演奏するしかありません。ただ自分の演奏が「平坦」になってしまわないように気を付けて演奏したいと思っています。
最後までお読みいただき、ありがとうございました
ヴァイオリニスト・ヴィオリスト 野村謙介
2022年11月23日（祝日）長野県木曽町「木曽福島」でのコンサートを無事に終えました。主宰された木曽福島町生涯学習課の皆様、会場にお越し頂いた多くのお客様に心から感謝を申し上げます。昨年11月に長野県「キッセイ文化ホール」主催で実施された同じ会場でのコンサートを今年は木曽町が引き継いで開催してくださいました。来年もまた、開催していただけることになりました。
昨年は相模原と木曽福島を「日帰り」と言う強行スケジュールでしたが、今年は前泊することにして11月22日昼間、八王子から特急あずさに乗って塩尻~中央本線特急しなので現地に向かいました。
木曽町が予約してくださった宿「御宿蔦屋」伝統と風情を感じる中に、新しい設備とおもてなしの心、素晴らしいお料理の旅館でした。駅にお迎えに来てくださった木曽町生涯学習課のかたに、この宿に行く前に是非！見て欲しい施設があるのでご案内したいとのお話で、11月19日にオープンしたばかりの施設「木曽おもちゃ美術館」へ。廃校になった小学校を使った、木曽ヒノキをふんだんに使った「木のおもちゃ」で子供も大人も心から楽しめる素晴らしい美術館。
到着したときにはすでに閉館していましたが、反省会をされているスタッフの皆様に出迎えられ案内された、「元体育館」の天井を取り外し、階段状の木のベンチを客席にしたホール。足を踏み入れた瞬間に感じた「木の残響」は、国内のどのコンサートホールにも勝る、物凄く自然で豊かな響き！あまりの興奮を抑えきれず、持っていたヴィオラとヴァイオリンでステージに置かれていた「小学校で20年前まで使われていた」アップライトピアノを使って数曲、演奏させて頂くことになりました。施設で働くスタッフが全員（笑）をお客様にしてのコンサート。演奏中からあちこちで聴こえるすすり泣きの声。皆さんが開館に向けて日々疲れ聴いておられたらしく、こんなホールだったんだ！という感動もあっての涙。「写真とっても良いですか？」「どーぞ！」「動画とっても良いですか？」「どーぞ！」「ＳＮＳにアップしても良いですか？」（笑）「どーぞどーぞ！」という事で、アップされた動画がこちら。
見学と演奏を終えて旅館で休み、翌日は朝から雨。おいしい朝食を頂き、歩いても2分ほどの演奏会場「文化交流センター」に木曽町の車で（笑）移動。
ホールには大昔のスタインウエイが私たちを迎えてくれました。このピアノも廃校になった小学校の体育館に眠っていたもの。昨年私たちが気付くまで、木曽町長、教育長も誰もその価値を知らなかったと言う事実（笑）
リハーサルを終えて、浩子さんが居残りリハの動画。
・パガニーニの主題によるラプソディ
・椰子の実
・彼方の光
・Earth
・明日
・アニーローリー
・瑠璃色の地球
・美しきロスマリン
・アリオーソ
・ハンガリー舞曲第5番
アンコールに応えて
・我が母の教え給いし歌
・ふるさと
12曲を木曽町所有の陳昌鉉さん製作のヴァイオリンと、愛用のヴィオラこれも陳昌鉉さんの2010年製作の楽器…で演奏しました。
木曽福島では「木曽音楽祭」と言う伝統的なクラシック音楽フェスティヴァルが介されていますが、私たちのコンサートは「身近に感じるコンサート」として、クラシック以外の音楽も町民の方々に「無料」で楽しんで頂くイベントです。
来年、先述の木曽おもちゃ美術館でもぜひ！コンサートをと言う話も進んでいます。また楽しみが増えました。
最後にコンサートに来てくださった皆様、木曽町の皆様に心よりお礼を申し上げます。
お読みいただき、ありがとうございました。
ヴァイオリニスト・ヴィオリスト 野村謙介
写真はどちらも陳昌鉉さんの 製作された楽器です。
木曽福島で開催されるコンサートでこのヴァイオリンとヴィオラを使用します。
ヴァイオリンは陳昌鉉さんが名誉町民である木曽福島町に寄贈された楽器です。
縁があって昨年に続き2度目の演奏になります。
なぜ？わざわざヴィオラの演奏もするの？ヴァイオリンだけじゃダメなの？
そう思われても当たり前ですね。
ヴァイオリンの音色とヴィオラの音色を、一回のコンサートで楽しめる…これも「あり」だと思うのです。もちろん、違う演奏者が演奏するケースもあります。ただ、同じ演奏者が「持ち替え」て弾き比べ＝聴き比べすることで、楽器による「違い」が明確になります。
私自身から考えれば、同じ曲でもヴァイオリンで演奏した「音楽」とヴィオラで演奏した「音楽」が違う事を感じています。単に音色や音量の違いだけではありません。それほどに違う2種類の楽器であることを、聴いてくださるお客様に体感していただくことで、アンサンブルやオーケストラでなぜ？ヴィオラという楽器が必要なのかも理解されるのでは？とも思っています。
ヴィオラはヴァイオリンよりも個体差の大きい楽器です。自分の気に入ったヴィオラに出会う確率は、ヴァイオリンよりも低いかも知れません。そもそも製作される本数が違います。ヴィオラの「良さ」を知ってもらうことで、ヴァイオリンの良さも再発見されるかな？と思っています。
ヴァイオリンとヴィオラの演奏方法が「違う」のは当然です。「似て非なるもの」なのです。ヴィオラは「ヴァイオリンがうまくない人が演奏する楽器」と言う大昔の定説があります。演奏方法が似ていて、弾き手が少ないから…確かにそんな時代もありました。でも本当に美しいヴィオラの音色を聴いてもらえれば、その間違った説が覆せると信じています。
最後までお読みいただき、ありがとうございました。
ヴァイオリニスト・ヴィオリスト 野村謙介
映像は昨年11月に実施された木曽福島でのコンサートの模様。この時はキッセイ文化ホールの主催によるコンサートでした。今年は同じ会場で、木曽福島町主催によるコンサートとなります。入場無料で100名のお客様が来場されます。
「クラシックコンサート」の明確な基準はありませんが、クラシックの音楽も演奏します。それが「つまらない」と思うかたは元より聴きに来られることは無いかもしれません。私たち夫婦のコンサートは「音楽ファンを増やす」事をコンセプトにしています。「お子様向けコンサート」ではありません。「音楽鑑賞教室」でもありません。ポップスだけのコンサートでもない「聴いて楽しめる」コンサートを目指しています。
メリーオーケストラの演奏会も、デュオリサイタルも基本的には同じ考え方をもとにしています。メリーオーケストラはアマチュアとプロが「一緒に演奏する」と言う変わった形態の演奏です。私たち夫婦が「プロ」としての能力・技術があるのかないのか…それは私たちが決めることではありません。お客様の「満足度」がすべてだと思っています。コンサートを聴いて「楽しめた」と思える時間だったか？それが私たちへの評価だと思っています。クラシックだけを演奏するコンサートが好きな人にとっての「音楽」と、そうでない人が初めて体験する「音楽」は同じ演奏でもまったく違う価値のものになります。期待するものが違うのです。クラシック音楽のコンサートを楽しみにする人にも「初めて聴くクラシック」があったはずです。また「好きになったきっかけ」もあったはずです。
その出会いがまだ、ないという人が大多数です。まして「クラシック」と言う言葉に「古い」「つまらない」「長い」「マニアの好きな」と言うネガティブなイメージが付きまとう人も多くいます。「懐石料理」と聴くと「高級」「お金持ちの食べるもの」と言うイメージがあるのと似ています。
コンサートのイメージを身近なものにする「コンサート」ですそ野を広げます。その後は、他のかたにお任せします！（笑）
最後までお読みいただき、ありがとうございました。
ヴァイオリニスト・ヴィオリスト 野村謙介
映像は台湾生まれでオーストラリア国籍のヴァイオリニスト、レイ＝チェンが演奏するシベリウス作曲のヴァイオリンコンチェルト。何度聴いても素敵な演奏だと思います。他の同世代のヴァイオリニストと比べて「インパクト」が圧倒的に強い！1楽章が終わって拍手をしたくなる観客の気持ちがよくわかります。
彼の演奏を冷静に聴いていると「自由」と「共生」を感じます。そして自分の演奏に対して他人からの評価を基準にしない「強さ」も感じます。
20歳の時、エリザベートコンクール優勝したチャイコフスキーのコンチェルトにも感じられる「想像力の豊かさ」は彼特有の世界観を表現しているように思います。
「誰かがこう弾いたから」や「普通はこう弾くから」と言った固定概念よりも、音楽を演奏する自分の「想像力」を最大限に引き出す努力と技術は、本来演奏する人間に追って一番大切なことです。ただ単に「人と違う事をする」のとは違います。自分の想像するものを具現化する力です。これを「自由」と言う言葉に置き換えてみます。
「共生」と表したのは、彼がオーケストラと一緒に音楽を演奏しようとする気持ちです。よく聴くとオーケストラが旋律を演奏している時に、レイ＝チェンは完全にオーケストラの演奏したい「テンポ」「リズム」を優先していることがわかります。むしろオーケストラの1パートとして、一体になっています。これは、彼が他人＝他の演奏者を思う気持ちの表れだと思います。自由に演奏してもオーケストラが影響を受けない部分、範囲では楽譜に書かれていないリズムで演奏しても、オーケストラと絡み合う部分では決して自分勝手にリズムを崩さない上に、オーケストラ演奏者に拍が聞き取りやすい弾き方で演奏する余裕があります。だからこそ、オーケストラも思い切り、一番良い音で演奏しよう！と感じるのではないでしょうか。ソリストに「合わせにくい」と感じればオーケストラは抑え気味に演奏することになります。ソリストの独りよがりではないことが、音楽全体のエネルギーを増幅させています。
想像力を具現化する技術は、自分の演奏技術を発展させることに直結します。
楽譜を音に、音を音楽にしていく過程で「想像」することは、演奏家にとってそれまでの経験をすべて使う作業です。体験し記憶している「感情」「風景」「人」「物語」を音楽の中に落とし込むことです。もし、悲しい経験しか、記憶にない人が音楽を演奏すれば、悲しい感情しか想像できないことになります。記憶は「思い出」でもあります。自分だけの思い出を、音楽で表現する。まさに「自由な創作行為」ですよね。多くの思い出こそが、多くの物語を想像できます。10代より20代、30代と年齢を重ねる中で嫌な経験も増えます。子供の頃の楽しかった思い出を忘れてしまいがちです。多感な幼児期に部屋にこもって、音楽だけを練習するよりも、友達と遊び・喧嘩をし・仲直りし…それらの思い出を大切に忘れないで育てることが親の役割だと思っています。
最後までお読みいただき、ありがとうございました。
ヴァイオリニスト・ヴィオリスト 野村謙介
映像はデュオリサイタル13。エンニオ＝モリコーネ作曲「ガブリエルのオーボエ」をヴィオラとピアノで演奏したものです。演奏はともかく…素敵な曲ですね。こうした「レガート＝滑らかな音のつながり」で演奏する曲の場合に、音の切れ目＝発音がはっきりしない（輪郭がぼやける）音になってしまいがちです。レガートだから…と言って「ピンぼけ写真」のような印象になってしまえば、滑らかと言うよりも「もやもやした」音楽に聴こえます。
演奏するホールの残響時間にも影響を受けますが、まずは演奏自体が「クリアな変わり目」であることが第一です。ポルタメントやグリッサンド、スライドなどで、音の変わり目を意図的に「点」ではなく「曲線」にする演奏技法もありますが、多用しすぎれば「気持ち悪い」「いやらしい」「えげつない」印象に聴こえてしまいます。
歌の場合、特に日本語の歌詞の場合に「子音」が多く音の変わり目＝言葉の切れ目を、聴く側が想像も加えながら聞き取れます。逆に子音が少ない歌の場合や、意図的に子音を弱く歌う歌手の「歌詞」は滑らかですが音の変わり目を、感じにくく、言葉の意味が聞き取れないこともあります。
移弦を伴うレガートや、1本の弦で大きな跳躍を伴うレガートの場合には、それ以外の場合＝同じ弦で2度、3度の進行との「違い」が生じます。
同じ弦の中でのレガートでも、左手の指で弦を「強く・勢いよく」押さえることでクリアな音の変わり目を出そうとすると、固い音になりがちな上、弦を叩く指の音が大きくなりすぎる場合があります。むしろ、弓の速度・圧力を制御しながら、左手の指の力を抜いて「落とす」ことの方が柔らかくクリアな音の変わり目を作れるように思っています。
移弦を伴うレガートの場合には、一般的な演奏方法なら「先に二つ目の音を指を押さえて移弦する」のがセオリーです。ただ、この場合に弓の毛が二つ目の弦に「触れる＝音が出始める」瞬間に発音しにくくなります。音が裏返ることや、かすれることもあります。だからと言って、弓の「傾斜の変化」を速くすれば、一つ目の音との間に「ギャップ」が生まれます。レガートに聴こえなくなります。
移弦の時、弓の傾斜を変えるスピードは演奏者によって大きく違います。
例えて言えば次の弦に「静かに着地」する移弦の方法と「飛び降りる」ような速度で「着弦」する違いです。どちらにも一長一短があります。
そこで考えられる方法が移弦する瞬間に、二つ目の音の指を「同時に抑える」方法です。弓の毛が二つ目の音を発音するタイミングと、左手の指が二つ目の音を押さえるタイミングを合わせる特殊な方法です。ずれてしまえば終わり（笑）
左手指で音の変わり目を「作る」ことで、レガートで且つクリアな移弦ができます。とっても微妙なタイミングですが、無意識に移弦するよりも何億倍も（笑）美しく移弦できると思います。お試しあれ！
最後までお読みいただき、ありがとうとございました。
ヴァイオリニスト・ヴィオリスト 野村謙介
映像は、ミルシテインの演奏するショパン作曲ノクターン。
古い録音でレコードのスクラッチノイズ（パチパチという音）の中から聴こえる音色と音楽に、現代のヴァイオリニストの演奏には感じられない「暖かさ」と「柔らかさ」「深み」を感じます。録音技術の発達とともに、より微細な音も録音・再生できるようになった現代ですが、私にはこのレコードに含まれているヴァイオリンの「音色」で十分すぎるほどに、演奏者のこだわりを感じます。
コンサートで聴くヴァイオリンの音色は、演奏者が聴く自分の音とは違います。
ましてや、演奏者から10メートル以上も離れた場所で聴く音と、現代のデジタル録音したものとでは「違う楽器の音」と言えるほどの違いがあります。
その違いはさておいて、ミルシテインの奏でる「音色」と「音楽」について、演奏する立場から考えてみたいと思います。
音の柔らかさを表現することは、ヴァイオリンの演奏技術の中で、最も難しい技術だと思っています。「楽器と弦で決まる」と思い込んでいる人も多い現代ですが、何よりもヴァイオリニスト本人が「どんな音色でひきたいか？」と言うこだわりの強さによって変わるものです。柔らかい音色を「弱い音」とか「こもった音」と勘違いする人がいます。私たちの「触感」に置き換えて考えればわかります。
柔らかいもの…例えば羽毛布団やシフォンケーキ。
柔らかい触感と「小さい」や「輪郭のはっきりしない」ものとは違います。
私達は柔らかいものに「包み込まれる」感覚を心地よく感じます。
固いものに強く締め付けられることは、不快に感じます。
そして「暖かい」ものにも似たような交換を持ちます。熱いもの、冷たいものに長く触れていたいとは思いません。
現実には音に温度はありません。固さもありません。ただ、聴いていてそう感じるのは「心地よさ」の表現が当てはまる音だから「柔らかい」「暖かい」と感じるのだと思います。
では具体的にどうすれば、柔らかい・暖かい音色が出せるのでしょうか？
・弓の圧力
・弓を置く駒からの距離
・弦押さえるを指の部位
・押さえる力の強さ
・ヴィブラートの「丸さ＝角の無い変化」
・ヴィブラートの速さと深さ
・ヴィブラートをかけ始めるタイミング
ざっと考えてもこれ位はあります。
演奏する弦Ｅ・Ａ・Ｄ・Ｇによっても、押さえるポジションによっても条件は変わります。当然、楽器の個性もあります。それらをすべて組み合わせることで、初めて「柔らかい」と感じる音が出せると思っています。
最後に「音楽」としての暖かさと優しさについて考えます。
ミルシテインの演奏を聴くと、一つ一つの音に対して「長さ」「大きさ」「音色」の変化を感じます。言い換えると「同じ弾き方で弾き続けない」とも言えます。これは私たちの会話に例えて考えてみます。
以前にも書きましたが、プロの「朗読」はまさに音楽と似通った「言葉の芸術」だと思います。同じ文字を棒読みしても、意味は通じます。ただ、読み手の「こだわり」と「技術」によって、同じ文字にさらに深い「意味」もしくは「感情」が生まれてきます。朗読には視覚的な要素はありません。動きや表情も使って表現する「俳優」とは別のジャンルの芸術です。
文字＝原稿には、強弱や声の「高さ」「声色」は指定されていません。それを読む人の「感性」が問われます。まさに楽譜を音楽にする演奏家と同じことです。
一つ一つの音の「相対」つまり前後の音との違いを、音色と長さと音量を組み合わせた「変化」によって表現することで「揺らぎ」が生まれます。
楽譜に書かれてない「ゆらぎ」はともすれば「不安定」に聴こえたり「不自然」に聴こえたりします。そのギリギリの線を見切ることで、初めて個性的な演奏が生まれます。簡単に言ってしまえば「違うリズム・違う音に感じない範囲」で一音ずつを変化させることです。さらに、一つの音の中にも「ゆらぎ」があります。ヴィブラートや弓の速さ・圧力による響きの違いを長い音の中に、自然に組み入れることで、さらに深い音楽が生まれます。
音楽を創ることが演奏者の技術です。それは演奏者の「感性」を表現することに他なりません。楽譜の通りに演奏するだけなら、機械の方が正確です。
人間が感じる「心地よさ」を追及することが、私たちに求められた役割だと思っています。
最後までお読みいただき、ありがとうございました。
ヴァイオリニスト・ヴィオリスト 野村謙介
映像は3年前、代々木上原ムジカーザでのデュオリサイタルで演奏したドヴォルザーク作曲「ロマンティックピース」の一曲。
今回のテーマは、ヴァイオリン・ヴィオラの「弦」について。
以前にも弦の種類についてのブログは書きましたが、ちょうど来週、長野県でのコンサートと12月18日、来年1月7日のリサイタルに備えて弦の張替えや弓の毛替えを進めています。
弓の毛替えは先日、いつもお世話になっている櫻井樹一さんの工房でヴァイオリンの弓2本、ヴィオラの弓1本の毛替えをして頂きました。
木曽福島で使用する、陳昌鉉さん製作のヴァイオリンには数日前に生前、陳さんが一番好きだった弦の音色に近い弦のセットを張り替えました。こちらは、ナイロンの弦で張った直後は「キンキン」「バリバリ」と言う表現の音がうるさく聴こえます。毎日、時間の経過とともに音色が落ち着いていきます。
経験上、およそ1週間ぐらい経った状態が、このヴァイオリンに一番合った音色になる「と感じる」ので、少し早め10日前に張り替えました。
この弦に限らず、ナイロンの弦の「良い音がする寿命」は約2週間。それ以後は、余韻が極端に短くなりこもった音になります。その後は1年経ってもあまり変化しません。さらに言えば、弦が落ち着くまでに1週間から10日間かかるので、実際に「最高の音」が出る状態は約一週間…私の個人的な感想です。
一方、ヴィオラと私のヴァイオリンに張るのは「ガット弦」です。
こちらの「エイジング＝弦が楽器になじむまで」の期間は、弦の太さによって差があります。最も太いD線よりもＡ線が落ち着くまでの期間が一番長いのは、恐らく構造上の問題です。ヴィオラの場合はまた違います。
ガット弦は音質が急激に落ちることがありません。むしろ、完全にガットが「伸びきった状態」言い換えると、湿度や温度の変化に、全く反応しなくなった時点でガット弦の寿命が終わったとも言えます。調弦が大変！と言うアマチュアヴァイオリニストのガット弦への不満を聴くことがありますが、ナイロン弦の場合でも「良い音の出る期間」には小まめに調弦が必要であり、むしろその変動幅はガット弦よりも大きい場合がほとんどです。価格の面で考えても、ガット弦の方が、良い音の期間が長く一概に「ガット弦は高い」とは言い切れません。
最後に弓の毛のエイジングと寿命について。
職人の技術と使用する馬のしっぽの毛によって、大きな差があります。
櫻井さんに張り替えてもらった弓の毛は、張り替えて数日で松脂が毛に馴染み、伸びも収まるので演奏会に使用できます。さらに、張り方の技術差は弓のスティックの強さと曲がりによって、職人が針の強さを左右で調整できるか？と言う職人の経験が問われます。「すぐ切れるのは悪い毛」と言う考え方には疑問を感じます。何よりも「演奏の仕方」と「演奏する曲」で弓の毛が切れる頻度は大きく変わります。むしろ演奏する曲によって、主に使う弓の場所が違うため、摩耗する部分が変わります。張り過ぎの状態で演奏すれば、スティックの弾力を最大限に使えません。逆に毛の張りが弱すぎれば、毛を痛める原因にもなります。
何よりも松脂を塗りすぎる人が多いように感じています。弓の毛と弦が音を出すための「摩擦」は松脂だけで作られているのではありません。毛の表面の「凹凸＝おうとつ」で削られた松脂が「こぶ」になり、さらに摩擦の熱で「溶ける」ことで粘度が増えます。毛の表面の凹凸は、次第に減っていきます。さらに、経年劣化で、弾力を失い細くなります。寿命は「●●時間」と書かれているものもありますが、何よりも松脂を普段から「必要最小限」で使っていれば、摩擦が減ってきた…滑りやすくなったことを感じるはずです。その時が「弓の毛の寿命」です。
どんな弦でも、弓の毛でも「なじむまでの時間」と「良い音の出る期間」と「寿命を迎えた時期」があります。それぞれのタイミングを見極めるのも演奏者の技術です。
最後までお読みいただき、ありがとうとｇざいました。
ヴァイオリニスト・ヴィオリスト 野村謙介
もう15年も前になる初めてのデュオリサイタルで演奏した、チャイコフスキー作曲「懐かしい土地の思い出」よりメロディー。あまりにも多くのヴァイオリニストが演奏されているこの曲、実は自分の中で「何かが難しい」…何が難しいのかが自分でもよくわからないのですが（笑）そんなこともあって、今までにあまり演奏してこなかった曲の一つです。次回のリサイタルでリベンジ！と思い立ち、ユーチューブを聞きまくってみました。皆さん、じょうずに演奏されているのですが、自分の好みに合う演奏が見つからない。明らかに他の演奏者と違う解釈で演奏されている「ヤッシャ様」（笑）の演奏がこちらです。
ハイフェッツ様だから許される？（笑）大好きな演奏なのですが、個性的過ぎて「猿真似」になりそうで近づけません。いや…近付けるはずもないのですが。
曲の好みで言えば、大好きな曲の中に入るのに自分で演奏すると「どこが好きなんだよっ！」と自分に突っ込みを入れたくなるほど。
聴くことが好きな曲と、演奏したい曲が違うのはごく普通の事です。
でも、よく考えると聴くのが好きなら「ひいてみたい」と思うのが自然な流れのはずです。弾けない…という事でもないのですが、自分の演奏が好きになれません。「それ以外の曲は満足してるのか？」と言われれば、冷や汗ものです。
趣味の領域で「楽しむ」事と、お客様に聴いていただく立場で自分が「楽しむ」ことの違いなのかもしれません。好きだから怖くて弾けない？（笑）
ぶつぶつ言っていないで、なぜ納得できる演奏が出来ないのかを言語化してみます。
調性はEs dur＝変ホ長調。特に苦手とか嫌いとかはありません（笑）
4分の3拍子。問題なし。重音の「嵐」も吹かない。特別に出しにくい音域でもありません。むしろ「普通に弾ける」言い換えれば、弾きやすい曲でもあります。
モチーフも覚えやすく、リズムもシンプル。
中間部の軽い動きが「苦手」なのは否めない事実です。
気持ちが先走って、冷静に弾けていないことが一番の原因と分かりました。
とにかく、一音ずつ練習しなおし！
好きな曲を、気持ちよく弾けたら最高に気持ちいいですよね！
最後までお読みいただき、ありがとうございました。
ヴァイオリニスト・ヴィオリスト 野村謙介
映像は2年前、かてぃんこと角野隼人さんのラジオ番組にゲスト出演していた、ピアニスト亀井聖矢さん。先日のロンディボー国際コンクールで同率1位。
20歳（今年21歳）で桐朋学大学4年生…って計算が合わないぞ？それもそのはず、17歳で高校から「飛び級制度」で桐朋学園大学に特待生で入学。桐朋学園では「初の飛び級入学」
正直、かてぃんのチャンネルで共演していたりする動画は見ていましたが、名前を知ったのは今日が初めてです。そして、彼のいくつもの動画を見て、あっさり「ファン」になってしまいました。
私はピアノの演奏技術の「優劣」がわかる人間ではありません。ただ感じるのは、「純粋に素敵なピアニストだ」という感想なのです。彼の「素顔」も知りません。性格だって知りません（笑）彼の演奏を見て、聴いて感じることを書いてみます。
何よりも強く感じるのは、深刻さ・悲壮感を感じないという事です。
子供の頃の演奏動画もアップしています。10歳の頃の「ラ・カンパネラ」をご紹介します。
「愛知の神童」だったかどうかは知りません（笑）が、これが10歳の演奏か…。素直に「この曲がひいてみたい」と言う少年の素直な気持ちがそのまま音楽になっている気がします。演奏活動をコロナで阻まれながらも、国内の主要オーケストラとの共演も既に終わっている（笑）日本音楽コンクールとピティナを同じ年に「一位取り」すると言う経歴にも納得です。
普段、コンクールで何等賞…と言うニュースにほぼ無関心な私です。そして、話題になった人の演奏動画は一通り見ていますが、正直「感動しない」という感想で今まで過ごしてきました。それは「好み」の問題でしかありません。
亀井さんの演奏に共感する理由をもう一つ。
「自然なアクションと表現」に感じることです。私はオーバーアクションに見える演奏家が好みではありません。演奏中の表情もそのひとつです。自然に表に出る「感情」や「動き」は理解できるつもりです。それ以上の表情は「作っている」としか思えないのです。もしもその「表情」がパフォーマンス…だとしたら、余計なこと（笑）だと思ってしまいます。
彼の活動を見ると、「やりたいことを、やりたい時にやっているだけ」に感じます。それが素敵なんです。先を考えて…とか、日本の音楽界のために…とか、作曲家の精神に触れた…とかと言う話を20代の演奏家が話しているのを聞くと「そのセリフは40年後に言いたまへ（笑）」と思うのです。
純粋に今、やりたいことに没頭する美しさ。評価よりも自分の「価値観」を優先した生き方に、年齢は関係ありません。若いからできること、若いとできないこと。高齢になってできないこと。高齢になって初めてできること。それを素直に受け入れられる「ひと」の演奏が好きです。彼がこの先、どんなピアニストになるのか？とても楽しみですが、何よりも今の彼の演奏が楽しくて好きです。
最後までお読みいただき、ありがとうございました。
ヴァイオリニスト・ヴィオリスト 野村謙介
映像は今年2026年1月のリサイタルで演奏した「グラン・タンゴ」に過去のリサイタルで私たちが演奏した176曲のタイトルと作曲者を入れた動画です。
18年間続けているリサイタルの第1回では楽譜を見ながら演奏することが可能でした。
「網膜色素変性症」と言う進行性の目の病気は生まれつきの病で、現在も治療法が確立されていない難病として認められているもので国内だけでも5万人以上の患者がいます。
夜盲症の症状と視野狭窄（視野が欠けていく）症状で進行が進むと失明に至ります。
進行の速度や症状には大きな個人差があります。私の場合、4歳頃に診断を受けて以来50年近くの長い間大きな進行は見られず、楽譜を見ながら演奏することも可能でした。
50歳を過ぎた頃から進行速度が早まり現在は右目の視力は殆どありません。
それでも左目で大きな楽譜を少しずつなら読み取るだけの視力が残っています。
生まれつき、あるいは幼い頃に失明している演奏者は世界中にたくさんいます。
ポピュラー音楽の世界でもスティビーワンダーやレイーチャールズなども全盲です。
クラシック音楽ではヴァイオリニストやピアニストの日本人演奏家も活躍されています。
私の現在の状態は「半盲」と呼ばれる状態です。いつまで？この状態Gあ維持できるか誰にもわかりませんし、IPSS細胞による治療がいつから認められるのか？も不明です。
不安やストレスがないと言えば嘘になります。今まで出来ていた事が徐々に出来なくなるのは誰でも不安に感じるものでしょう。生まれつきの病気でなくても事故や病気、ケガなどで身体の自由が一部失われることは誰にも起こり得ることです。加齢によって不自由に感じることが増える人も少なくありません。そうした変化をネガティブに考えることは自然な感情ですが、出来ることが少なうなって初めて「出来る」ことに感謝する気持ちGあ生まれることも事実です。リサイタルはこれからも続けていきます。新しい曲を演奏する場合に楽譜を元にして演奏するクラシック音楽の場合に、通常より時間がかかっても演奏することは出来るはずです。
全盲の演奏者が点字楽譜を用いて楽譜を覚える場合や、音と介助者の力を借りて音楽を覚える場合でも最終的に「演奏できる」能力が残っていれば悲嘆することなく演奏したいと思っています。
視力と視野が普通の人より低く・狭くなった私が感じる演奏と「視覚」の関係について書いてみます。先述の通り以前は初見で楽譜を見ながら演奏することが出来ましたし、音楽高校・音楽大学で楽譜を音にするスキルも身に付けました。アマチュア演奏家が楽譜を音にすることが難しいと感じるのは才能ではなくトレーニングの有無が原因です。楽譜に書かれた記号を楽器や声ですぐに音楽にする技術はトレーニングによって身に付けられます。
しかしそれだけで「音楽」が仕上がることはあり得ません。どんなに初見の技術Gあ高くなっても「音の羅列」を「音楽＝意味・感情を感じるもの」に仕上げるための思考＝頭脳を使った練習の時間が必要です。思った通りに演奏できるまでの時間が長い人と短い人はいます。それは「演奏技術の高さ」です。難しい＝弾きにくいパッセージを短時間の練習、もしくは練習しなくてもすぐに思った通りの正確さと速さで美しく演奏できる技術もトレーニングで上達します。この演奏技術が高ければ「思ったように演奏できるまでの時間」が短くできるのでより多くの曲を演奏することが可能になります。
思ったように…言葉では短いのですが「思う」ことが変化＝深化します。もっと言えば変化してこそ！音楽が深まる者だと確信しています。
私たちが生活する中で経験・体験を重ねて多くの「記憶」が脳に蓄積されます。
たとえ無意識であっても良い記憶も恐怖や不安の記憶も脳には残るものです。
楽譜が同じでも感じるもの＝想像するものが変化するのが人間です。10際の子供と60歳の大人が同じ絵を見て想像する量も質も違うのは生きた時間＝記憶の量による違いです。
年を取ると覚えることが難しくなる…多くの人が口にしますが私は疑問を感じます。
子供は新しいことに出会う＝新しく覚えることが多いから覚える量が多いのです。
60歳になっても「初めて」の体験や感覚を感じることはあります。ただ「初めて」と思っていないだけで🅂実は新しい記憶が脳に残されている意味では子供と同じです。
さらに子供は道筋通りに何かを覚えようとしません。新しい興味があればそれがパオ婚でもスマホでも触って確かめて自分の見たい映像をやゲームを見つけます。ところが大人はまず「壊してはいけない」「間違った操作をしてはいけない」とブレーキをかけながらマニュアルを読んでみたり恐る恐る進みます。当然、たどり着くまでに子供より時間がかかります。
単純に「記憶」することだけを、子供と大人で比べれば恐らく大人の能力農法が勝っている結果になるはずです。ましてや子供にとって興味のないことは覚えようという医師が働きません。「認知症」が高齢になってから発症することが多いのは事実ですが、若くてもアルツハイマーなどの病気の人は記憶が消えてしまいます。「忘れる」のは人間の防御反応の一つだと言う説もあります。また脳の萎縮や組織の一部が病気や事故で傷ついた場合に「記憶障害」が怒ることと通常の記憶力を混同するのは違う気がします。
私自身の経験ですが視力が低下し視野が狭くなったことで今まで違った演奏が始まった気がしています。簡単に言えば「見ることに頼らない」演奏です。見えないので当たり前ですが(笑)
見える事が当たり前の人間は当然ですが見た方が簡単なら見ようとします。
楽譜を見ながら弾いた方が暗譜するより楽です。覚える「意義・必要性」を感じないからです。では見ながら演奏することでマイナスになることはないでしょか？
これを考えるにはまず「見ながら演奏することのメリット＝プラス要素」を考えることです。なにかありますか？初見は楽譜が必要です。当然です。その段階から練習る＝考える時間があります。考えたことを楽譜に文字や記号で書き込めば後ですぐに思い出せます。
楽譜を見ることが演奏の「プラス」になることはないと考えます。強いて言えば「覚えなくても良いのでたくさん曲を同時に練習できる」ことでしょうか。もう一つは「覚えるまで楽譜を見ることができる」ことです。見えなくなって感じることです。
昔、試験で弾く曲を暗譜するのが当然でしたから意識せずにある段階から楽譜を水に練習して言ことを覚えています。「いつの間にか覚える」という事です。
楽譜を水に演奏する時に次の音を思い出せなくなる事や「不安」があると、どうしても楽譜を見ながら弾きたくなります。暗譜で演奏することに不安がなくなる状態にする「練習」で何が変わるでしょうか？これが「プラス」の部分です。
以前にも書いたことがありますが舞台や映画、テレビの役者さんが台本を水に演技するのは見ている人がいつの間にか演技を「本物」に感じさせるために必要だからだと思います。
役者さんが台本を手にして目を落としながら台詞を言えば見ている人は「読んでいる」事で芝居＝嘘の世界だと感じてしまいます。ストーリーに入り込めません。当然、感情移入も難しくなります。しかし「朗読」の場合は読み手の「声」だけで聴く人の想像力を掻き立てるものなので「視覚＝見た目」は大きな問題になりません。
音楽も「音」の世界ですから弾く姿や楽譜の有無で評価が変わる事はありません。
レコート、CD、ラジオで演奏者がどんな服装で楽譜を持ていても分かりませんよね。
楽譜を見ずに演奏することは演奏者が音楽「だけ」に集中する上で有意義な事だと思います。
演奏しながら次の音を楽譜から読み取る「視覚からの脳の働き」を無くし、次の音に必要な身体の動かし方と音のイメージを作ることに集中することができます。
人間は何かに集中すれば他の運動や感覚は「無意識」になります。次に出す音をどうやって?どんな音に？と言うことに集中しているとすれば楽譜は無意識に眺めているだけです。
逆に楽譜からの情報を得ることに集中すれば、音のイメージや身体の動かし方は無意識になります。これは「脳の働き」なのでマルチタスクが得意か苦手か？と言う問題ではありません。
楽譜は作曲者の考え出した音楽の設計図です。それを実際の「音楽」にするのが演奏家です。楽譜に書かれた曲を自分の技術で音楽にする「練習」の段階で楽譜から離れ、自分の身体と「意思」で音楽を演奏する考えで言えば音楽を覚える事は「自分の言葉で感情を伝える」ことに似ています。他人の書いた言葉＝台詞・台本を自分で租借し自分の感情を人に伝える気持ちを持って演奏したいと思います。
これからも「音の世界」を楽しみたい。出来ることが減っても楽しめると信じています。
最後までお読みいただき、ありがとうございました。
ヴァイオリニスト・ヴィオリスト野村謙介
今回のテーマは人間の思い込みと現実に目を向けたものです。
音楽を演奏する時、練習する時にも演奏会で演奏する時でさえ常に自分の演奏に心の底から「満足」出来ることはほとんどありません（私の場合です）
自分の「実際の顔」を自分の目で見ることは不可能です。鏡やガラスに映った顔は実物ではありませんし、カメラやビデオで撮影した自分の顔も実物ではありません。
体調の変化を感じる時にも「少し熱があるような気がする」実際に体温計で張ってみると実際に微熱だったり実は平熱だったりと結果は様々です。
微妙な違いに気が付く感覚も次第に慣れていくと感じなくなることがあります。
「小さなこと」にこだわる性格の人と「たいしたことじゃない」と思える人がいます。
バランス＝程度の問題で偏った人の場合「神経質」か「粗雑」と言う分類になります。
そもそも思い込む＝気がすると言う状態は推測あるいは想像している状態で実際に検証した客観的な事実を知らない時、知った後でも納得出来ない時に感じるものです。
ヴァイオリンの「音」「楽器の価値」について科学的な調査や実験が世界中で行われています。時代と共に調査方法が進化しています。昔は人間の目と耳で感じたり考えたりした事だけでした。どんな経験豊かな専門家や演奏家、楽器製作者でも感覚＝主観的な結果でしかありません。現代の科学でヴァイオリン＝楽器を調査する方法としてCTスキャンやMRIで楽器の内部＝人間の視覚や触覚では感知できないを画像化したり、使用されている木材の組織を分子のレベルまで調べることが可能になりました。近い将来にはさらに細かい事まで分析できるでしょう。「それは科学」と否定する人もいますが私たちの身の回りでも珍しい事ではありません。昔は「血液型」さえ精度が低く曖昧なものでした。事件現場に残された血痕から血液型を調べ、それが犯人逮捕の証拠になっていました。現代はDNA情報で精度が以前の何万、何億倍と言う精度になり誤認逮捕が激減しました。
楽器の木材としての寿命＝楽器としての寿命もコレクターや演奏家の思いとは無関係に
化学分析と統計によって明らかにされています。作られた直後から木材の細胞、組織が常に変化します。表には現れていなくても「分子レベル」で解析すれば劣化は常に進んでいます。どんなに大切に管理しても木材は変化しやがて寿命を迎えます。
もちろん「用途」によって寿命を過ぎても問題のないケースもあります。
「見た目」を楽しむ美術品であればどんなに劣化した木材でも表面的な大きな変化はありません。ただ「楽器」として木材自体が振動して音を出す場合、組織の劣化は致命的です。「それでも良い楽器だ！」確かに歴史的な価値は上がるものですが現実に出る「音」は木材の変化と共に変わるのです。演奏者が対応すれば？それも可能です。より低いテンション＝張力の弦を張り、弱い圧力で弓を乗せれば「独特」の音が出せます。ただそれは「独特」な音でありその楽器の以前の音とは明らかに違う音です。
古い楽器の良さに固執する人は「新作」の楽器に否定的です。しかしそれは「良いような気がする」と言う思い込みだと言えます。古い楽器も新しい楽器も経年変化します。変化しないヴァイオリンは存在しません。仮に材料である木材を伐採してから「100年後」の楽器だけを集めて演奏した「平均」的な音色と、その楽器をさらに100年経ってから同じ条件で比較した結果を知っている人がいるならば「平均的な楽器の最盛期」が分かるかも知れません。が現在そのような統計データはありません。手を触れずに美術館に飾っておいただけのヴァイオリンでも劣化します。演奏に使用すれば変化は早まります。当然劣化も早くなります。
楽器の音、自分の演奏を観察して感じる「印象」は一定のものではありません。
どんなに経験のある人でも同じことです。聴覚は日々刻々と変わります。体調によっても変わります。視力検査の結果も同じです。その時々で結果が変わって当たり前です。
自分の感覚を過信しない・でも何よりも大事にする。
矛盾する事ですがこれも「バランス」の問題です。音色や音量に「感じる」感覚は大切ですが一喜一憂したり偏った「理想」は精神的な健康を害するリスクもあります。
また人間関係を壊すことにもなりかねません。主観で人を批判する場合「表現の自由」と認められるケースと「名誉棄損」に該当したり、相手＝批評された人を傷つけることもあります。感じたことをそのまま相手に伝えることを「正直」とは言いません。「無神経」と言うべきです。
自分の感性・感覚を大切にしながら、自分以外の人の言葉を聴くことは簡単そうでとても難しいことです。すべては「主観＝個人の感覚」です。科学的な分析結果ではありません。自分の演奏について少しでも客観的な事を知りたいなら「鏡を見る」よりも「録音を聴く」ことをお勧めします。鏡と同じで「実物」ではありません。マイクの性能、ヘッドホンの特性で音が変わるからです。それでもただ楽器の音をいつものように聞くより冷静に分析できる利点があります。
理想は理想。現実は別物です。自分の理想は自分だけの感性です。
それを評価するのも自分の感性です。他人の評価は他人の理想に基づくものです。
その意味で音楽はすべて「自己満足」の表れだと言えます。もちろん満足していなくても理想＝目標を他人に示す必要などありません。聴く人の感性で「よかった」と思ってもらえればラッキー！なのです。同じ演奏を聞いた人でも「全然よくない」と思う人がいるのも「あたりまえ！」なのです。自分の理想も常に変化して当然です。練習だけに人生の大切な時間を使うのも自由です。私は「生活しながら感じた感覚」を大切にしたいと思っています。練習は理想に近づくための時間ですが、理想を見つけるための時間がなければもったいないと思っています。
最後までお読みいただき、ありがとうございました。
ヴァイオリニスト・ヴィオリスト 野村謙介
映像は「渡辺茂夫」と言うヴァイオリニストの特集番組です。
5歳でヴァイオリンを父から習い、毎日8時間の練習を重ね7歳でプロのヴァイオリニストとして演奏活動を開始。国内のオーケストラと共演し来日したハイフェッツに演奏を聴いてもらいアメリカのジュリアード音楽院でガラミアンのレッスンを受けることを勧められ14歳で一人留学。指示したガラミアンから弓の持ち方を変えることを求められ指導に従い…。これらはすべて客観的な事実ですが「彼」の心の中を正しく知る事は誰にもできません。ヴァイオリンから離れ一人暮らしを始め、住んでいたアパートで睡眠薬を大量に服用した事も事実です。
「もし」と言う言葉は本人にとっても、ましてや周囲の人間が後になってから考えても無意味なことです。ただすでに14歳と言う年齢でヴァイオリニストとして必要な技術を身に付けていた「彼」に留学は必要な事だったのか？ハイフェッツに悪意があったわけではなく、恐らく本人も「さらに上達すること」を望んでいたかも知れません。ガラミアンにしても「善かれ」と考えて弓の持ち方を変えることを求めたのだと思います。
ここからは私の想像です。
音楽に限らず何かを学び高い評価を受けた人はさらに上を目指す気持ちが増幅されるのだと思います。ある意味で人間の限界を超えてしまう次元が「頂点」なのかも知れません。当然ですが人間には超えられない壁が必ずあります。肉体的な限界と精神的な限界です。通常の＝平均的な人間の努力や我慢の限界と、それを多少なりとも超える努力と我慢の出来る人の中で「天才」と呼ばれる人が誕生します。多くの人にとって憧れであり「雲の上の人」に感じるその本人にしか感じられないであろう「本当の限界」を超えようとしたときに肉体か精神が破壊されるのではないでしょうか。普通の人間にとって「すごい」ことが普通のように感じるのかも知れません。
肉体にも精神にも個人差があります。同じ時間同じことをして「辛い」と感じる人もいれば「平気＝辛くない」と感じる人がいるのが当たり前です。どちらが正しいとか優れているかの問題ではなく個人差です。一方で一人の人間＝例えば自分自身の感覚や肉体が変化することも事実です。練習すること、学ぶこと、経験することで出来ることが増えたり理解できることが増えたりする変化もあれば、加齢が原因で出来なくなる・理解できなくなることが増えることも変化の一つです。
自分自身を制御することは一番簡単そうで一番難しい事だと思います。だからこそ信頼できる他人からのアドヴァイスと助けが重要だと考えています。
レッスン＝師匠と弟子と言う特殊な人間関係の中では何よりも大切なのは教える側＝師匠の「謙虚さ」だと考えています。先述の通り人によって感じ方が違います。同じ言葉、同じ態度でも人によって受け止め方が違います。特に従順＝素直な生徒に対して配慮することが出来なければ指導する資格がないと思います。簡単に言えば「教えやすい弟子」へのレッスンが一番危険だと言えます。弟子は師匠に逆らわないことが「善」とされます。
信頼関係と「服従」を混同するのは命に係わる違いです。信頼は双方が相手を認め合い、お互いが謙虚な気持ちの時に初めて成立します。極論すれば「体罰」を容認する人間の勘違い＝相手が自分を信頼していると思い込む事で生徒を傷つけても「愛のむち」だとか「言葉で理解でないから仕方ない」と自分を正当化します。これこそが「エゴイズム」です。自分が正しい＝生徒が間違っているという考え方は利己主義でしかありません。
教える側に立つことは色々な場面であることです。それを「上に立つ」と言う表現にすることが危険な一歩です。人を「崇める」のは個人の自由です。しかしそれを他人にも供することは「人を蔑む（さげすむ）」行為になります。価値観や感覚を他人と共有しようとする努力は大切ですが「強要」するのはエゴです。
最後までお読みいただき、ありがとうございました。
ヴァイオリニスト・ヴィオリスト野村謙介
映像はCateen＝角野隼人さんの演奏動画。一つ目はショパンのピアノコンチェルト、もう一つはギタリストMarcinとのコラボ演奏。まったく違う「楽しみ方」ができます。
今回のテーマは音楽を聴いたり演奏したりする楽しみ方を考えるものです。
結論から言えば楽しみ方は人それぞれで制約も定義もない！
では何故ブログのテーマにしたの？(笑)
音楽に限らず人の好き嫌いがあって好きなものは「痘痕も靨＝あばたもえくぼ」と言う言葉があり、嫌いなものは「食わず嫌い」と言う表現があります。つまり自分が好きではない音楽を敢えて楽しもうとは考えず、否定的・ネガティブなイメージを持ちがちだからです。
クラシック音楽が好きな人の中に「ロックはうるさい」と思い込む人がいます。ロックやポップスの好きな人は「クラシックは難しくてよくわからない」と言う人もいます。確かに間違っていない一面もありますが(笑)
好きになる・嫌いになるきっかけも人によって違います。食べ物でも同じです。趣味として楽しむすべての事柄にも共通しています。生まれつきスポーツが好きな人はいませんよね？
音楽をジャンル分けすることに否定的な私ですが整理するために今回は「クラシック」と「ポピュラー」と言う分類で書いていきます。
まず「聴く楽しみ」について。前提として楽器の演奏技術や楽譜を音にする技術がない「一般の人」を対象にして考えます。言ってみれば日本の義務教育で「音楽の授業」を受けたレベルの知識と技術ですね。
クラシックもポピュラーも作曲者と演奏者がいます。聴いただけではどちらも分からなくて当然です。音楽の一部を聴いただけで作曲者や演奏者を言い当てられるのは、その音楽・演奏が好きな人ですね。あるいは勉強して知識や経験のある「例外的」な人だけです。
作曲者・演奏者が分からなくても音楽を聴いて楽しめます。当然です。料理の名前や素材、料理方法を知らなくても美味しいと感じる食べ物はいくらでもあるのと同じです。
この時点で「好き」か「嫌い」かが決まる場合もありますが、多くの場合は「どちらもでない」はずです。コンサートに行ったりCDを買って聴いたりするのは「好きな人」が殆どです。曲名や演奏者がわかってからの事ですから。
私たち生活の中で無意識に音楽を耳にすることがあります。正確に言えば音楽を聴こうと思っていない時に「聞こえてくる音楽」です。電車の駅構内で聞こえる発車の音楽。ニュース番組のテーマ音楽や「ジングル」と呼ばれる短い音楽。映画やドラマの中で使われる音楽。ここ20年ほどの間にテレビが衰退しCDが激減して「誰でも知っている音楽」がほとんどなくなりました。それでも無意識に聴いている音楽はたくさんあります。その中で好きになる音楽と出会うこともあります。興味がわいて演奏者や曲名を誰かに聞いて「へー！」っと思う事もあるかも知れません。
クラシック音楽を聴いて楽しむ人でも作曲者を知らない場合や演奏者にはこだわらない人もたくさんいます。むしろ「音楽」として「演奏」として聴くことが好きな人の方が多いと思います。例えば「第九」と聞いて「ベートーヴェン」と答えられる人は多くても有名な「歓びの歌＝合唱」が始まるのが何楽章か？とか誰の演奏が好き！と言う人は非常に少ないのが事実です。中には演奏者や作曲者・作品までこだわって「好き」な人もいます。ここまでくるとクラシックファンですね。さらに同じ作品＝曲の聴き比べをしたり特定の演奏者のCDを集めたりコンサートに「追っかけ」するようになるとクラシックマニア（オタク）と呼べるかも(笑)
ポピュラーを聴いて楽しむ人でも楽しみ方とこだわりは様々です。
演奏者＝アーティストが好きな人が圧倒的に多いのも特徴的な事です。
同じ曲を違う歌手やバンドが演奏している場合に「これが好き」と聴き分けられるのは「声と音」で聴き分けているからです。つまりポピュラー音楽ファンの多くは「特定の演奏者」へのこだわりが強い場合が多く「マニア」になると時代ごとの色々なアーティストや演奏を比較する多楽しみ方をするようになります。
ここまで恣意的にクラシック・ポピュラーを分けて考えましたが実のところ共通して「想像力」が関わっています。音楽を聴くことと小説を読むこと、絵画を見ること、自然の風景を楽しむことはどれも「想像力」が活発に働いています。映画でも見る人の勝手な想像力が恐怖心や感動を感じるのであって仮に台詞だけを文字で読んだり映画の音声を消して映像だけ見たりすれば恐怖心も感動も激減します。これは想像させる「映像」や「音」がなくなった結果です。
音楽を聴いて無意識に感じる悲しさや不安感、風景、演奏している人の姿、作曲者の時代などは「想像力」の結果なのです。当然ですが人によって思う事は違います。同じ演奏を聴いて感じるものが違うのも想像するものが違うからです。
アイドル＝偶像も人の想像力から生まれます。ある意味でクラシックの演奏者や作曲者を「きっとこんな人」と思うのも「偶像」を思い描いていることに変わりありません。ベートーヴェンはきっと…とか、演奏している人はきっと…興味がわいて想像して浮かんだ偶像です。
その意味でクラシックもポピュラーも聴く人の自由な想像で音楽を聴いて楽しんでいる共通点があります。好きになった演奏・音楽に関心がわいてくれば、聴き比べたり調べたりしてさらに関心が増えていきます。その「きっかけ」になるのは偶然出会った音楽を聴いて「想像する」ことです。子供の頃に小学校で給食の時間に流れていた音楽を大人になって偶然聴いた人は「給食の音楽だ！」と思わず叫びたくなるでしょう。それが給食のために作られた音楽でないことは間違いありませんが(笑)人間の想像力は記憶によって生まれます。五感のすべてが記憶に繋がります。香り・音・風景・手触り・味。それらが組み合わされて「想像の世界」が出来ています。音楽は想像＝イメージの世界にあるものです。楽譜は記号でしかありませんし設計図です。作るのは演奏家ですから楽譜を書いた人とは違い、想像力で演奏します。聴く人もまた違った想像をします。
ぜひ！音楽を聴いて「何か」を想像してみてください。
最後までお読みいただきありがとうございました。
ヴァイオリニスト・ヴィオリスト野村謙介
映像はドボルザーク作曲の歌曲「私をひとりにして」
昨年（2026年）1月に代々木上原ムジカーザで演奏したライブ動画です。
今回のテーマは私たち二人が演奏を続けているリサイタルの中心「小品」について考えるものです。ちなみにクラシック音楽で「小品」と呼ばれる曲は演奏する編成や人数が少ないなどとは無関係です。厳密な定義はここでは書きませんが「小品ではない曲」の一例を挙げてみると「交響曲」「ピアノソナタ」「ヴァイオリン協奏曲」などがあります。演奏時間が短いから小品かと思われがちですが演奏のテンポ＝速さが遅ければ当然それなりに演奏時間は長くなります。簡潔に説明するなら「1曲で完結する音楽」あれ？ベートーヴェン交響曲第5番「運命」も第9番「合唱付き」も1曲と言えば1曲ですね(笑)交響曲や協奏曲、ソナタは通常、複数の楽章で1曲が構成されています。「第九」の合唱が出てくるのは最終楽章だけです。楽章とは言われませんが「組曲」と呼ばれる音楽もあります。それぞれの曲は小品と言っても間違いではないと思いますが作曲家が「組み合わせてひとつの作品」と言えば複数の曲で一つの完成された音楽となります。ただそのような知識を持たずに音楽を聴くのが普通ですよね？
「クラシックコンサートあるある」の一つに拍手をいつ？するのか分からない！いつ終わるのか分からない！だから途中で寝落ちした(笑)という話があります。私は「これが当たり前」だと思っています。その曲を何度も聴いている人なら楽章の切れ目、曲の終わりも知っているのは自然なことです。好きな映画を覚えてしまう程、何度も見た人は次のシーンまで分かっていますし当然映画の「結末」も知っていますよね？もし映画館や家族・友人と一緒にその映画を見ていいて自分以外の人が初めて見るケースで「あ、この人は実は…」って一番嫌われる人間ですね(笑)ところが何故か？クラシック音楽のコンサートでは「知っている人が拍手したら拍手する」って不思議だと思いませんか？
少しクラシック音楽から離れて考えてみます。
ジャズ、ロック、J-POPなどの音楽に「楽章」と言う言葉は使われません。映画音楽やドラマの音楽の場合にはシーンによって様々な音楽が用いられます。「メインテーマ」と呼ばれる映画を代表する音楽とは別に不安や緊張感を感じる曲、涙を誘う曲が効果的に使用されます。CDに映画で使用された音楽がすべて収録されている物もたくさんあります。映画音楽の場合には音楽の演奏時間は特段の制限がありません。むしろシーンに応じて切り分けたり一部だけを使ったりテンポを遅くしてみたりします。一方で歌謡曲と呼ばれる音楽の場合は1曲の長さに慣例として「制約」があります。昔は厳密に放送局が時間を指定した時代もありました。「あかしろ歌合戦」と言う番組でも1曲の持ち時間が公平に決められ少しでも長い曲は容赦なくカットするかテンポを異常なほど速くして時間に納めていました。そんな影響もあってポピュラー音楽の1曲ごとの演奏時間は比較的短いものが主流です。言ってみれば小品…ですね。
私たち夫婦が演奏する曲の多くが小品と呼ばれる曲です。クラシック音楽の定義も様々ですので「小品」と言うカテゴリーの演奏会があっても良いと考えています。ピアノとヴァイオリンの為のソナタは通常のコンサートでは全楽章演奏されます。長い曲だと終楽章が終わるまで30分以上演奏が続きます。聴きなれた人ならともかく普段はクラシックを意識して聴かない人が「いつ終わるの？」と感じながら演奏を楽しめるだろうか…と気になってしまいます。
全楽章の演奏を楽しみにしてコンサートに足を運ぶクラシックファンもたくさんいます。
その方にとって私たちのように1楽章だけの演奏は「つまみ食い」に感じると思います。
映画の一部分だけを切り取ったり小説の最後だけを読むことに近いことかも知れません。
作曲家が心血を注ぎ長い時間をかけて推敲して仕上げた全楽章を演奏しないのは「良くない」と言う考え方も否定しません。コンサートで初めてクラシックを聴く人、初めてヴィオラとピアノのデュオを聴く人が「こんな曲もあるのか」と感じて音楽に関心を持って頂くことが私たちの願いです。
小品が軽薄なものだとは考えていません。音楽高校と音楽大学で多くの先生方に室内楽やオーケストラの演奏を教えて頂き「座学」でも音楽理論、西洋音楽史、管弦楽史を学びました。その傍らで全国各地の小学校や中学校での音楽鑑賞教室「オーケストラ鑑賞」の演奏者として様々な音楽を体育館、音楽室、公会堂、ホールなどで演奏していました。運命の1楽章、くるみ割り人形の中の一曲、アルルの女やカルメンの一部など子供たちが関心を持てそうな音楽を限られた時間で演奏するのが「音教」と呼ばれる演奏会です。恐らく多くの方が幼い頃に体験していると思います。その思い出は長く残ります。その時に「つまらなかった」と感じればオーケストラはつまらない、クラシックは嫌いと思ってしまうかも知れないのです。
音楽を聴くことが好きな人が忘れてしまった「はじめの一歩」を小品の演奏と言うコンサートで実現していきたいと思っています。
最後までお読みいただき、ありがとうございました。
ヴァイオリニスト・ヴィオリスト 野村謙介
映像はドボルザーク作曲の歌曲「私を一人にして」をヴィオラとピアノで演奏したものです。
今回のテーマは私も含めて過去に師匠からのレッスン＝指導を受けた経験のある人の当時と現在の違い、さらにその自分が生徒さんに対してレッスンで何を伝えているのか？を考えるものです。
まず何よりも幼いころから私に音楽を指導してくださったすべての恩師に感謝をお伝えしたいと思います。すでにご逝去された先生が増え寂しい気持ちになります。
今更ながら当時もっと真剣に師匠の言葉や演奏、何気ない事も含めて学んでおけば良かったと反省しています。一生涯「学ぶ」事が音楽に関わる人間の宿命でもあると考えています。レッスンで直接指導を受けなくても、音楽家以外の人からも学ぶことはたくさんありますがやはりレッスンで学んだことは特別な意味があると思います。
昔私がまだ小学生、中学生の頃にNHK教育テレビで毎週決まった時刻に「●●のお稽古」と言うタイトルの番組が放映されていました。ピアノ、ヴァイオリン、フルート、ギターなど日本を代表する演奏家の先生が子供たちにスタジオでレッスンする番組でした。夕方の時間帯で子供も親も一緒にテレビから多くのことを学んでいた気がします。その楽器を習っていない人でも楽器演奏の難しさや楽譜に書かれている記号の意味や演奏方法をなるほど～と思いながら見ることのできる貴重な番組でした。
今と違いビデオも普及しておらずインターネットもYouTubeもない時代ですからテレビでレッスンを見られることは感動的なものでした。今はYouTubeで世界中の演奏家やすでに亡くなってしまった演奏家の演奏動画、音源を気軽に大量に見聞きすることができます。演奏方法を動画で説明するチュートリアル動画は星の数ほど存在します。演奏家なのか？さえ分からない人が語る演奏テクニックや音楽の解釈を見ていると、正直「なんだ？」と首をひねるものもあります。多くのチュートリアル動画は「自分の演奏について」語っています。レッスンを通して演奏技術のアドヴァイスをしている動画は極わずかです。「マスタークラス」と呼ばれる上級者への公開レッスン風景も見つけられます。その中でレッスンを受けている人が今現在、演奏しているのかは定かではありませんが貴重な体験をされている事を感じます。
教育テレビの「○○のお稽古」は全国にレッスンを公開するので受ける生徒の緊張を考えると恐ろしくなります。
私自身がヴァイオリンのレッスンを受けた中で大きく分類すると以下の3つのことに分かれます。
1.演奏技術
2.音楽の解釈や表現
3.練習する内容＝課題の提示
上記の1には曲ごとの指使い・ボウイングなども含まれますがすべての曲に共通する「構え方＝姿勢」「楽器と弓の持ち方」「手・指の形」「腕・指の動かし方」が最も大切な事だと今でも考えています。
2の解釈や表現の仕方を言葉や演奏で指導される先生もおられましたが何よりも「考え方の違い＝演奏の個性」を学ぶきっかけになりました。
3はレッスンで生徒に不足している技術を身に付けるために、どんな練習・練習曲をどのくらいの量と時間で練習すべきなのかを毎週、あるいは不定期なレッスンで指導して頂くことができました。
自分の演奏を目の前で見て、聴いてレッスンをされる・する事がレッスンだと思います。
「オンラインレッスン」が無意味だとは考えません。遠隔地の先生から指導を受けられるメリットは技術の賜物ですが、限界があることも事実です。音色・音量の微細までは伝わりまん。さらに身体の使い方＝力の入れ方・色々な角度から見た手や腕の動きなどは実際に目の前に生徒がいて初めて分かることです。教わる側にしても師匠の演奏＝音色などは感じられず自分が見たいと思う動きを確認することはオンラインレッスンでは伝わりません。
これはYouTubeのチュートリアル動画でもまったく同じことが言えます。まして自分の演奏を見聞きして問題を指摘してくれるわけではありません。あくまでも「中の人の個人的な考え」を参考にできるだけです。多くの動画を見ていますが、むしろ見る側の技術と経験が足りなければ、自分に必要な事か？やるべきことか？の判断が出来ないはずです。色々と試すことは面白いかもしれません混乱する結果にもつながります。
レッスンで学んだことや感じたことを師匠の求めるレベルまで出来るようにするのが練習であり、その過程をレッスンで見てもらい修正されるのもレッスンの意味です。
私は幸運なことに多くの素晴らしい恩師に出会うことができました。本当に幸運でした。
自分自身の練習・努力不足が原因で師匠たちの求めている事の「10％」も理解できていなかった気もしますが、それでも私の恩師はそんな不出来で不謹慎な私を見捨てませんでした。
レッスンを受けた中には「室内楽」つまりピアノや複数の人たちと一緒に演奏を見て頂くレッスンも受けました。実技＝ヴァイオリンのレッスンは中学・高校・大学の間「久保田良作先生」お一人のレッスンを受けることができましたが、学友や知人の中には途中で違う先生に「弟子入り」した人もいました。きっと理由があっての決断だと思います。何よりも師匠と弟子の「相性」が合わなければお互いに不幸です。求めるものを受け入れられない人間関係ではレッスンが成立しないのは当然です。
レッスンを受けている期間に感じられるものと、時間が経って初めて感じるものがあります。単に「結果」だけを見るのではなく「弟子＝学んだ人間」が演奏を続ける間の経験が重なり、挫折したり乗り越えたりする中で初めて感じるのが「レッスンの有難さ」です。
教える側が「感謝しなさい」と生徒に求めるのは愚の骨頂です。間違っています。
教えることも学ぶことだからです。レッスンをしながら生徒に教えられる＝気付くこともその一つです。生徒はすべて違う人間です。真剣に向き合うほど生徒の「人間」を感じられます。
その一人一人に教える自分が順応することがレッスンの技術に繋がります。指導経験の浅い人のレッスンは自分の演奏を生徒に伝えることがレッスンだと感じています。生徒を観察する技術が足りないからです。教えても出来ないのは生徒の努力が足りないから・能力が低いからと考えるのは指導者の傲慢であり指導者としての適格性が足りないと言えます。教え方が悪い、生徒を観察する力が足りない事が原因だと自覚することが生徒の成長を助けます。
最後に今も音楽に関わって生きていられることを両親とすべての恩師に感謝したいと思います。お読みいただきありがとうございました。
ヴァイオリニスト・ヴィオリスト 野村謙介
映像は韓国の作曲家チョン・ファンホ作曲「開花日～花の咲く日」
今回のテーマは以前にも触れたことのある「歌う」ことの意味を考えるものです。
歌を歌うことが好きな人と苦手な人がいます。子供の場合は小学校や中学校の音楽授業や行事の「合唱」が苦手と言う子供を多く見受けます。大人の場合はカラオケで歌うことが苦手と言う人（実は私もその一人）も多い一方で、カラオケ教室に通う人も相当数いるのが不思議です。声を出すこと＝しゃべることと「歌」を歌う事の違いは？音楽を自分の身体で表現する最も手軽な方法が歌ですが、誰かに聴かれることに抵抗があったり自分の声をスピーカーから聴くことが嫌いな人も（これも私です）います。
私自身は合唱で歌う事は好きでした。中学時代の音楽授業を担当されていた恩師が発声法にとらわれない自由に歌う歌い方で指導して頂いたおかげかも知れません。不自然な大人の真似をしたような発声法で歌っていたら合唱が嫌いになっていたと思います。
自分の声を聴くのが嫌いな理由は自分でも良くわかりませんが、未だにビデオで自分の声を聴くのも耐え難い苦痛です。本番では恥ずかしさを隠すために必要以上にベラベラしゃべりますが（汗）演奏会のビデオ編集で自分の声を「カット」するのが当然だと思っています。
自分が歌うことが苦手な人の中にも「歌を聴くのは好き！」という方もいます。
ジャンルに関わらず「歌詞」と「歌声」が魅力だと思っています。
同じ歌詞の歌でも歌手が違うと違う音楽に感じます。また一人の歌手の場合でも歌う曲によってまた聴きたいと思う曲がある場合もあります。歌詞の意味が分からない言語の歌の場合、歌声に惹かれているのだと思います。
楽器を演奏する時に歌詞はありません。楽器のよって音域が決まっています。歌は歌う人の「声域」がそれぞれにあります。同じテノール歌手でも微妙に声域は異なります。
楽器演奏を指導する際に指導者が言う「歌う」のは実際に声を出して歌ってと言う意味ではありません。では何を？求める言い方なのでしょうか？
歌声はすべての歌手で違う魅力があります。
弦楽器や打楽器、ピアノなどの鍵盤楽器の場合に呼吸は直接、音との関りがありません。
息を止めていても音は出ます。一方で声楽や管楽器の演奏でも音楽的な抑揚がなかったり音量と音色の変化が乏しい場合に歌っているように聴こえないケースもあります。
つまり「歌って・歌うように演奏して」と言う指示は単に声を出して歌うことを指していないという事です。言い換えればここで言う「歌う」とは人間が言葉で意志を伝えたり感情を表現するような「演奏者の意図・感情を音量と音色の変化で表す」ことを意味するものだと考えられます。音楽によっては極力「平坦に・起伏や変化をさせない」表現方法を用いる場合もあります。これは他の部分で抑揚があって初めて効果のある方法です。
歌い方に規則や基準はありません。人と会話する時に大げさに抑揚を付ける場合や意図的に一定の大きさ・話し方で話す場合があるように相手に対して「何を感じてもらいたいか？」を考えれば良いのだと思います。例えば「今日は寒いですね」と相手に話す時「今日は」をゆっくり大げさに強調すると「昨日まで暖かったけれど…」など「今日」が相手に強く伝わります。一方「寒いでね」を強調すると「寒い」と言う感覚を強調することになり「今日は」がなくても同じ意味になります。
音楽は言葉のように具体的な状態＝形容詞・動詞や物の名前＝名詞は表現できません。
「悲しい」「楽しい」「不安」「安堵感」「驚き」などの心理状態を直接表す規則もありません。
ただピアニッシモで演奏し続けていて突然フォルティッシモで演奏すれば聴いている人がびっくり！するのは自然な事で音量の変化、音域の変化は多くの作曲家が作品の中で使用しています。しかしこれは「歌う」事とは別物でただ「驚かす」「緊張感を高める」などの効果があるだけです。
音楽を歌うことは演奏する人の「優しさ」の表れだと考えています。意志を伝える人＝相手・聴衆に丁寧に・穏やかに・ある時は大胆に自分の意思・感情を伝えるのが「歌う」ことだと思います。怒鳴りつけたり決めつけたり、言い捨てる話し方は「乱暴な人間」の話し方です。これが「歌っていない」音楽だと思います。
優しさ＝Tenderbessこそが音楽を歌う心のキーワードだと考えています。
最後までお読みいただきありがとうございました。
ヴァイオリニスト・ヴィオリスト 野村謙介
映像はハリウッド映画「インテルメッツォ」で使用されていたプロボスト作曲「インテルメッツォ」
代々木上原ムジカーザでのライブ映像です。今回のテーマはライブ＝お客様の前で「生演奏」した演奏とCDなどの録音での演奏について違いを考えるものです。
私たちも過去に3枚のCDを録音・作成・販売しています。3枚とも自宅で自分たちで機材のセッティングから編集を行いCDジャケットの作成も「手作り」のCDです。
同じ曲でも録音する場合と生演奏では全く違った演奏になります。
録音の場合には自分たちが納得できる演奏が出来るまで何回でも録音し直すことができます。
1曲録音して聞き返して不満があれば休憩してから録り直す作業を繰り返せます。自宅で録音したので何日にも分けて録音することも可能です。
録音方法の「進化」で多くのレコーディング現場では「部分録音」をつなぎ合わせたりピアノとヴァイオリンを別々に録音する方法が主流になりつつあります。この方法だと納得いかなかった部分だけを録音し直すことで時間の短縮が可能な上、別々に録音することで二人のどちらかがミスをした場合、そちらだけを部分的に録音すれば良いので効率がさらにアップします。
「そんななのずるい！」(笑)と思う方も多いと思いますが、昔から行われていた録音方法です。
二人の音量のバランスも別々に録音すれば後から電気的な処理でいくらでも変更が可能になります。
オーケストラの演奏を録音する場合でも10～20本のマイクをソロのある楽器や音の小さな楽器のすぐ近くに立ててそれぞれを違うチャンネルに録音する「マルチトラック録音」が当たり前になっています。
昔のテープ録音と違い雑音のない音で何度編集してもピッチが変わらず音質も劣化しません。
こうして出来上がるのがCDでありプロオーケストラの演奏動画です。
生演奏の場合、特に拡声装置を使用しないアコースティックでの演奏は演奏のミスもやり直しが出来ませんが音量のバランスも後から変更することは不可能です。
さらに演奏会で1曲だけを演奏して終わる…ことはほぼあり得ませんから、多くの曲を限られた時間内で演奏する集中力と体力が求められます。録音とは全く違う緊張感があり準備の時間も比較にならないほど必要になります。聴く側にしてみればCDを自宅で聴くのも会場で生演奏を聴くのも同じ曲・同じ演奏者かも知れません。CDと同じ演奏をライブに期待する人もいますが正直に言えば意味のない期待です。
CDの演奏が聴きたければCDを聴けば何回でも同じ演奏を聴けます。先述の通り録音され加工された演奏は生演奏とは「別物」です。極論すれば巨大なライブ会場＝ドームなどで何百人・何千人の聴衆と一緒に「CDの音」を聴いているケースもあります。CDではなくても予め録音された音を一部使いながらライブを行うバンドも珍しくありません。「一体感」を感じたいのであれば満足なのかも知れません。
生演奏が好きか？CDの演奏が好きか？これは好みの問題＝価値観の違いですのでどちらが正しいと言うものではありません。それぞれに良さがあるのも事実です。どちらにも一長一短があります。
私たち夫婦がコンサートで演奏する場合もっとも重要に考えているのは聴いてくださるお客様への配慮＝おもてなしの心です。演奏する本人が練習にどれだけ時間をかけたからと言って聴く人にとって演奏会を楽しめなければ意味のない事だと思っています。時間と体力と交通費をかけてまで会場に音楽を聴きに来られた方に対する感謝と敬意を忘れた演奏は自己満足でしかありません。もちろんすべての来場者が満足できるコンサートは現実にはあり得ないのかも知れません。演奏者のファンだけが集まるコンサートであっても選曲によって不満を感じる人もいます。予め演奏曲が告知されていてもCDと同じ演奏を期待する人には不満があるはずです。
結論として生演奏でのライブやコンサートは「その時だけの演奏と感動」があることを演奏する側も聴く側も共通理解しておくことが一番大切だという事です。ライブ演奏を録画・録音した映像や音源が世界中に無数にあります。私たちの演奏動画もその中の一つです。コンサートで実際に聴いてくださった方が録画された音を聴いて「なにか？生演奏と違う」と感じて当然です。会場で感じた演奏者の立ち振る舞いや息遣い、会場での音などは「記憶」にしか残りません。聴いてくださった方の良い記憶になるコンサートを続けていきたいと願っています。
最後までお読みいただき、ありがとうございました。
ヴァイオリニスト・ヴィオリスト 野村謙介
映像は2004年みなとみらい大ホールで演奏する中・高校生の部活動オーケストラ定期演奏会。
チャイコフスキー交響曲第6番「悲愴」の一部です。私の作った部活オケを指揮した最後の定期演奏会でした。中学校に入学しオーケストラに入部して初めて楽器を手にした子供がほとんどです。中高一貫の私立学校で当時、オーケストラは中１～高2までの5学年の生徒が一緒に演奏していました。総勢150名にもなる大所帯。全校生徒1200名の内の150名が参加する部活オーケストラ。
今回のテーマは部活も含めた「趣味の音楽」を楽しむ上で上達するための「知識」「技術」と「練習方法」を経験を元に考えるものです。
まず前提として趣味で楽しむ楽器の演奏と演奏の専門家＝プロを目指す人の目的は全く違う事を忘れないことです。目指す技術のレベルではなく「目的」の違いです。趣味で音楽を楽しむ人の集まりが部活オーケストラや部活吹奏楽、さらに市民オーケストラもその一つです。プロを目指す人の場合にはまず個人の演奏技術・知識を身に付けることが必須条件になります。多くの仲間と共に演奏を楽しむ「プロ」になるためにはまず個人のスキルが高くなければなりません。
趣味だから下手でもいいか？結論は「はい」です。演奏する本人・本人たちが楽しめることが最優先であるべきです。その演奏を聴いてくれた人が「ヘタだねー」と言ったとしても気にする必要もないし、趣味の演奏をヘタだじょうずだと言う人が間違っています。演奏する本人・本人たちが「もっとうまく演奏したい」と言う希望・欲を持つ場合に初めて必要になる基本の知識・技術・練習が生まれます。指導者＝部活の場合顧問がいくらレベルアップを望んだとしても、演奏する本人たちが望まないのであれば無駄な労力と時間を浪費するだけです。指導者が演奏をレベルアップしたいと考えるなら、まず本人たちが「純粋に」レベルアップを望むように誘導するべきですが「コンクールで上位を目指そう」と言う安直な餌で生徒を釣ることは絶対にやめて頂きたいと教員時代から願っています。趣味の音楽に序列を付けるのは「無意味」でしかありません。コンクールと言う餌がなければ生徒を惹きつけられないのは指導者の「指導能力」「指導経験」が足りないことを証明するだけです。「純粋に」と強調したのはその意味です。演奏する本人が何故？何を？上達させたいと思っているのかという根本的な問題をクリアする必要があります。自分の目指す演奏レベルと自分の演奏の「どこが・どう違うのか？」を知らないのが当たり前です。なんとなく…自分よりうまく聴こえる演奏に漠然と憧れている人に「がんばれ！」って言いますか？スポーツで考えればプロ野球の選手が出来ることを中学生・高校生に真似させて「強く」なれるはずがありません。そもそも指導者が「上達する道を通った経験」がないとしたら？YouTubeや本から得た情報だけで指導ができると思い込むのは「百害あって一利なし」です。間違った指導は成長の未来のある生徒の夢を破壊します。宝石の原石を叩き割るのが無知な指導者です。
生徒が自発的に上達したいと考えているなら…あるいは自分自身がそう思う演奏者なら「足りない技術・知識」を誰かに教えてもらう事です。少なくとも自分よりうまいと感じる人、できれば専門家を目指す人に必要な技術・知識を学んで身につけた人に教えてもらべきです。
動画で演奏している中高生に音楽の授業を通して「楽典」を教えました。当然ですが部活に所属していない生徒たちにも同様に楽典の授業を中学1年から教えました。特に「音名」「音程」について覚えていて損はしません。当然変化記号＝シャープ・フラット・ダブルシャープ・ダブルフラット・ナチュラルや調号の仕組みや名前についても教えました。子供たちにとって覚えることは他教科でも慣れています。覚えさえすれば定期考査で100点を取れます。事実、多くの中学生が楽典のテストで100点満点を取りました。覚える気のない生徒の点数はは一桁でしたが(笑)
さらに指揮法の図形も授業で教えました。校内の行事で合唱コンクールがあり学級ごとに生徒指揮者、ピアノ演奏者を決め音楽の授業時以外にも担任が立ち会って練習していましたので「指揮法」は生徒たちが求めた技術でもありました。もちろん部活オーケストラで演奏している生徒たちも図形や「点」「叩き」「平均運動」などの意味を覚えました。これも合奏では大いに役に立つ知識です。
最後に趣味の演奏で有効な練習方法について。
一言で言えば「課題を見つけるための練習」をすることです。
一般には出来るようになるまで繰り返すことを練習だと思いがちですが出来ないこと＝気付いていない症状を発見する事が優先です。治療は症状と原因を見つけてからするものです。病気と違って楽器の演奏に「予防」はありません。常に自分の演奏の状況を観察し、必要なら録音や録画をして自分の演奏の問題点を見つけ原因を探ることです。この場合も指導者のアドヴァイスは有効です。症状も原因も複数のことが絡み合っている場合が殆どですので「症状を分析する＝もつれをほどく」作業が第一です。
例えばボウイングだけを意識して開放弦を練習すると出来ることがスケール＝音階になるとできなくなる場合や曲の中で苦手な部分になると何故か？音が小さくなったり汚くなる症状です。気付くためには「観察する＝聴くこと」以外に方法がありません。人に指摘されて修正するなら自分の音を聴いていなくても出来ることです。自分で自分の音を聴くのは一番疲れることです。演奏しながら聴くのですから指や腕を動かすことに意識が集中すれば「聴く＝聴覚」への集中は落ちてしまします。運動する部分を「ひとつ」からスタートし「足し算」つまり運動する部位を一つずつ増やしながら聴く練習をすることが有効です。一気にすべての運動＝右手・左手を動かして曲を弾けばどの運動が原因で雑音が出ているのかは判断できません。引き算しながら練習する方法もありますが、最初はひとつずつ＝最初は右手だけ→左手だけでピチカート→両手で演奏のように症状が出始める原因を探すことです。
練習できる時間は人によって異なります。楽器を使って音を出さなくても上達する練習があります。
ひとつは「頭の中で演奏する＝イメージトレーニング」これは電車の中でもできます。もう一つは「楽譜と音楽を一致させる」練習です。楽譜を読む技術向上にもつながります。また色々な人の演奏を聴き比べながら楽譜を見ることで発見もあります。お茶を飲みながらできる練習です。
技術・知識・練習は「意欲」によって内容も結果も変わります。
モチベーションを維持するのは大変に難しいことです。最大のポイントは「継続は力なり」という言葉だと思っています。
最後までお読みいただきありがとうございました。
ヴァイオリニスト・ヴィオリスト 野村謙介
映像はアンドレ・ギャニオン作曲「明日」をヴァイオリンとピアノで演奏したものです。
今回のテーマはヴァイオリン、ヴィオラの演奏で「音量」を考えるものです。
前提としてヴァイオリンは管楽器や打楽器、弦楽器の中で音量が大きい楽器ではないことを考えます。確かにギターやマンドリン、リコーダーと比べれば音量＝音圧はヴァイオリンの方が大きいと言えます。しかしチェロ、コントラバスと比較すればヴァイオリンは音域が高いとは言え音量で考えれば比較して小さな楽器です。筐体＝ボディーの大きさ、弦の長さと太さを考えれば当然のことです。事実オーケストラにおいてヴァイオリンの人数がヴィオラ、チェロ、コントラバスより多いのは音量の問題があるからです。当然フルートやピッコロなどの木管楽器、トランペットなどの金管楽器とは比べようもなく音の小さな楽器です。
ヴァイオリン協奏曲を考えると明らかにオーケストラとのバランスが悪い楽器とも言えます。多くのレコードやCDで独奏ヴァイオリンの音がオーケストラと対等、あるいはオーケストラ以上に大きく録音されているのは単純にマイクの位置によるものです。会場で聴いた場合のバランスとは全く違います。これはピアノとヴァイオリンの二重奏でも同じことが言えます。
ピアノの音圧はヴァイオリンより遥かに大きく、小さな音の比較ではヴァイオリンと同程度まで小さな音を演奏できる楽器です。だからこそ「ピアノフォルテ」と言う正式な名前がついたわけです。ピアノとヴァイオリンが同時に演奏し、双方が目いっぱいのフォルティッシモで演奏したとしたら、ヴァイオリンの音は完全にマスクされ会場ではピアノの音ばかりが響きます。これはヴァイオリンの楽器がストラディバリウスだろうが新作のヴァイオリンだろうが変わりありません。演奏技術の問題でもありません。構造上の違いだからです。
ヴァイオリンを練習している時にフォルテやピアノ、クレッシェンドなど音量の変化に「基準」があるでしょうか？
どんな楽器の演奏でも最小・最大の音量があります。
音が出ていない状態でも音楽の一部です。休符や音楽の始まる直前、弾き終わった直後も音楽です。実際に楽器で音を出している時の音量は常に相対的な音量の差です。人間の耳は静かな場所では敏感になります。逆に地下鉄の車内や飛行機の中、大音量のロックライブ会場では隣の人の話し声さえ聞き取れなくなります。聴く人と演奏している人で感じられる音量の差＝変化が違います。感覚の違いより楽器との距離の問題が一つ。距離が離れるほど微妙な音量の違いは感じられなくなります。特に小さな音の場合には離れた場所では聴こえなくなります。
もう一つ大事なのは演奏者が「大きく（小さく）したつもり」で実際には変化がほとんどない場合です。クレッシェンドしているつもりでも聴いている人には同じ音量に感じるケースです。ヴァイオリンのように最大音量が小さい楽器は音量の変化を「感じてもらう」ことが困難です。もっと大きく！と頑張ると得てして汚い音になりがちです。
音量の変化量＝聴いている人が感じる音量の変化量を大きくしたければ「小さい音」を有効に使うべきだと思います。楽器の音量を物理的に大きくする技術や弦を考えることも大切ですが「相対」を大事にすべきだと考えています。
コンサートで物理的な最大音量をさらに大きくしたいのであれば最終的に「電気の力」を借りれば良いのです。野外でのクラシックコンサートでは当然の事ですがマイクとアンプ＝電気的な増幅と巨大なスピーカーを多数設置して何千人・何万人の聴衆に音を届けます。
「大音量」で演奏できることが良い演奏だと思い違いをしないことが重要だと思います。そもそも録音するなら大音量はまったく必要ありません。レコーディングの現場は音量の変化は電気的に行うのが常識です。大ホールで演奏する場合に客席の最後列でピアニッシモが聴こえないとしたら？コンサートとして成り立っていません。だからと言って曲全部をフォルテで演奏したら？ダメですよね。
小編成のアコースティック＝電気を使わない楽器の演奏・歌を大ホールで開催することに違和感を持っています。どんなに音響の良い大ホールでも音の届く限界距離があります。無理に大きな音を出そうとするよりも聴衆にピアニッシモが心地よく聴こえる環境で演奏することを考えるべきではないかと思います。
最後までお読みいただきありがとうございました。
ヴァイオリニスト・ヴィオリスト 野村謙介