メリーミュージックブログ

　写真は1808年に制作された私のヴァイオリンの表側です。
楽器を美術品として考えるならば、直接手で触れず、温度と湿度を管理した状態で保管するのがベストです。
　ヴァイオリンは美しい美術品である前に「楽器」です。音楽を演奏するための「道具」だと言えます。演奏家にとって楽器は単なる道具でないことは紛れもない事実です。ましてや、使い捨てるような類のものではありません。
自分の寿命よりも長く使用され続け、人々を魅了する音を出すのが楽器ですから、楽器の一生の一時期を「使わせてもらっている」と考えるべきだと思っています。

　どんなに大切に扱っていても、楽器に傷をつけてしまうリスクをゼロにすることは出来ません。残念なことですが、ほとんどの部分が木で出来ている弦楽器の傷は、元通りに修復することは出来ません。目立たなくすることはできますが。
特に、楽器の表側に小さな傷をつけてしまうことが多いようです。
　弓には固い金属の部分があります。スクリュー（ねじ）と毛をとめている金具です。楽器に当たれば、間違いなく傷がつきます。ピチカートで演奏する時や、勢いよくアップでＥ線を弾ききった時などが、一番リスクのある瞬間です。
　また、オーケストラの中で演奏する時などに、譜面台の角に楽器が当たるだけでも、傷はつきます。
　演奏する時に着ている洋服の、左襟元のボタンなどで傷がつくこともあります。
　肩当ての足ゴムが古くなって劣化し、ゴムが剥がれて楽器に金属の足が当たって傷をつけることもあります。
　楽器をケースに入れていても、蓋側に入れた弓の留め具を閉め忘れ、移動するたびに振動で楽器の表板に、無数の傷をつけてしまう場合もあります。
同様に、ケースの中の小物が移動中にケースの中で動き回り、楽器に傷をつけることもあります。
　目も当てられないのは、金属製の消音器（金属ミュート）を付けたままケースに入れて蓋を占めて、駒を割り、表板を割ってしまう悲惨な事故も起こります。
　ケースの蓋を閉めても、ファスナーや留め具をとめ忘れたり、移動中に留め具が外れてしまえば、楽器が転がり出て…という最悪の事故も起こりえます。
　満員電車の車内で、「セミハードケース」と呼ばれるヴァイオリンケースを抱えてもって乗っていて、押し合う人の圧力でケースがつぶれた事故は実際に起こっています。

　楽器に傷をつけたことに、気が付かないでいることもあります。
ある時に楽器の傷に気が付いて「いつの間に？」と頭を痛める生徒さんもいます。演奏し終わって、楽器を丁寧に拭いていれば、多くの場合には気が付きます。楽器が松脂でベタベタになっていても、気にしない演奏者を見かけると、楽器が可哀そうになります。楽器を、自分の身体以上に小まめにチェックするのが、上達するうえで最低限の心構えです。

　大切な楽器を綺麗にしようと、研磨剤の含まれた「汚れ落とし」で拭くのは、ニスを痛めるので極力避けるべきです。柔らかい布で、力を入れずに優しく、松脂と手の汗を別の布で拭き取ることが最適です。
　傷だらけになった楽器を見ると痛々しいものです。「痛い」と声を出せない楽器だからこそ、愛情をもって扱ってほしいと願っています。
　最後までお読みいただき、ありがとうございました。

ヴァイオリニスト・ヴィオリスト　野村謙介

　以前、ヴィブラートについてのブログを書きました。
弦楽器奏者にとって、音色は言うまでもなく正解のない問題を解こうとするのに似ています。アマチュアヴァイオリニストにとってのヴィブラートは「憧れの奏法」だと思います。実際にYoutubeでバイオリンのビブラートと検索するだけで、そりゃまぁ驚くほどの動画があります。すべてを見るのは不可能です。動画をアップしている方々の「好み」や自らの経験で、アドヴァイス動画としていることはよくわかります。
　ただ、それらの方の実際の演奏がほとんどないのが残念でした。
ちょろっと（笑）弾いている方は多いのですが、自身の演奏を紹介しないのが不思議。当然のことですが、自分の演奏技術に自信満々！なヴァイオリニストなんでいないので、「練習方法や理論」と「実演」が一致しなくても仕方ないのかな？
　どんなに料理のレシピをたくさん作った人でも、その人の作った料理を食べたことのある人はほとんどいないのが現実ですが、音楽の場合は演奏を公開することで実際に近いヴィブラートを説明することは必要だと思います。

　音色を形容する言葉の中で「柔らかい」と「暖かい」という二つが私にとってとても大切なキーワードです。ほかにも「明るい」「力強い」「透明感のある」「など、その曲や弾く場所によって必要になる音色もあります。
　ヴィブラートを運動として練習するよりも、音楽の一部として考えるべきだと思っています。もっと言えば、ヴィブラートを何のために使うのかを考えなければ、単なるピッチの連続的な変化＝波でしかないのです。
　聴いていて感じるものは、人によって違います。ヴァイオリン演奏にはヴィブラートが「当たり前」に思われていますが、必ずしもそうとは限らないと思います。それは声楽の世界でも言えることだと感じます。素直に心にしみる声が好きです。

Andreas Schollの歌うシューベルトのアヴェマリア。
ヴィブラートがどうのうこうの…ではないしみわたる音楽を私は感じます。
声楽と弦楽器は、音のできる仕組みも違います。共通点も多いと思います。
好みの問題ですが、ヒステリックなヴィブラートが私は好きではありません。
柔らかく暖かく。
演奏することは「歌う事」だと信じています。
何かを伝える歌
何かを表現する歌
歌詞がなくても歌です。人間の声が持つ安らぎは、本能的なものです。
楽器で音を出すこと＝演奏が歌に聞こえるように心がけることも、必要だと思います。楽器にしかできない演奏もありますが、音楽の本質は聴く人を幸せに感じさせる「音」であると考えます。
　こんな時代だからこそ、人の心に安らぎを感じさせる音楽が必要だと思っています。
　最後までお読みいただき、ありがとうございました。

ヴァイオリニスト・ヴィオリスト　野村謙介

　今日もレッスンで生徒さんたちが直面している「壁」を一緒に考えました。
必要以上の力が無意識に右手や左手に入ってしまう現象。
力を入れることは日常生活でも良くありますが、力を抜くことを意識することはあまりません。
　重たいものを持ち上げる時、固い瓶の蓋を開ける時など、力を入れる場面は思い浮かびます。また、驚いた時や危険を感じた瞬間に、無意識に体に力が入る経験をしたことのある人も多いと思います。身を守る「本能」があことを感じます。
　子供の頃、握力測定や背筋力の「体力測定」をした記憶がります。
筋力を増やすトレーニングは、多くのスポーツで必要になります。

　ヴァイオリンを演奏する時にも、必要な力がありますが、必要以上の力は演奏の邪魔になるばかりではなく、練習疲労が強くなってしまいます。
・必要な最低限の力を見極めること。
・脱力した状態から瞬間的に力をいれ、すぐに脱力できること。
この二つを練習する方法を考えます。

　一番脱力できる姿勢は？
横になって寝ることです。簡単です（笑）
仰向けに寝転がったままで、両腕を持ち上げていると疲れますよね？
それが「腕の重さ」です。ヴァイオリンを弾いている時に、腕の重さを感じますか？ヴァイオリンが重く感じるのとは別です。本来、腕の重みを感じるはずです。
　腕を前方に持ち上げる筋肉は、腕の筋肉よりも背中と首周りの筋肉です。
つまり、背中と首に力を入れすぎると、腕の重さを感じなくなってしまいます。
楽器を持たずに、演奏する構えだけをしていると、腕が疲れてくることを感じるはずです。
　瞬間的に力を入れる練習は、脱力した状態で筋肉を観察し、一瞬だけその筋肉に力を入れ、すぐに脱力する練習を繰り返してみます。
いわゆる「ぴくっ」と筋肉が動く感覚です。じんわり、力が入っていくのとは違います。

　握力とは「握る力」です。弓を持つ、弦を押さえる時に必要な握力は、実はほんの少しの力です。実際、幼稚園児の力でも演奏できるのですから。
　必要以上の力を入れて弦を押さえても、音の大きさはもちろん、音色も変わりません。必要最小限の力を見極める方法は…
・右手＝弓は出来るだけ「全弓」を使って大きな音で弾き続ける。
・左手親指を、ネック＝棹の下側に入れ、指の腹で楽器を軽く持ち上げて開放弦＝0で弾きます。
・左手の指を、弦に皮が触れるか？触れないか？の弱さで触りながら弾く・
・当然、音がかすれます。かすれた高い音が出る「弱さ」で触ります。
・弓をしっかり動かしながら、左手の指を少しずつ！指板に押し付けていきます。（一気に押さえては無意味です）
・左指の触っている場所の「音」が出始める「押さえ方」が最小限の力です。
・その力と「同じ力」で左親指を「上方向」に加えます。
　左手親指の役割は、弦を押さえる力を刺さることです。
左手人差し指の付け根と、親指で強くはさみすぎる人が多いので、
わざと指をネックの舌に入れ、人差し指の付け根で「はさまない」で練習してみることをお勧めします。
上記が「左手の最小限の力」です。
左手の指先を、弦に「落とす」または「軽く叩きつける」練習も重要です。
これも、じんわり握るのではなく、指の重さを利用して弦に落としたら、すぐに力を抜く練習を繰り返します。慣れてくると、弦に指が当たる音が聞こえるようになります。

　右手の力は、左手に比べとても多種多様です。
一番、気を付けるのは「背中と首の力を抜く」ことです。
肩を「ぎりぎりまで下げたままで弾く」ために、背中と首の力を抜くことが最もわかりやすい方法です。
　右腕を「前へ倣え」のように前に伸ばしても、右肩は上がっていないことを確認してみるのも一つの方法です。
　弓を動かしながら、常に「背中」「首」「肩」と言葉に出してみるのも練習方法のひとつです。力は瞬間的に入ってしまうので、この3つを言い終わらないうちに、最初の部位に力が入っていることがわかるはずです。
　右手の親指。弾いていいると隠れて見えません。
親指が「爪側に反る」のは間違いです。「手のひら側に曲げる」のが正解です。
弓を強く「握る癖」がある人は、まず弓を右手の「手のひらで包み込んで」やさしく持ってみてください。弓の先は弾けませんが、中央部分でならば音をだせます。優しく、力を入れずに持っても「いい音が出る」ことを体で覚えるまで繰り返します。
　右手の手首に、力が入りすぎる癖のある人もたくさんいます。っ上記のように「包み込んだ持ち方」で、「手の甲」が「弓の毛と平行」な傾きになっていることを確かめてみてください。
　Ｇ戦を弾くときは、右手の甲は天井に向いているはずです。
Ｄ線、Ａ線・Ｅ戦と弓が「垂直に近づく」と手の甲が、だんだん右外側方向を向くことになるはずです。
　悪い例は、右手の甲が「自分の方を向いている＝手のひらが前を向いている」状態で弾くことです。逆に、鎌首のように手首が「上がりすぎ」も良くありません。これらは「弓の中央部分」の話です。

　弓の重さだけでも、弓を動かせば音は出ます。右腕の重さを、
肘→手首→人差し指に伝え、親指でその反対方向の力を弓に加えます。
この力は「圧力」です。弓を「握りしめる力」は圧力になりません。無駄な力になって、手首や肘の自由を奪ってしまいます。握らず、親指と人差し指の「必要な力」を見つけることが大切です。

　最後に、私たちにかかっている「重力」を考えてください。
常に上から下にかかっています。楽器にも弓にも、腕にもその「重さ」があり、それをうまく利用して演奏することが大切です。
　自然にまっすぐ立った時、両腕を体の側面に沿わせて下げ、肩を極限まで下げるだけでも、自分の立ち方の「基本」が理解できます。
　楽器を構えて、弓を弦に乗せても腕の重さは変わりません。
「重さ」を感じながら、弓の毛と弦の「摩擦」を「指」で感じること。
左手で弦を押さえる力が「50グラム」なら、親指の上方向への力も「50グラム」で良いのです。楽器の重さと、弓の圧力は、鎖骨と耳の下の顎関節の骨で支えられます。
　長くなりましたが、弾いていてどこかの筋肉「だけ」が疲れたら、その場所に無意識に力がはいっていることが原因かもしれません。
疲れないように、良い音が出るように、寝ながら弾いている「つもり」で楽器を弾いてみて下さい。
　最後までお読みいただき、ありがとうございました。

　ヴァイオリニスト・ヴィオリスト　野村謙介
　

　誰もが思う事。もっとうまく弾きたい！
自分よりじょうずな人の演奏は、憧れや目標であると同時に
自分がうまくないことを思い知らされる気持ちにもなります。
じょうず、へた。おおざっぱな表現なので、「演奏技術の違い」という言葉で考えてみます。

　上の動画は、ヤッシャ・ハイフェッツという20世紀を代表するヴァイオリニストの演奏動画です。1901年に生まれ、1987年に亡くなるまで、まさに「演奏技術の最高峰」であり、神のようにあがめられたと言っても過言ではない演奏家でした。
　ヴァイオリンの演奏技術が「高い」と言われるのは、どんなことが出来ることを指すのか？
様々な見方があります。代表的なものをいくつか挙げてみます。
・速く弾いても音の高さをはずさない。
・音量が豊か。
・短い音にもビブラートをかけられる。
・弓を自由にコントロールできる。
などなど、言い方はいくらでもありますが共通していることは
「出来なくなりそうなことを、簡単そうに演奏できる」
という事になります。速さにしても、音量にしても、発音の正確さにしても
ある程度の「遅さ」なら出来ると思えることでも、その限界を超えた速さや音量、正確さを可能にしている事を「演奏技術が高い」と言って差し支えないと思います。

　「演奏技術が普通」ってあるのでしょうか？
つまり、誰かと演奏技術を比較するから「違い」があるわけです。
自分しかヴァイオリンを弾ける人はいない！
と思えば、世界で一番じょうずなのは？そうです。私なのです！
いやいや（笑）そんな思い込み、ありえないと言うなかれ。
世界的なスポーツのアスリートの多くが、試合の直前に「自分は世界一だ」と自己暗示をかけて本番に臨むそうです。
私自身、人の前で演奏する場に立つときは、自分の演奏技術を信じます。
たとえ、途中で失敗したとしても、今この瞬間にこの場所でヴァイオリンを弾いているのは自分だけなのだから、自分が世界で唯一のヴァイオリニストなのです。本番中に、ダメ出しをする人は、いないものですよ（笑）

　練習している時は、そうはいきません。落ち込みます。
自分の演奏技術が低すぎることに、嫌気がさすことが毎日続きます。
生徒さんから「先生でも？」と言われます。生徒さんが思うのと同じことを、恐らくヴァイオリニストは全員？思っているのではないでしょうか。
　自分より正確に、かつ美しく演奏できる人が必ずいるのではないでしょうか？
それは、自分の顔より美しい顔の人がいると思うのと同じです。なぜなら、自分の顔を自分で見られないように、自分の演奏を客席で自分が聴くことは出来ないのですから。
　と。自分を慰めてみたりしましたが。
どうすれば演奏技術は高くなるのでしょうか？どこかにその秘密はないのでしょうか？

　この動画は4歳の生徒さんが初めて人前で演奏したときのものです。
習い始めて約半年。まだ楽器と弓をきちんと持つことは難しい段階ですが、それでも一生懸命演奏しています。
　もしも大人の方が「これは、子供だから」と感じられたなら、むしろ考えを
「自分がこの4歳の子供と何が違うのか？」と考えてみてもらえればと思います。なにも知らないのが当たり前です。そして、出来ることも少ないのが子供です。先生の言っていることを理解できる言葉も少ない中で、わかったこと「だけ」をやろうとしている姿。
　私も含めて、大人になるとつまらない「プライド」を無意識に持っています。
出来ないことがあると、出来る人をわざわざ探して「自分が劣っている」と自虐します。出来なくて当たり前なのです。
　演奏技術を高めたければ、自分の出来ることを一つずつ増やすだけです。
自分のできないことを知ることです。コンプレックスを持たずに、時間をかけて、探しては出来る方法を考えて、出来るまで練習する。その繰り返しだけが唯一の方法です。
　61歳の私が今から身に着けられる演奏技術が、どれだけあるのか？誰にもわかりませんが、一つでもできれば「儲けもの」です。
70代の生徒さんが楽しみながら楽器を練習しています。
趣味に年齢制限はありません。期限もありません。テストもありません。
毎日、楽器を弾けなくても、弾いた時間だけ上達していると思うことも大切です。
　最後までお読みいただき、ありがとうございました。

　ヴァイオリニスト・ヴィオリスト　野村謙介

　ヴァイオリンを初めて演奏する生徒さんの中で、それまでにピアノを練習した経験がある人と、そうでない人の違いについて考えます。
　一般的に、ピアノを習ったことのある人の割合は、ヴァイオリンに比べ恐らく10倍以上多いと感じます。もちろん、地域や時代によって変動しますが、ピアノは「習い事」の中でもポピュラーです。

　ヴァイオリンを演奏したいと思う人の中で、ピアノやその他の楽器を習ったことのある人と、初めての楽器がヴァイオリン…と言う人の割合は、意外かもしれませんが、6：4か、7：3程度です。つまり、半数近い生徒さんが「初めての楽器がヴァイオリン」です。年齢別に考えても大差ありません。
　ヴァイオリンは、どういうわけか？憧れの楽器＝弾いてみたい楽器のトップ5？には入るようです。むしろ、ギターやフルートは個人で買って楽しんだり、中学校や高校の吹奏楽部で楽しめたりすることが大きな要因だと思います。

　そのヴァイオリンを練習する時、ピアノを弾ける人が優位なことがあるとすれば、楽譜を音にする経験があり、楽譜だけを見るとヴァイオリンの楽譜がとても「簡単」だという事です。ただ、楽譜を音楽に出来るか？という技術は、身に着けていなくてもピアノは弾けますので、弾けることと、楽譜を音に出来ることはイコールではありません。厳密に言えば、楽譜を読んでピアノを弾くことを習った人の場合の話になります。
　一方で、初めての楽器がヴァイオリンという方の場合、楽譜を音にするための技術も、持っていない場合がほとんどです。学校の授業でリコーダーを吹いたり、合唱をした時でも楽譜を音にしていた人は、ほぼ「ゼロ」です。

　ピアノを楽譜を見て上手に弾ける人なら、ヴァイオリンがすぐに弾けるようになるか？というと、答えは残念ながら「ＮＯ！」です。なぜなら、楽譜が読めたり、音の名前がわかって音の高さがわかっても、自分の出したい音の高さを、どうやったら弾けるのか？言い換えると、ヴァイオリンはどうすれば？どんな音が出せるのか？が、ピアノと比較してはるかに「わかりにくい」からです。
　さらに、ピアノは調律さえできていれば、「変な高さの音は出ない」構造です。ヴァイオリンは、開放弦を正確にチューニングしてあっても、その他の高さの音は、すべて自分の「耳＝音感」で探して演奏する楽器です。むしろ、ピアノを習った経験のある人の方が、自分の出すヴァイオリンの音の高さが「気持ち悪い」と苦笑されます。
　もう一つの大きな違いが、両手の役割の違い＝運動の分離が難しいことです。

　多くのそうした生徒さんが落ちる落とし穴があります。
左手で押さえる場所が違う＝音の高さが違うと感じて、直そうとすると無意識に、右手の動きが止まることです。止まるまでいかなくても、非常に動きにくくなります。無理もないことです。私たちは両手を同時に使って、違う作業をすることが少ないのです。あったとしても、どちらかの手が「主役」で、もう一方の手は「補助的な役割」をする程度です。
　包丁を使っている時の、もう一方の手は「補助」ですよね？
両手でナイフとフォークを使って料理を食べている時でも、おそらくどちらかの手しか動いていないのではないでしょうか？
　音楽家同士の遊びの中に、こんなものがあります。試してみてください。

　右手で4拍子の指揮をしながら、左手で3拍子の指揮をする。
もちろん、同じ拍の長さ＝テンポは同じで、同時に1拍目から指揮をスタートします。やりやすい、4拍子の図形で構いません。3拍子は単純に三角形の図形で構いません。
　せーの！
初めての人は恐らく2泊目で止まりますよね？笑
右手で4拍子の指揮を「１・2・3・4・1・2・3・4…」と繰り返すだけならできますよね？
左手で3拍子の指揮を「1・2・3・1・2・3…」と繰り返すのも、単独なら簡単ですよね？
はい。それを同時にスタートします！
仮に4拍子を口で言い続けて「１・2・3・4・1・2・3・4…」と言いながら、両手で4拍子と3拍子を同時に振ると、4拍子を3回繰り返して4巡目に入る瞬間の「１」の時に、左手の3拍子も「１」になるのです。
……………………？？？？？？
　３と４の「最小公倍数」は12です。つまり、4拍子を3回繰り返すと12泊、振ることになります。その時に3拍子は「4巡目の1拍目」になります＝3拍子を4回繰り返すと12泊振ることになるからです。

　これ、電車やバスの中で、やらないでください。ついムキになってしまうので、周りの人が離れていくか、通報される危険性があります。自宅で鏡に向かって楽しんでください。

　さて、ヴァイオリンはこの「左手と右手の分離」に近いことをしながら、演奏することになります。ただ、私からすると、ピアニストが両手で同時に違う音を弾けることのほうが難しく感じています。
　右手と左手の分離と同期は、一朝一夕にできません。少なくとも、頭でどちらかの手に集中すると、もう一方の手は無意識になることが、上記の指揮の遊びで実感できると思います。
　あ。じゃんけんを両手でやるのも、むずかしいですよ。常に右手が勝つことと、常に違う形＝グーかチョキかパーを変え続けて、何回？続けられますか？
　それはさておき、左手の押さえる場所＝音の高さを修正する時に、意識的に（無理やりにでも）右手で全弓を使って大きくて良い音で弾き「ながら」音の高さを修正する「習慣」をつけることをお勧めします。
　もしくは、左手の練習をするときには、ピチカートで練習するのもひとつの方法です。
　右手の練習をしてから、左手の練習をする「順序」を決めることもお勧めします。なぜなら「音が出なければ、正しい音の高さにならない」からです。
　常に、右手に意識を集中し、音の高さは「耳で確かめる」ことも大切です。

　ピアノとヴァイオリンの構造の違いを理解した上で、練習法帆を考えると上達の近道になるだけでなく、ストレスの軽減につながります。
　あきらめずに！あせらずに！練習してください。
ピアノのように、どんどん弾けるようになる「上達した実感」はヴァイオリンではなかなか感じられません。ただ、練習しているうちに、無意識に出来るようになっていることに、「ふと」気付くものです。その日は必ずやってきます！

ヴァイオリニスト・ヴィオリスト　野村謙介

　一般に長い音符が多かったり、テンポがゆっくりの音楽は演奏が簡単だと思いがちです。確かに前回のブログで書いたように、テンポの速い音楽を演奏することは初心者にとってとても大変なことです。上の動画はリサイタルでの演奏動画です。アルヴォ・ペルト作曲した「鏡の中の鏡」は聴いての通り、ヴァイオリンは常に長い音を演奏し続け、ピアノは同じリズムで淡々と演奏し続けます。
　一方でクライスラーの作曲した「コレルリの主題による変奏曲」は、16分音符の連続やトリル、重音の連続があるため、初心者にとって難易度が高く感じます。聴いていてもどちらが難しそうに感じるか？という事で言えば、クライスラーの曲の方が派手で、難しそうに聞こえるのが自然です。

　アマチュアの人が楽譜を音にする「だけ」なら、ゆっくりした曲・同じリズムが繰り返される曲のほうが演奏しやすく感じます。
　おそらくプロの演奏家にとって、どちらが難しいですか？と聞けば多くの人はアルヴォ・ペルトが難しいと答えるのではないでしょうか。
　一言で言ってしまえば「粗が出やすい」という事です。もっと言えば、演奏者の技術があらわになるとも言えます。

　音楽的な表現もさることながら、弦楽器、管楽器、声楽の場合に長い音を演奏することは基本的な演奏技術である「ロングトーン＝長い音」の技術があげられます。弦楽器の場合、弓の長さいっぱいに、出来るだけゆっくり動かしながら、音の大きさと音色を均一に弾くことは、本当に難しい技術です。
　特に弓の速さと圧力の関係を、腕が伸びた状態＝弓先でも、腕を曲げた状態＝弓元でも同じようにコントロールすることは、至難の業です。簡単そうに思えますが、ただ音が出ればよい…のではなく、必要な音量を維持しながら、震えたり、かすれたり、つぶれたりしないように音を出し続ける集中力も必要です。
　例えていえば、刷毛を使って、看板に文字や絵を描く職人さんがいます。
下絵もなく、ガイドラインもなく、一回で書き上げていきます。あの集中力は見ていてうっとりします。
　身近な例えで言えば、筆で同じ太さのまっすぐな直線を書こうとしたら…
難しいことは想像できますよね？それに似ています。

　速い音楽、言い換えれば短い音の連続した音楽を演奏する場合、弦楽器では右手と左手の運動の連携が最も難しい技術かも知れません。もちろん、アマチュアの人にとって…の話です。右手左手を、ある時は分離して動かし、ある時は同期させて動かすことは、慣れが必要です。以前にも書きましたが、一つの運動に集中すると他の運動は、無意識で運動することになります。両手をコントロールするためには、片方の手に集中しないことです。頭を空っぽにするのではなく、音をイメージして両手ともに「無意識」で動かせれば、分離も同期もできます。

　ぜひ、ゆっくりした音楽を丁寧に演奏する練習を繰り返してください。
もちろん、速い曲の練習も必要ですが、基本は長い音を綺麗に弾けることです。
右手一生。そう思って頑張りましょう！

　ヴァイオリニスト・ヴィオリスト　野村謙介

上の動画は、Ｊ.Ｓ.バッハ作曲　無伴奏ヴァイオリンソナタ第1番よりアダージョの冒頭部分だけを、Youtubeで拾い集めてつなぎ合わせたものです。どれがどなたの演奏かは気にしないでください（笑）
　この楽譜をバッハが手書きで書いたものから、現代のパソコンで作られたものもすべて「楽譜」と呼ばれます。
　その楽譜を演奏者が音にすることが出来るのは、当時から楽譜の約束が現代まで変わっていない＝伝承されているからです。考えたらすごいことですよね。

　さて、楽譜を音にすることが出来るから昔の作曲家の書いた曲を、今演奏できるわけですが、同じ楽譜でも演奏する人の個性があります。楽譜に書いてあることの中で、最低限守らなければいけないことがあるとすれば、音符の高さと長さ、休符の長さの2種類になると思います。もちろん、強弱記号、発想記号も大切な要素です。音楽として「最低限」変えてはいけないものがあるとしたら、この2種類になると思っています。
　現実に、動画の中の演奏を聴いていると、全く同じテンポ＝速さで弾いている演奏はありませんし、音符の長さも様々です。強弱に至っては本当に人それぞれです。録音されたものですから、音色や音量が違って当たり前です。それを差し引いて聞いても、演奏者の個性が感じられると思います。

　作曲者本人が自分で演奏する場合もあります。その場合、その都度違った演奏をすることもよく見受けられます。ポップスでも「あるある」な話です。
　楽譜に書いてあることは、作曲者の表現したい音楽です。ただ、それを世に出し様々な人が演奏できることになった場合、作曲者の「思い」は演奏者の解釈に委ねられます。簡単に言えば、演奏者の感性で楽譜を音にすることになります。
　演劇や映画などでも同じようなことがあります。台本、脚本があり演者がそれを表現する時、演者によって作品は大きく変わるものです。

　演奏者が楽譜を音に出来ないケースは多々あります。
それを「能力が低い」とか「努力が足りない」と切り捨てるのは簡単ですが、演奏の能力と楽譜を音にできる能力は、全く違う能力です。美空ひばりさん、小椋佳さんは楽譜を音に出来なかったそうです。それでも素晴らしい演奏者だと思います。

　曲を作る人の感性と演奏する人の感性。さらに聴く人の感性。
すべてが違うのが自然です。だからこそ、演奏する人間は、自分の感性を大切にするべきです。誰かの演奏を「まる」っと真似をするのではなく、自分の頭で考え感じた音楽を表現するための努力が必要です。
　作曲者の書いた楽譜、曲を自分なら、どう？演奏するかを考えることは、作曲した人への敬意につながると思います。
　とは言え、自分の演奏技術の中で出来ることに「限界」を先に感じてしまう人も多いのが現実です。プロの演奏を色々聴き比べたり、Youtubeでアマチュアの演奏を聴いてみても自分の「できそうなこと」がわからないのは、ごく当たり前のことです。なぜなら「出来ることとできないことの違いが判らない」のですから。上手に弾いている人の演奏を聴くと、何が？どう？自分と違うのかが言語化できないのは、知識として演奏に必要な技術をまだ知らないので仕方のないことです。
　例えていうなら、家を建てるために必要な知識と技術を知らない私たちにとって、なにから始めれば家が建つのか？わからなくて当たり前なのと似ています。
　おいしいと思う料理のレシピを知らなければ、同じ味を出すことは不可能です。さらに、レシピがわかっても失敗の経験を重ねなければ、その味を再現することは無理でしょう。音楽も同じだと思います。いくら練習方法「だけ」を知っていても、実際に失敗を重ねながら根気よく練習しなければ、目指す演奏に近づくことはできません。
　楽譜を料理の「素材」あるいは「レシピ」に例えるなら、演奏する人は料理人です。素材とレシピを基に自分で試行錯誤しながら、自分の美味しいと思う料理が出来るまで失敗を重ねて初めて、理想の味にたどり着けるのではないでしょうか。
　レトルト食品のように、簡単にプロの味を再現できる「音楽」は、録音された音楽を聴くことです。自分で料理する楽しさが、演奏する楽しさです。
　人によって好みの味が違うように、音楽にも好みがあります。
他人が美味しいと言っても自分の舌には合わないこともあります。
自分の好きな演奏を出来るのは、演奏するうえで最大の楽しみのはずです。
インスタントに出来るものではありません。だからこそ、失敗にくじけない「根気」が不可欠です。最初から諦めるなら、レトルト食品で満足する＝他人の演奏を聴くことに徹するしかありません。

　個性は決して突飛なことをする事でもなく、人と違うことをする事でもありません。自分の好きな音楽を模索し続け、自分が楽しめる演奏をする事こそが個性だと思います。まずは、他人のレシピで色々試し、自分に足りない技術を探し、出来るように練習し、また違うレシピを試す…その繰り返しが、個性的な演奏に繋がり、延いては自分の演奏技術を高めることになると信じています。
　最後までお読みいただき、ありがとうございました。

　映像は2002年1月のメリーオーケストラ第1回定期演奏会。ふるさとを演奏する子供たちとプロの演奏家仲間です。
　今回のタイトルに基礎練習「？」とわざわざクエスチョンマークを付けたのには理由があります。Youtubeでこの言葉を検索をすると、山のように動画が見つかります。すべてを見たわけではありません。ただ、私に独自の考え方があるので、そのことについて書きます。

　たとえば、家を建てる時に基礎を作ります。
基礎だけでは人が生活することは出来ません。基礎の上に建物を作るためにあるのです。
　ヴァイオリンの基礎練習。何のために？基礎を作るのでしょう。
そもそも、ヴァイオリンの基礎とはどんな技術の事を言うのか？実は明確な定義はありません。むしろ、人によって基礎と思うことが違うのが当たり前です。
「基礎の練習をしないとうまく弾けない」とか「難しい曲を弾けるためには基礎が必要」とか。実にあいまいな言葉です。

　メリーオーケストラで演奏している子供たちは、演奏を楽しむために集まった子供たちです。決して練習するために…とか、上手になるために集まった子供たちではありません。演奏を楽しむために必要になる技術は、本当に様々ありますがざっくり言えば「弾ければ楽しめる」のです。しかも、誰かと一緒に弾くことは、ヴァイオリンという楽器の特性でもあり、ピアノと違う「合奏することを前提に作られた楽器」でもあるのです。一人で悶々（笑）と音階と練習曲と伴奏抜きのコンチェルトソロを練習しても、楽しいと思えないのが当たり前です。
　ピアノは一人で演奏を完結できる曲がほとんどです。ヴァイオリンは違います。無伴奏の曲はごく一部です。ヴァイオリン以外の楽器や何人かのヴァイオリンで一緒に演奏することが、本来のヴァイオリンの楽しみ方と言っても言い過ぎではありません。
　つまり「一緒に演奏する」ことが「建物」であり、その演奏の幅を広げるために必要になる技術が「基礎」だと思っています。

　極論すれば、一緒に演奏しながら上達できるなら、自然に基礎練習もしていることになります。事実、20年間、部活動オーケストラの練習で「基礎練習」は行いませんでした。メトロノームに合わせて合奏練習するのを「基礎」と勘違いしている団体が多いのですが、まったく効果はありません。むしろ時間の無駄です。
　合奏に参加するために、楽譜を覚えて演奏する。これ、無理だと思う人が多いのですが、皆さん小学校、中学校で合唱をした時、楽譜を読み名がら歌っていましたか？ほぼ100パーセントの子供が、自分の歌う歌詞とメロディーを「覚えて」歌っていたはずです。つまりは、覚えること自体は、それほど大変なことではないのです。むしろ、歌えない＝弾けないことのほうが難しかったはずです。
　ほかのパートにつられて歌ってしまった記憶はありませんか？
楽器の演奏でも同じです。演奏できると言っても色々なレベルがあります。
どのくらい正確に、そのくらい綺麗な音で、どのくらい思ったように弾けるか？
それらを出来るようにするのが「基礎練習」です。
　どんなに音階だけが正確に弾けても、リズムがわからなかったり、音が穢かったり、音が小さすぎたり、音量を変えられなければ、合奏で他の人と一緒に演奏して満足できないはずです。
　一人でいくら上手に弾けても、他の人に合わせられなければ、合奏できません。自分以外の音を聴きながら、自分の音を聴き、ピッチや時間を合わせる技術は別の技術です。

　では合奏だけしていればうまくなるか？と言うと少し違います。
合奏するために必要な色々な技術をすべて短期間に身に着けることは無理です。
オーケストラで演奏する曲のすべての音をきちんと弾けるのは、おそらく特殊なトレーニングを受けた人です。下の動画をご覧ください。

　メリーオーケストラ第39回定期演奏会での演奏です。
この中のヴァイオリン、全員がすべての音を弾いている…
　いや？弾いていません。と言うか弾こうとはしていますが、現実には弾けているのは数名のプロだけです。「そんなこと言っちゃっていいの？」と言われそうですが、何も問題にしないのがメリーオーケストラなのです。弾けるように頑張ろう！と練習はしています。でも現実には無理です。では、この演奏は「へたくそ」でしょうか？もちろん、プロのオーケストラのような正確さはありませんし、傷だらけです。いくらプロの仲間や音大生が入ったとしても、オーケストラ全体で言えば傷はたくさんあるのです。それでも決して「へたくそ」と言い切れないと、プロのヴァイオリニストの私自身も思います。手前みそ…もありますが、本当に一生懸命演奏しようとする音、何よりもお客様の前で多くの仲間、プロの人と演奏できる「喜び」が音に出ていると思うのです。
　演奏がうまい…と言うのは、ただ間違えないだけの演奏ではありません。
それに気づくことができるのは、自分が誰かと一緒に演奏した時なのです。
評論家が偉そうに言うのは簡単です。自分が演奏を楽しんだ経験があれば、人さまの演奏に偉そうにコメントすることを職業にできないと思うのですが。

　結論。ヴァイオリン演奏技術を上達させければ、一緒に誰かと演奏することです。ひとりで練習できるようになるのは、演奏の楽しさを知ってからで十分です。基礎練習は誰かと一緒に演奏を楽しむための技術を「身に着ける」練習です。ボーイング＝弓を動かす練習、音階、ポジション移動、指の独立＝右手の速い運指、など。一緒に演奏を楽しむための技術なら、練習しても良いですよね？
基礎だけの音楽は、地球上に存在しません。
以上、すべて「個人の考え」でございました（笑）
気を悪くされた方、ごめんなさい。

NPO法人メリーオーケストラ創設者・理事長・指揮者
ヴァイオリニスト・ヴィオリスト　野村謙介

　上の二つの動画は、どちらも夕焼け小焼けの前奏と出だし部分です。
ちなみに、聞こえる音楽は、どちらも全く同じ音源です。
上の映像は、よく見ると4分の2拍子で、下の映像は4分の4拍子です。

　今回、テーマにしたのは楽譜を音楽にする技術の中で、音の高さを見つけるより、音符と休符の長さ＝リズムの方が、はるかに難しいという話です。
　楽譜に書いてある音符を音にするために、必要な知識は？
「ドレミ」などの音の名前を読めることです。それがわかったら、次は手鹿にある楽器、リコーダーでも鍵盤ハーモニカでも、もちろんピアノでも、とにかく「ドレミ」の音の出し方がわかる楽器で、楽譜を音に出来ます。
　厳密に言えば、オクターブがあっていないこともあり得ますが、次の音に上がるか？下がるか？を間違わなければ、連続した音の高低がわかります。
　これで音楽になるでしょうか？
いいえ。なにか足りない。と言うより、音楽として全然未完成に感じるはずです。つまり、音の高さだけがわかっても、曲には聞こえないという事です。

　音符と休符の組み合わせでリズムが生まれます。
音の名前が、音の「高さ低さ」を表すもので、音符や休符の種類（たとえば、4分音符、2分音符、2分休符など）は「時間」を表すことになります。
　時間を表すと言っても、「何秒間、音を出す」「何秒間、音を出さない」という計測方法ではありません。実に難しい「相対的な時間の長さ」を表しています。
　２分音符は4分音符の「2倍、長く音を出す」事を意味します。言い換えれば、4分音符は2分音符の「2分の1の長さ、音を出す」ことです。
これ以上は細かく説明しませんが、音符を演奏する「時間＝長さ」は、どれか一種類の音符を演奏する時間を決めることで、ほかのすべての音符や休符の時間が決まることになります。
　4分音符一つ分を1秒間音をだすなら、2分音符はひとつで2秒間音をだします。8分音符なら一つ分で0.5秒音を出して次の音符、または休符になります。
この相対関係で、音符と休符の時間が決まります。

　上の映像、4分の２拍子の方は、4分音符を1秒間に30回演奏できる速さ＝1分間に4分音符30回の速さ、楽譜には「♩＝30」で演奏しています。
　下の映像は、4分の4拍子で、4分音符を1分間に60回演奏できる速さ＝1分間に4分音符60回の速さ、「♩＝60」で演奏しています。
　聴感上は、全く同じ演奏です。でも明らかに、楽譜は違うのです。
上の楽譜は4分音符の長さが「長い」、下の楽譜は上に比べて4分音符の長さが「半分＝2倍速い」という事になります。
　音楽を聴いただけで、音の高さがわかっても、その曲が「何分の何拍子」かは実はわからないのです。楽譜を見て初めて「あ！なるほどね」となるのです。
　聴音の試験でも必ず、これから演奏する曲を弾く前に「△△長調（または短調）、〇〇分の〇〇拍子、××小節」と先生が伝え、その楽譜を五線紙に書く用意をします。拍子がわからなければ、正確な楽譜にはなりません。

　これは「聴いた音楽の拍子」の話でしたが、逆から考えると「楽譜のリズムを音にする」のも、拍子記号の「下の数字＝基準になる音符の種類」の速さ＝長さを決めてから読み始めます。
　たとえば、4分の３拍子の曲であれば、拍の基準は「4分音符」です。
８分の6拍子であれば、「8分音符」が拍の基準ですが、この場合はちょっと複雑で付点4分音符が拍の基準＝１拍になります。8分の３拍子も同じ付点４分音符が基準になります。
　基準になる音符の長さ＝速さを決めたら、あとはその基準の音符を「１」として他の種類の音符・休符の時間を決めます。
　この技術は、ひたすら繰り返すことしか身に着ける方法がありません。
絶対音感があっても、これはトレーニングしないと理解できません。

　楽譜を音にするために、リズムを先に理解することをお勧めします。
難しそうな楽譜の場合、基準の拍をゆっくり＝長くして、さらに「タイ」を取り払ってから、歌ってみましょう。休符が多い場合は、前後どちらかの音符と同じ高さの「音符」に置き換えて歌ってみると、案外簡単に歌えます。休符は意外に難しいのです。単なる「おやすみ」ではないのです。
　パソコンソフトに打ち込んで、鳴らしてみる方法が一番手っ取り早い（笑）かも知れませんが、自分の力で感覚的に音符の相対的な長さを「音にする」技術を身につける努力をしてみてください。
　必ず出来るようになります!
　今回も最後までお読みいただき、ありがとうございました。

ヴァイオリニスト・ヴィオリスト　野村謙介

　映像は、Youtubeで放映された番組です。
ゲストとしてインタビューを受けている方、調律師の江頭さんと仰る方で、
私たち夫婦との出会いは、偶然が重なった奇跡的なものでした。
　当時、私が教えていた生徒さんの地元でコンサートの依頼を受けました。
初めての会場に到着したものの、ホールには主催者がいない…
「まだ見えていないようですね」と声を掛けてきてくださったのが、調律を頼まれていた江頭さんでした。コンサート後の打ち上げでもご一緒しました。
　その後、豆腐レストラン「梅の花」でコンサートを依頼された時には、電子ピアノとＰＡの準備をすべてお願いしたのも江頭さん。
　その後、教室の発表会やメリーオーケストラ定期演奏会での調律を毎回お願いしています。その江頭さんを表面的にしか存じ上げていませんでした。
　昨年の秋に、調律をお願いした会場の舞台で、初めて江頭さんからお話を伺って、へぇ~！っと素直に驚きました。とは言え、特別な違和感もなく普通に受け入れられました。

　私たちは、生まれ育った環境や、時々の文化の中で生きています。
人類の歴史のすべての記録があるわけではありませんが、古代から人間は
「個体差」のある生き物でした。その差で不当に差別をしてきた史実があります。生まれながらに持っている差もあれば、成長とともに明らかになる差もあります。
　肌の色、目の色、骨格、身長、話す言葉、生まれた国などの外見的な違いで、差別をしてきた歴史があります。生まれついての違いです。四肢が多くの人と違うだけで、差別をしていたこともあります。
　見た目にわからない個体差は、もっと陰湿な差別を生みました。
私の病気（網膜色素変性症）も見た目にはわからないものです。
　大きな集団の中で、少数＝マイノリティは、多数＝マジョリティに対して
いつの間にか委縮した考えを持ちやすく、逆にマジョリティ側は、少数者に対し「意味のない優越感」を持ちやすいものです。

　ここ10年ほどの間に「ヘイト」という言葉をよく耳にするようになりました。
間違った使い方をする集団が政治組織にも見られます。
本来、ヘイトとは「差別を基に個人や集団を貶める」ことです。
喧嘩で相手に対して「ばかやろう」とか「あほ」と言った罵詈雑言は、度を過ごせば「名誉棄損」に当たる場合もありますが、ヘイトとは言いません。
　またその手の人たちは、マイノリティ側がマジョリティ側に対して「ヘイト」をしていると、意味不明なこともおっしゃいます。
　日本国内で、たとえば身体に障がいを持っている人は全体の約2パーセントと言われています。その人たちが、98パーセントの健常者に対して「日本から出ていけ」って、誰が考えても無理ですよね？
　一方で、少数の人たちを援助する法律を切り捨ててしまうことは、法的に可能であり、もしもそうなれば障がいを持つ人たちは、生きていくことさえできなくなります。「ヘイト」の意味を知らずに使うのは、やめて欲しいものです。

　さて、私のライフワークである、NPO法人メリーオーケストラの活動は、青少年の健全な育成と音楽の普及を目的としています。
　子供たちの考え方は、一般的に大人と比べて未熟なものです。
その子供たちに、間違った固定観念を植え付けているのは、私たち大人なのです。
　音楽を幼児や小児に教えていると、当たり前のように学習能力に差があります。それが当然ののです。同じ環境で育った「兄弟姉妹」でさえ、みんな違います。それは能力の差ではなく、個体差なのです。一卵性双生児でも、好みが違い性格も違います。
　他方で、医学的な診断で学習障害を持つ子供もたくさんいます。
程度は様々です。どこから障がいなのか、安直に線を引くことはできません。
　注意欠陥・多動性障害（ADHD）の場合も、中学・高校で20年間教諭を務めていて、幾度となく対面しました。しかし、それも判断は安直には出来ません。

　悲しいことに、私たちは自分が人より優れていると言われたり、思ったりすると気持ちが良いことを知っています。逆のことも知っています。
　自分は優れていて、「あの人・あの子供」は劣っていると思うことに抵抗感がないのも現実です。自分や自分の家族が言われると、許せないのに。
　自分の知らないことより、自分の知っていることが正しいと思いたがります。
前年に担任していた生徒が、自分の性同一性障害（GIDを親に認めてもらえず、自ら命を絶ってしまった経験があります。こんな悲劇が現実にあるのです。
　「弱いからだ」と言う人がいます。
その人がどんなに強い人か知りませんが、人の痛みを思うことのできない人間が、強いはずはありません。

　自分の知らないことの方が、たくさんあるのです。
知らないがゆえに、無意識に他人を深く傷つけていることがあります。
私の母は「認知症になったらバカになる」「認知症はダメな人間がなる」と
死ぬまで思っていました。いくら否定しても、自分が認知症であることを、自分で否定しきれず、私たちの言葉に耳を傾けず、苦しんでいました。矛盾していることをわかっていても、固定観念を変えることが出来なかったのです。

　私たちの周りには、たくさんの人がいます。
自分と他人は、すべてが違う人間だと思うべきです。
自分と同じところ、似ているところがあるかも知れません。
でも、それは目に見えることだけなのです。
他人を肯定することは、自分を否定されないことです。
「LGBT」　レズビアン（女性同性愛者）、ゲイ（男性同性愛者）、バイセクシュアル（両性愛者）、トランスジェンダー（性同一性障がい者を含む、心と出生時の性別が一致しない人）のアルファベットの頭文字を取った言葉で、「性的少数者の総称」として用いられることもあります。
　上の説明を読んで、あぁなるほど！と思ってくれる人が、一人でもいたらと思っています。
　私たちが出来ることは少ないかもしれません。
本当の意味で理解することは、本人でさえ難しいことだと思います。
それでも、「固定観念」を捨て、知識として感覚として、他人の個性を大切にすることは出来ると思っています。
　子供たちに、間違った差別を教えるのはやめましょう。
みんな、地球に生まれた同じ人類なのですから。
最後までお読みいただき、ありがとうございました。

NPO法人メリーオーケストラ理事長　野村謙介